Buenos Aires, Argentina. Hasta el 21 de junio 2020.
Convocatoria Proyecto Imaginario
Latinoamérica 2020 / 2021
11 de septiembre 3650
convocatoria@proyectoimaginario.com.ar
http://www.proyectoimaginario.com.ar
facebook
Bases
Formulario de Aplicación
PROYECTO IMAGINARIO
Latinoamérica 2020 / 2021
CONVOCATORIA ABIERTA
PI.IMG Latinoamérica es un ciclo de estudios a distancia de 18 meses de duración para fotógrafxs y artistas visuales.
Es parte de Proyecto Imaginario, un programa avanzado de formación para fotógrafxs y artistas visuales. Desde 2015 en Buenos Aires, Argentina se han realizado 9 ediciones en las que participaron más de 150 fotógrafxs y artistas de otras disciplinas.
Dada la repercusión y trascendencia que tuvo el desarrollo del programa PI Argentina, en 2018 nace PI Latinoamérica, plataforma a distancia, para ampliar la convocatoria a nivel continental, habilitando así la posibilidad de enriquecer la interacción entre artistas de distintas latitudes.
PI Latinoamérica se basa en el seguimiento en profundidad de la obra de cada artista. Proponemos un ámbito de intercambio permanente que enriquezca la producción con miradas diversas y refuerce el análisis y la conceptualización del trabajo de cada participante.
PI Latinoamérica aborda la vinculación entre artista, obra y público y brinda las herramientas necesarias para potenciar este diálogo.
Para lograr estos objetivos, a lo largo de nuestro programa, destacados docentes de la fotografía y las artes visuales trabajarán en formato de clínica con cada proyecto para potenciar la obra desde múltiples perspectivas y dictarán seminarios y talleres específicos.
¿A QUIÉNES ESTÁ DESTINADO ESTE PROGRAMA?
A fotógrafxs y artistas visuales que quieran profundizar la reflexión sobre la obra propia e impulsar su producción.
¿CÓMO PARTICIPO DE LA CONVOCATORIA?
1. Leé en detalle las bases para aplicar a PI.IMG Latinoamérica.
2. Prepará el material de tu presentación en un único archivo PDF.
3. Completá el formulario de aplicación con tus datos y subí ahí mismo el material que preparaste.
Nosotrxs te contestaremos confirmando si recibimos todo correctamente.
FECHAS IMPORTANTES
Apertura de la convocatoria: Lunes 4 de mayo de 2020
Cierre de la convocatoria: Domingo 7 de junio de 2020
Comunicación de resultados: Miércoles 17 de junio 2020
Inicio de clases: Jueves 25 de junio de 2020
MODALIDAD
Proyecto Imaginario – Latinoamérica está estructurado en dos bloques de clases que corren en paralelo durante los 18 meses del programa: las clínicas de obra y los talleres y seminarios que buscan apoyar la clínica desde múltiples aspectos y brindar herramientas de autogestión.
El ciclo a distancia tendrá la modalidad de aula virtual y las clases se darán con el docente en vivo. Todas las clases quedarán grabadas para aquellos alumnos que no hayan podido concurrir o deseen volver a verlas.
El ciclo tiene una carga total de 270 horas. Las clases se realizan los días lunes de 19 a 21hs. y jueves de 19 a 21.00hs. (hora Argentina).
CLÍNICA DE OBRA
Con cada uno de los docentes de clínica los participantes tendrán la oportunidad de revisar en profundidad su trabajo, discutir metodologías, referencias, posibles abordajes para las siguientes etapas del proyecto, opciones de materialización y compartir dudas. Es la actividad más intensa del ciclo y la más enriquecedora para cada autor y para el grupo.
Los docentes a cargo de las clínicas serán Eduardo Stupía, Lorena Fernández, Verónica Fieiras, Santiago Porter, Cecilia Lutufyan e Ivana Salfity.
SEMINARIOS Y TALLERES
Cada uno de los seminarios y talleres están pensados para fortalecer la reflexión sobre la obra de cada participante y brindar herramientas que permitan autogestionar la producción de cada autor. Los ya confirmados para 2020-2021 son:
La fotografía en las prácticas artísticas contemporáneas+
Diego Guerra
El propósito del seminario es reflexionar sobre algunos aspectos clave de la fotografía y su lugar en el arte contemporáneo dentro y fuera de la Argentina, a partir de una serie de temas de amplio alcance que se tomarán como ejes conductores. Lejos de tratarse de un curso organizado cronológicamente ni cerrado en torno a una sucesión de movimientos artísticos o biografías de autores, el seminario nos invita a la reflexión crítica en torno a las obras, la apropiación del discurso teórico y la construcción de un punto de vista propio sobre las imágenes y sus circunstancias de producción y circulación.
Contexto contemporánea+
Fabiana Barreda
Nuestra producción en el contexto del arte contemporáneo. Cuál es nuestro marco de referencia, nuestras prácticas afines. Qué otros artistas de disciplines diversas utilizan dispositivos similares.
Edición y publicación+
Eugenia Rodeyro – Magdalena Pardo
Pensar la edición como una fábrica de ideas: Fabricar un libro. Conocer a los actores de un equipo editorial: autor, editor, redactor, traductor, corrector de estilo, retocador, armador, prologuista, productor gráfico, diseñador gráfico. Taller de cuatro meses de duración en donde se trabajará en en el desarrollo de una publicación específica de la edición 2015 de Proyecto Imaginario. Cada autor podrá intervenir en cada una de las etapas del proyecto editorial. Abordaremos diversos aspectos de la dirección de arte del proyecto trabajando con la DG en vivo. Brindaremos herramientas fundamentales para publicar un libro.
Cronografías – El cine desde una mirada fotográfica+
Karin Idelson – Ignacio Masllorens
Tomando como referencia esta afirmación de Jean-Luc Godard que asegura que el cine es una herencia de la fotografía, proponemos un taller sobre la práctica audiovisual desde una perspectiva fotográfica.
A través de clases teórico-prácticas veremos historias, acercamientos y abordajes posibles de la representación del mundo contemporáneo mediante cámaras de video, rastreando las complicidades entre la fotografía, el video y el cine. También analizaremos obras de cineastas que provienen de la fotografía o cuyos estilos están fuertemente emparentados con la imagen fija.
Pedagogías de la mirada+
Andrea Jösch
El seminario pretende abrir una discusión sobre la relevancia de las imágenes en las formas de comunicación y formación, así como de las prácticas y metodologías de investigación desde la propia creación artística.
Espacios de circulación+
María Lightowler
Este módulo propone herramientas para sistematizar y organizar estrategias de difusión y circulación de obra, según los objetivos de cada artista. El cambio de paradigma en el circuito y campo artístico actual, exige mayor participación y profesionalismo de los artistas, que actúan como los propios gestores culturales de su producción.
Fotografía expandida desde y hacia otros medios y tecnologías+
Mariano Ramis
Durante las clases del seminario analizaremos el cruce entre disciplinas, saberes y métodos que en el espacio de creación contemporáneo influyen en la captura y creación de imágenes, y amplían los límites de lo posible. Este contexto transmedial, fascinante y por momentos inabarcable, requiere de una mirada reflexiva que visite la historia de estos cambios y nos permita comprender cuáles son las nuevas herramientas de creación disponibles, basadas en la informática, la virtualidad, la interacción, las redes, etc. Nuestra tarea no será simple, intentaremos ver qué hacer con esas herramientas y evitar que ellas hagan lo que quieran de nosotros.
Curaduría y diseño expositivo+
Francisco Medail
Un taller diseñado para pensar nuestro proyecto en el espacio. Por medio de la revisión de experiencias curatoriales y de la ejercitación con nuestros trabajos entenderemos la complejidad de pensar una exposición y detectaremos los distintos elementos que tenemos que considerar.
Taller de autoayuda para la escritura práctica+
María Paula Zacharías
Escritura descriptivo-poética. Hablar en términos concretos y específicos de la propia obra. Qué hacer ante un micrófono. Autobiografía. Ensayos para una versión multiuso. Gacetilla o post sobre una muestra. Cómo comunicar lo que se hace. Redes. ¿Sí? ¿No? ¿Cómo? ¿Para qué? Llenar formularios: aplicaciones, solicitudes, subsidios y otros suplicios para lograr residencias y concursos.
De la fotografía a lo performático+
Mariela Sancari
Libro como acción. Laboratorio de fotolibro+
Martín Estol
El libro es un formato singularmente apropiado como vehículo de circulación de un proyecto fotográfico. También, al conjugar las imágenes, su narrativa y su materialidad tiene la virtud de tensar de una manera particular todos los elementos que forman un proyecto. Suele evidenciar virtudes y debilidades e insinuar la necesidad de incorporar otros registros o de simplificar el relato. A lo largo de este taller cada participante recorrerá con su proyecto las distintas fases de conceptualización y diseño de un fotolibro y producirá una primera maqueta física.
Los objetivos del taller son profundizar en la comprensión del funcionamiento del dispositivo libro y al mismo tiempo lograr una mayor conciencia sobre el estado, las características, las necesidades y posibilidades del proyecto propio.
VISITAS DE ARTISTAS
A lo largo del año recibiremos visitas de destacados curadores y artistas de diversas disciplinas que compartirán con nosotros su obra y sus procesos de producción. En ediciones anteriores nos visitaron Claudi Carreras, Ana Gallardo, Mariela Sancari, Rosana Schoijett, Andrea Ostera, Guillermo Ueno, Pablo Lapadula, Esteban Pastorino, Juan Lo Bianco y Matías Giuliani.
SEGUIMIENTO DE LOS PROYECTOS
Durante todo el ciclo, proponemos un seguimiento sobre los trabajos de lxs autorxs. Tanto para sus series fotográficas como para sus proyectos de publicación o exposición. Por ello es que abriremos instancias de trabajo grupales e individuales. Estos encuentros serán coordinados por Valentina Siniego, Martín Estol y María Elena Méndez.
DOCENTES
EDUARDO STUPÍA
(Vicente López, provincia de Buenos Aires, 1951)
Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, de Buenos Aires. Es artista visual y expone local e internacionalmente en muestras grupales e individuales desde 1973. Ejerce la docencia en Artes Visuales desde 1986, y ha actuado como jurado en premios municipales y nacionales, y en festivales cinematográficos. Es autor de numerosas reseñas sobre artistas y exposiciones, asi como de notas sobre estética y políticas del arte publicadas en medios locales e internacionales.
Stupia trabaja con diversos materiales, tales como carbonilla, lápiz, grafito, pastel, óleo y acrílico, y a través de trazos siempre muy particulares, que se caracterizan por la expansión de inconfundibles tramas de líneas negras sobre fondo blanco. Desde 1973 realizó muestras individuales en Lirolay, ArteMúltiple, Ruth Benzacar, Ática, Art House, Del infinito, Jorge Mara-LaRuche, Dan Galería y Galeria Maria Baró ( ambas de San Pablo, Brasil), IVAM ( Instituto Valenciano de Arte Moderno), Rosenfeld – Porcini Gallery (Londres), y Galería Xippas de Arte Contemporáneo en sus sedes de Paris, Montevideo y Punta del Este, entre otras.
En el año 2012 fue invitado a exhibir una muestra individual en la 30ª Bienal de San Pablo. Participa asiduamente en muestras grupales, premios y salones nacionales e internacionales y obtuvo los dos premios más importantes de su país, el GRAN PREMIO DEL SALÓN NACIONAL y el GRAN PREMIO DEL SALON MUNICIPAL MANUEL BELGRANO en la especialidad Dibujo.
Uno de sus trabajos de los años 80 ha sido adquirido por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) y expuesto entre noviembre de 2007 y febrero de 2008 en la muestra grupal New Perspectives in Latin American Art 1930 2006 : Selections from a decade of adquisitions. El Perez Art Museum de Miami Beach también acaba de incorporar una de sus piezas más recientes.
LORENA FERNÁNDEZ
(Resistencia, Chaco, 1974) Artista multidisciplinar y docente de artes visuales y audiovisuales. Es editora y curadora independiente de fotografía contemporánea. Egresada de la E.N.E.R.C. Se formó en talleres y clínicas de arte contemporáneo y de fotografía, como también de jardinería, joyería, poesía, cerámica y canto. Desde el 2008, su trabajo pudo verse en muestras individuales, numerosas muestras colectivas, festivales, premios y ferias de arte. Su obra se caracteriza por desarrollar en simultáneo líneas de distintas materialidades pero común denominador: la construcción de un cuerpo intenso, ambiguo, inagotable. Tal vez, monstrux.
SILVIA GURFEIN
(Buenos Aires, 1959)
Artista multidisciplinaria es autodidacta en pintura. Inicialmente estudió filosofía y antes de participar de la escena de las artes visuales recorrió diversas disciplinas artísticas, como el teatro, la danza y la música, trabajando y formándose con Vivi Tellas, Rubén Szuchmacher y Ana Itelman. Participó de las clínicas de Tulio de Sagastizábal. Entre 2001 y 2008 fue docente en el Posgrado de la F.A.D.U/UBA. En 2010 crea El texto de la obra, taller de escritura para artistas, que dicta en diversas instituciones en la Argentina y Brasil, como Universidad Di Tella, Centro de Investigaciones Artísticas, b_arco Sao Paulo y de modo privado. Obtuvo becas como la del Fondo Nacional de las Artes e Intercampos y premios como el 1er premio Klemm, Igualdad Cultural y otros. Participó de la residencia internacional URRA y la residencia San Martin. Aunque su obra se despliega en diversos soportes y medios, sus investigaciones se manifiestan frecuentemente en la pintura. Trabaja con las ruinas: los restos del naufragio del sentido. Una excavación de sentido doble: hacia adentro de la pintura y en su propia historia. Concibe formatos para poner en escena una búsqueda.: ¿dónde se constituye la imagen, dónde se localiza? ¿Por qué se pinta sobre tela? ¿Por qué se concibió para que ésta actúe como un espejo, para devolver la imagen y no se deje atravesar? Pone en escena ese entramado de tiempos que construyen nuestro presente con los fantasmas de los tiempos que ya no están.
Expuso individualmente en Fundación Klemm, Centro Cultural Recoleta, Casa Triangulo (Sao Paulo, Brasil) y ZavaletaLab entre otros espacios. En colaboración con Guillermo Faivovich y Javier Villa Aguardamos conexión en Diagonal Espacio, Buenos Aires.
Participó en numerosas colectivas, entre ellas 2014 El teatro de la Pintura / Museo de Arte Moderno de Buenos Aires MAMBA / Horizonte plegado / C.C. Conti, Buenos Aires 2013 Algunos Artistas 90 / hoy / Fundación PROA, Buenos Aires, Argentina / PintorAs Galería Magda Bellotti, Madrid, España 2012 / Geométricos Hoy-Caminos en expansión (Colección MACBA Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires) Museo Caraffa, Córdoba, Centro Cultural del Bicentenario, Santiago del Estero 2010 PintorAs MACRO Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Argentina 2009 Beloved Structure: the Argentine Legacy Galería Alejandra Von Hartz, Miami, Estados Unidos / Rigor y estructura Fondo Nacional de las Artes/ Porqué Pintura Fondo Nacional de las Artes 2007 La espiral de Moebius o los límites de la pintura Centro Cultural Parque de España/AECI, Rosario, Argentina 2006 Pintura Subyacente Centro Cultural de España en Buenos Aires / 2005 2D Centro Cultural Parque de España, Rosario/ Incorporaciones recientes. Primer Módulo MACRO, Rosario Argentina 2004 Contemporáneo 11 2003 Et toutes elles réinventent le monde 19 Centre Regional dArt Contemporain, Montbeliard, Francia / Gurfein Maculán Museo de Arte Contemporáneo Bahía Blanca 2002 Gurfein Masvernat Bertone Centro Cultural Rojas.
SANTIAGO PORTER
(Buenos Aires, 1971).
Su obra, exhibida en muestras individuales y colectivas en la Argentina y en el exterior, forma parte de numerosas colecciones, tanto públicas como privadas. En 2002 recibió la beca Guggenheim y fue también becado por la Fundación Antorchas de Buenos Aires. En 2007 fue becado para participar del programa Intercampos III en la Fundación Telefónica de Buenos Aires y obtuvo el Primer Premio de fotografía de la Sociedad Central de Arquitectos de Buenos Aires. En 2008 obtuvo el premio Petrobras-Buenos Aires Photo. En 2010 le fue otorgada la Beca Nacional del Fondo Nacional de las Artes y en 2011 fue seleccionado para participar del Programa de Artistas de la Universidad Di Tella. Es autor de los libros Piezas, publicado en 2003, La Ausencia, publicado en 2007 y Bruma, pronto a ser publicado en 2017. Actualmente es Profesor en el Departamento de Ciencias Sociales de la Universidad de San Andrés. Vive y trabaja en Buenos Aires.
DIEGO GUERRA
(Buenos Aires, 1976)
Es historiador del arte, Doctor en Historia y Teoría de las Artes por la UBA y en Español por la Université Rennes 2 (Francia). Su tesis doctoral estudió el retrato fotográfico post-mortem en la Argentina entre fines del siglo XIX y comienzos del XX. Actualmente investiga los vínculos entre la fotografía, el arte y la industria cultural y trabaja en la puesta en valor del archivo del fotógrafo Boleslaw Senderowicz. Es coautor de los libros Boleslaw Senderowicz, fotógrafo (Vasari, 2019) y Haluros del Sur (CIFHA, 2019) y ha colaborado en diversas publicaciones colectivas sobre teoría e historia de la fotografía. Es docente de la UBA, la Universidad de San Andrés y la Universidad de Palermo y dirige el Programa de Estudios sobre Fotografía y Artes Visuales, radicado en el Centro de Investigación en Arte, Materia y Cultura de la Universidad Nacional de Tres de Febrero. Participa como docente en el programa Proyecto Imaginario desde 2016.
FABIANA BARREDA
(Buenos Aires, 1967)
Fotógrafa y performer, curadora y crítica de arte. Egresada de la Facultad de Psicología de la UBA, institución de la que dirige la Galería de Arte. Es Profesora de Psicología del Arte en la Universidad Nacional de Tres de Febrero y de Arte Contemporáneo en el Instituto Universitario de Arte. Dicta seminarios en las carreras de Diseño de Indumentaria, Psicología y Arquitectura de la UBA.
Participa de exposiciones colectivas en Argentina y el exterior desde 1992. Hace su primera muestra individual en 1996 y desde 1998 trabaja en el Proyecto hábitat, que sigue desarrollando hasta el presente. Alrededor de este tema realiza desde el año 2000 una serie de performances y videos.
En 1998 edita el libro La Ciudad Subterránea, ensayo fotográfico con textos de Marc Augé, Clorindo Testa, Marcelo Pacheco y Jorge López Anaya y en 2001 realiza una publicación alternativa titulada Manifiesto Proyecto Habitat.
Entre las distinciones que recibe figuran: en 1993 una Mención por Objeto en la Bienal Arte Joven de Buenos Aires; en 1996 la Beca para perfeccionarse en el Taller de Barracas otorgada por la Fundación Antorchas; en 1999 la Beca Salzburg Seminar del Schloss Leopolskrom, Austria y el Premio al Fotógrafo del Año de la Asociación Argentina de Críticos de Arte; en 2000 el Premio Leonardo del Museo de Bellas Artes al Fotógrafo del Año; el Segundo Premio Fotografía en el Premio Fundación Klemm, la Mención en el Salón de Creatividad del Fondo Nacional de las Artes; en 2001 la Beca del Fondo Nacional de las Artes, la Mención Honorífica del Premio Banco Nación y el Segundo Premio Salón de Fotografía del Museo Castagnino; en 2002 la Beca subsidio a la Creación de la Fundación Antorchas y el Diploma al Mérito en Artes Visuales-Instalación otorgado por la Fundación Konex.
Su obra es seleccionada para la VII Bienal de La Habana (2000) y para la Bienal de Arquitectura de Rotterdam Holanda (2003).
Está representada en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, de la Fundación Arte BA, de la New York University y del Museo Castagnino de Rosario.
FRANCISCO MEDAIL
(Entre Ríos, 1989)
Artista visual y gestor. Vive y trabaja en Buenos Aires. En 2014 fue seleccionado para participar de Proyecto PAC, programa educativo impulsado por la galería Gachi Prieto; en 2016 le fue otorgada la Beca a la Creación del Fondo Nacional de las Artes. Su obra ha sido seleccionada en numerosos premios, entre ellos el Paul Huf Award (Selección, 2016), PHmuseum New Generation Prize (Honorable Mention, 2016), Premio AMMEC Fotografía contemporánea (Selección, 2014 y 2016), Curriculum Cero (Ruth Benzacar, 2011). Forma parte de colecciones públicas y privadas y ha participado de diferentes ferias internacionales, entre ellas arteBA (2014, 2016), artBO (2015, 2016), Paris Photo (2015) y ArcoMADRID (2015, 2016). Desde el año 2015 se desempeña como director artístico Buenos Aires Photo, feria de arte especializada en fotografía. Actualmente es representado por la galería Rolf Art.
MARIELA SANCARI
(Buenos Aires, 1976)
Vive y trabaja en la Ciudad de México desde 1997.
Su trabajo gira en torno a la identidad, la memoria y la veracidad y la ficción en las imágenes. Examina las relaciones personales, la delgada y esquiva línea que separa los recuerdos de la ficción y el tenue valor de la imagen como documento real o afectivo. Utiliza narrativas personales para explorar los límites del alcance de la fotografía como medio de representación. Su obra refiere tanto la dimensión afectiva –aunque no sentimental– del trabajo autobiográfico, así como exploraciones formales del medio, a través de cuestionamientos relacionados a la puesta en escena, la autorreferencialidad en la práctica fotográfica y sus mecanismos de significación.
Ha recibido numerosos reconocimientos: Ganadora de la VI Bienal Nacional de Artes Visuales Yucatán 2013 y del Premio Descubrimientos PHotoEspaña 2014. Su trabajo fue seleccionado en la XVI Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen y recibió Mención Honorífica en la XI Bienal Monterrey FEMSA, con su serie Moisés, entre otros.
Su primer libro Moisés fue seleccionado por varios curadores y especialistas como Sean OHagan, Tim Clark, Erik Kessels, Jörg Colberg, Larissa Leclair, Yumi Goto and Colin Pantall como uno de los mejores fotolibros del 2015. En 2017 publicó su segundo libro en colaboración con el escritor Adolfo Córdova: Mr. & Dr., un fotolibro dirigido a niños y jóvenes que explora la noción de lo desconocido a través de imágenes y texto. Es coordinadora de FOLIO, programa en torno al fotolibro del Centro de la Imagen.
Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en la Ciudad de México y en el extranjero en ciudades como Nueva York, Madrid, Barcelona, Buenos Aires, Ciudad de Guatemala, Sao Paulo, Fort Collins, Houston, Busan (Corea) y Cork (Irlanda).
CECILIA LUTUFYAN
(Buenos Aires, 1973).
Se graduó como Licenciada en Ciencias de la Comunicación en la UBA (1998). Fue premiada con una beca para realizar el Master PhotoEspaña en Madrid (2015-2016). Se formó en los talleres y clínicas de Tulio de Sagastizábal, Adriana Lestido, Julieta Escardó y Juan Travnik; realizó workshops con Juan Canela, Antonio Ballester Moreno, Nicolás Paris, Clare Strand, Paul Seawright, Noe Sendas, Anders Petersen, Luis González Palma, Silvia Gurfein, Humberto Rivas.
En 2018, fue seleccionada para los talleres en residencia curados por Phillipe Cyroulnik en Marco Arte Foco, Buenos Aires, Argentina. En 2017 fue premiada en los Encuentros de Arte Contemporáneo de Alicante, España; fue finalista del Premio Itaú, del premio Nexofoto y del Salón Nacional de Artes Visuales de Junín. Fue invitada a participar del Festival Tranzisioni en Bergamo, Milán y Bologna (Italia) y recibió una beca para participar de la residencia CAN SERRAT en Cataluña. Su dossier de artista fue elegido para ser publicado en CirculoA, plataforma de Arte Iberoamericano, en Fototazo y en Luz del Norte (plataforma de difusión de fotografía latinoamericana). Quedó seleccionada en el 5to y 4to PREMIO AAMEC de Fotografía Contemporánea en 2016 y 2014. Su fotolibro Criaturas fue premiado con el premio publicación en el marco de la Bienal de Fotografía de Lima en 2011.
Sus trabajos fueron exhibidos en Argentina, Uruguay, Paraguay, Brasil, España e Italia.
ANDREA JÖSCH
(Arica, Chile, 1973)
Fotógrafa, Magíster en Gestión Cultural Universidad de Chile.
Es coordinadora de investigación y creación en la Facultad de Arte Universidad Finis Terrae y coordinadora académica del Magíster en Investigación y Creación Fotográfica de la misma institución. Editora en jefe y fundadora revista sudamericana de fotografía Sueño de la Razón (2009); coeditora de la revista Ojozurdo, fotografía y política (2017).
Curadora de proyectos artísticos en torno a las imágenes, como la muestra Caprichos: Imágenes Rebeldes de Mauricio Toro Goya (MNBA Santiago, Museo Histórico González Videla, La Serena, CDF Montevideo); Caballero Solo de Marcelo Montecino (Corpartes, Santiago); Lo común de Luis Weinstein (curatoría comunitaria, Museo Histórico González Videla); entre otros.
Trabajo de acompañamiento editorial como El sueño sudamericano de Cristian Ochoa; Mapa: Marcas en el Paisaje y Réplica Original de Nicolás Sáez; Bailarines del Desierto de Andrés Figueroa; El Eje de Javier Godoy; entre otros.
Ha participado en diferentes coloquios, seminarios, talleres, comités editoriales, tanto a nivel nacional como internacional.
VERÓNICA FIEIRAS
Nace en Buenos Aires y vive en Madrid desde el año 2000 hasta el 2019. Es profesora de fotografía, editora y autora autodidacta. Desde el año 2006 es miembro estable del cuerpo docente de la escuela madrileña EFTI, donde es tutora residente en el Master Internacional de Fotografía y Gestión de Proyectos. Ha dado talleres sobre creación de fotolibros en diferentes partes del mundo. Entiende la construcción de un libro como un viaje creativo a transitar junto al autor, reinterpretando y adaptando su trabajo hacia un nuevo medio expresivo. Su trabajo editorial ha sido expuesto en diferentes partes del mundo y en 2018 realiza tres exposiciones que ponen el foco en el proceso y la conceptualización de la creación de un fotolibro.
Cree en la enseñanza como una estimulación a la autonomía, la autoconfianza y el autoconocimiento. Defiende la intuición, la pasión, la incomodidad, el vacío, el bloqueo, la duda y el error como herramientas desde las que construir un aprendizaje sólido.
Tanto su producción visual como editorial giran en torno a proyectos de contenido incómodo y a diversas manifestaciones de problemáticas socio-políticas. Actualmente se encuentra trabajando en un proyecto personal sobre el corralito que tomará forma de exposición en el corriente año. Sigue haciendo libros y casi nunca descansa.
IVANA SALFITY
(Salta, Argentina, 1976)
Estudió Fotografía en la Escuela Argentina de Fotografía y cursó materias de la Licenciatura en Artes en la Universidad de Buenos Aires. Participó de la Clínica de obra para artistas visuales dirigida por Tulio de Sagastizábal. Realizó cursos y talleres con Adriana Lestido, Alberto Goldenstein, Silvia Gurfein, Luis González Palma, Javier Valhonrat, Nicolás París, Antonio Ballester Moreno, Juan Canela.
En 2018 obtuvo una mención de honor en el VI Premio ArtexArte. Fue seleccionada en el visionado Descubrimientos PHE 2015. En 2014 fue finalista en el 4to Premio AAMEC. Durante 2012 fue seleccionada para participar de PAC, proyecto impulsado por Gachi Prieto Gallery. Durante 2009 obtuvo la Beca Entrecampos Regional, organizada por AECID, Embajada de España; en 2003 la Beca de la Fundación Antorchas para los Encuentros de Análisis y Producción en Salta.
Fue seleccionada por Panal361 para participar de ARTErra, Portugal, en 2016. Participó de la residencia Nido Errante, edición Meliquina, Argentina, en 2015 y de ArtFunkl Artist Residency, Manchester, UK en 2013.
KARIN IDELSON
Su trabajo abarca tanto la fotografía como el video, desarrollados para instalaciones, videos mono y multicanal, films, obras sonoras y performances en vivo. Se ha presentado en numerosas galerías, museos, teatros, instituciones y festivales nacionales e internacionales como Chapter Arts Centre de Cardiff, Festival International de Cinéma de Marsella, Festival Internacional de Cine de Valdivia, International Dance Online Short Film Festival (IDILL), Festival TransAmériques de Montréal, Festival Futurs en Seine de París, Festival Internacional de Vídeo & Dança de Río de Janeiro, Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires, entre otros. Desarrolló distintos trabajos fotográficos que expuso en el MamBA, Centro Cultural Recoleta, Fundación Telefónica, Fotogalería del Teatro San Martín, Fondo Nacional de las Artes, entre otros. Su obra fotográfica forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Bs As y de distintas colecciones privadas.
Desde hace quince años se dedica a la docencia de forma pública y privada. Desde el año 2012 a la actualidad es profesora adjunta de la materia “Taller de tesis”, de la orientación Dirección de fotografía en la carrera de Artes Audiovisuales de la Universidad Nacional de la Plata. Previamente se desempeñó cinco años como docente de la material Diseño Audiovisual I (Profesor adjunto Gabriel Valansi), cátedra Carlos Trilnick – Luis Campos en la carrera de Imagen y Sonido (UBA).
También desde el año 2007 al 2011 formó parte del staff de profesores de la escuela Estudio Urbano del Gobierno de Bs As, donde impartió talleres de fotografía y rock.
EUGENIA RODEYRO
Estudió Administración de Empresas en la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad de Buenos Aires (UBA). Allí dictó clases de marketing y fue asistente del reconocido licenciado Alberto Levy. Realizó el posgrado de Clusters Organizacionales en la Facultad de Psicología (UBA); el posgrado de Formación Docente Continua en la Facultad de Ciencias Económicas (UBA); y el curso de posgrado Transformación Organizacional en escenarios de alta complejidad (Lo estratégico y lo psicosocial).
Desde el 2003 formó parte del equipo de gestión de Espacio Ecléctico Asociación Civil, una ONG conformada en un espacio de artes que constituye un punto de albergue y difusión de producciones de artistas del medio local (Buenos Aires), nacional (Argentina) e internacional en el campo de las Artes Plásticas, Escénicas y Dramaturgia, entre otros. AllÍ desarrollo su expertise como fundraiser y en el campo de la gestión cultural realizó producciones internacionales, intercambios artísticos con instituciones pares, festivales, publicaciones periódicas y co-producciones. Entre ellas, durante 13 años fue la productora ejecutiva de la Feria de Libros de Fotos de Autor, un evento que, año tras año, reúne a los fotógrafos más destacados de la ciudad e invita a participar de la feria a proyectos internacionales vinculados con la fotografía.
Es Directora Editorial y co-fundadora de La Luminosa, la primera editorial en Argentina que produce libros de fotografía en cuidadas ediciones numeradas y firmadas adecuadas a la demanda de cada título. La Luminosa se ha especializado en publicaciones de alto valor artístico, atendiendo a las producciones más recientes de fotógrafos consagrados y emergentes.
IGNACIO MASLLORENS
Es egresado de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la UBA. Realizó los films Martin Blaszko III (2011), Hábitat (2013) y El teorema de Santiago (2015) así como varios telefilms, cortometrajes y obras en video como The girl from Downtown (2014), Trainspotter (2017, Primer premio concurso de Artes Audiovisuales del FNA) y Las imágenes y las cosas (2018, Segundo premio 107º Salón Nacional de Artes Visuales). Actualmente se encuentra filmando los largometrajes Atlas -codirigido con Guadalupe Gaona- y Fanny Camina, junto a Alfredo Arias. Su obra ha sido exhibida en diversos festivales, museos y centros como BAFICI, Anthology Film Archives, VIENNALE, Festival Oodaaq, ArcoMadrid International Contemporary Art Fair, Fundación Klemm, Fundación Andreani, Festival Biarritz Amérique Latine, Festival de Cine de Mar del Plata, Galería Belleza y Felicidad, BIM, Interfilm, L’Alternativa, Festival de Cine Latinoamericano de La Habana, MALBA, MAMBA, Centro Cultural Rojas y Centro Cultural Recoleta entre varios otros.
Como docente ha dictado cursos y charlas en la Universidad del Cine (FUC), Universidad Nacional del Litoral (UNC), Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU) de la Universidad de Buenos Aires, Museo del Libro y de la Lengua de Buenos Aires, Corporación Universitaria UNITEC y en Escuela Nacional de Cine (Bogotá).
MAGDALENA PARDO
(Buenos Aires, 1982)
Egresada de la carrera Diseño de Imagen y Sonido de la UBA y mágister en guión de cine en la Universidad Autónoma de Barcelona. Realizó cortometrajes que participaron en festivales nacionales e internacionales como el Festival Internacional de Mar del Plata, y dirigió un largometraje declarado de interés cultural de la ciudad de Mar del Plata. Asistió a talleres de fotografía dictados por Guillermo Ueno, Alberto Goldestein, Julieta Escardó, Julie Weisz y Palmer Davis en el ICP de Nueva York. Su trabajo fotográfico fue publicado en varios libros y sitios de divulgación artística argentinos y del exterior. Participó de la 8va Feria de Fotolibros de Autor con un libro destacado y de diversas exposiciones colectivas, entre ellas: «Espacios Íntimos» en Casa Florida, Vicente López; «Todavía lo mismo y siempre lo mismo» en Galería Yapeyú, Bs.As; «Before all else» Urban Picnic Gallery, Essex, Reino Unido; «30 under 30» Women Photographers en Photoboite.com; «Agua Viva» en el museo Quinquela Martín, Casa Thays, y la Casona de los Olivera; BAPhoto 2014 Centro Cultural Recoleta.
Durante más de diez años trabajó como diseñadora para agencias de comunicación y prensa argentinas y durante tres años fue la encargada del área de diseño de un estudio londinense. Realizó trabajos tanto para marcas de primera línea como para proyectos de artistas y particulares.
Actualmente transita las distintas disciplinas que pertenecen al lenguaje de la imagen, combinando lo visual con lo narrativo, la poesía y el ensayo filosófico.
MARIANO RAMIS
(San Pedro, Buenos Aires, 1979)
Graduado de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido FADU/UBA, preparando actualmente su tesis en la Maestría en Diseño Interactivo. Investigador del Instituto de Arte Americano FADU/UBA, en el proyecto «Apuntes sobre los orígenes y el desarrollo de las narrativas audiovisuales no lineales y de la cultura de códigos abiertos»
Coordinador de proyectoidis.org. Profesor en las carreras de Diseño Gráfico y Diseño de Imagen y Sonido, en las materias Medio Expresivos, Técnicas Audiovisuales y Proyecto Audiovisual todas en FADU/UBA.
Profesor Invitado por la Friedrich-Schiller-Universität en la materia Film studies, Jena, Alemania.
Profesor invitado del Centro de Estudios Audiovisuales (CAS) dentro de la (FAMU) Filmová a Televizní Fakulta Akademie Múzických Umění Praga, República Checa. Como artista visual se dedica a la experimentación sobre el registro de la imagen en movimiento. Ha exhibido sus trabajos en festivales, museos y salones en Argentina, América y Europa.
MARÍA PAULA ZACHARÍAS
Graduada con honores de la Licenciatura en Periodismo en la Universidad del Salvador y ex profesora de esa casa, obtuvo la Diplomatura en Gestión Cultural en IDAES-UNSAM y prepara su tesis de la Maestría en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano. Es colaboradora permanente de La Nación, donde escribe sobre artes visuales desde 2004, y de la revista Clase Ejecutiva de El Cronista. En Radio Cultura, conduce el programa de artes visuales ¿Por qué son tan geniales? con Fernando García.
MARÍA LIGHTOWLER
(Buenos Aires, 1979)
Estudió en la Universidad del Museo Social Argentino –UMSA-, obteniendo el título de Licenciada en Museología en 2004. Simultáneamente asistió a la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón –ENBAPP-, egresando con el título de Profesora Nacional con especialización en Pintura en 2004.
Trabajó en varios museos de la Ciudad de Buenos Aires y del interior del país, como Malba – Fundación Costantini, en el Área de Registro y Documentación, en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires –MACBA-, estuvo a cargo de la Producción de Exposiciones y Editorial, y fue curadora de la exposición inaugural del Museo de Arte Marino de Ushuaia (ex presidio), donde también estructuró el archivo curatorial y de actividades de la institución.
Desarrolló tareas de coordinación y gestión en galerías de arte contemporáneo, como Juana de Arco y Bacano, entre otras.
Fue profesora en el Centro Cultural Ricardo Rojas (UBA) entre 2008 y 2012. Actualmente dicta clases en la UMSA donde es Titular de las materias ´Comunicación y Prácticas de la Exhibición I´ y «Comunicación y Prácticas de la Exhibición II», de la Licenciatura en Curaduría e Historia del Arte y Adjunta en la materia ´Pedagogía y Didáctica de Museos´ de la Licenciatura en Museología y Gestión del Patrimonio. En la Universidad Argentina de la Empresa –UADE- dicta las materias ´Problemas del Arte Contemporáneo», de la Licenciatura en Gestión de Arte en CABA. ´Historia del arte y del Diseño´, ´Iniciación a la comprensión del arte contemporáneo´, ´Introducción a las tendencias estéticas del consumo´ y ´Estética´, en la sede que la universidad posee en Pinamar. Además, ejerce la docencia en otros centros privados y grupos particulares de estudio.
Fundó en 2009 y coordinó hasta 2013, Central de Proyectos, una productora de contenidos culturales y plataforma para la difusión y gestión del arte contemporáneo argentino, que tuvo su sede física y sala de exposiciones en el Patio del Liceo, participando en dos ediciones consecutivas de la feria arteBA.
Como responsable del Área de Producción de exposiciones y editorial del Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA), durante 2013, trabajó en las siguientes exposiciones: «Manuel Espinosa. Geometría en movimiento». Curaduría Ayelén Vázquez; «Kazuya Sakai. El espíritu de la música». Curaduría: Rodrigo Alonso; «Percezione e Illusione: arte cinetica italiana». Curaduría: Micol Di Veroli, Giovanni Granzotto.
En la actualidad coordina las actividades de «Lluvia Oficina de Curaduría y Museología» además de ejercer la docencia y exhibir su obra regularmente participando en exposiciones colectivas y realizando exhibiciones individuales desde 2004.
En 2015 obtuvo el Premio a la Excelencia Académica de UADE. Es desde 2016 Coordinadora de la Escuela de Arte para Niños de la Fundación Esteban Lisa. Vive y trabaja en Buenos Aires.
VALENTINA SINIEGO BENENATI
(Ciudad de México, 1978)
Fotógrafa por la Escuela de Fotografía y Centro de Imagen, EFTI (Madrid, España) y Etnohistoriadora por la Escuela Nacional de Antropología e Historia, ENAH (Ciudad de México, México).
Ha sido becaria del programa FONCA-Jóvenes Creadores, México, en dos ocasiones (2006-2007 y 2010-2011) y FORD Foundation, The Institute of International Educaton (2018).
En 2014 contó con Residencias Artísticas- The Banff Centre- (Canadá)- FONCA (México). Formó parte del programa de residencias artísticas Wabi Sabi, en el Tigre, Argentina. (octubre 2017).
Ha participado en diferentes exposiciones colectivas e individuales en México y el extranjero.
Fue directora y diseñó el programa académico de Casa Coyoacán, Fundación Pedro Meyer entre abril 2012 y agosto 2013.
Entre 2013 y 2015 trabajó en ARTICLE19 oficina para México y Centroamérica en el Programa de Libertad de Expresión, coordinó el Programa de capacitación –cursos presenciales y en línea – cursos de protección para periodistas y periodistas audiovisuales en zonas de riesgo. Realizó, como directora y coguionista, el documental interactivo ESTADO DE CENSURA, documental web sobre la violencia que sufre la prensa en México (2015).
Desde 2016 a la fecha ha trabajado en diferentes proyectos como artista visual, curadora o muesógrafa como parte del Colectivo PISO16.
Actualmente vive y trabaja como docente y artista visual en Buenos Aires, Argentina.
MARÍA ELENA MÉNDEZ
(Buenos Aires)
Egresada de la UBA como Fonoaudióloga, desarrolló programas de arte (música y fotografía) para niños hipoacúsicos educados en la oralidad, como terapias de estimulación sensorial.
Formada en fotografía y arte contemporáneo en distintos talleres y seminarios, entre los que se destacan la Clínica de Fotografía Contemporánea dictada por Julieta Escardó, Fabiana Barreda y los talleres de Adriana Lestido.
Ha realizado dos exposiciones individuales y participado en numerosas muestras colectivas. Quedó seleccionada en el Salón Nacional de Fotografía 2014.
El libro de fotografía de su autoría «El río en mi» fue publicado por la editorial La Luminosa en 2015, después de haber quedado finalista del premio Felifa.
Dirige desde 2011 Casa Florida Galería, espacio dedicado a la fotografía contemporánea.
Desde 2015 creó y co-dirige Proyecto Imaginario, un espacio de formación para fotógrafos y artistas visuales que trabajan con la fotografía.
MARTÍN ESTOL
(Buenos Aires, 1973)
Fotógrafo y docente. Se formó con Filiberto Mugnani, Alberto Goldenstein y Adriana Lestido.
En 2019 y 2004 fue becado por el Fondo Nacional de las Artes.
Expuso en forma individual y colectiva en Argentina y en el exterior. Sus trabajos fueron publicados por Ediciones Larivière y Editorial La Luminosa.
Desde 2015 co-dirige el ciclo de estudios para artistas visuales Proyecto Imaginario.
