Archivos para el movimiento-pensamiento, The Backroom

 

Ciudad de México. 14 de Septiembre 2020.
Archivos para el movimiento-pensamiento
The Backroom
Museo Tamayo
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Galia Eibenschutz / Vestido rosa japonés para Tres circuitos en un patio emocional, 2014; y Especies endémicas. Un año de encuentros sabatinos, 2015

 

The Backroom

Curada por Andrea Valencia Aranda , Laura August , Jaime Ruíz Martínez , Humberto Moro , José López Serra

The Backroom es un espacio digital donde descubrir y navegar el arte más allá del objeto o artefacto artístico, desde una perspectiva de que el arte es un ejercicio continuo y relacional.

Cada dos semanas, desde septiembre de 2020 hasta enero de 2021, los comisarios invitados presentarán lo que nutre e informa las prácticas de tres artistas de su elección: objetos de deseo, archivos personales, bibliotecas, investigación artística, música, rutinas, películas, biografías; el arte está en permanente intercambio con el mundo que lo rodea.

Iniciado en 2005 por Magalí Arriola, Kate Fowle y Renaud Proch, este proyecto de investigación reúne videos, música, fotografías, efímeras, anécdotas o cualquier acción o artefacto que alimente la práctica artística de creadores de diversas disciplinas. Esta nueva edición digital de Backroom fue iniciada y realizada en asociación con el Museo Tamayo, México.

Artistas: Gloria Anzaldúa, Ramón Miranda Beltran, Tom Burr, Isa Carrillo, Binna Choi, Margit Czenki, Galia Eibenschutz, Faivovich & Goldberg, Priscila Fernandes, Natalia Lassalle-Morillo, Jorge Méndez-Blake, Yos Piña Narváez, Javier Potrón, Marjetica , Ika Putranto, Mathew Rana, Nibia Pastrana Santiago, Christoph Schäfer, Barb Smith, Karina Aguilera Skvirsky, Ana Tiscornia y más por venir.

 

Archivos para el movimiento-pensamiento

Galia Eibenschutz, Priscila Fernandes y Karina Aguilera Skvirsky trabajan, esporádica o exclusivamente, con su cuerpo como uno de los soportes de sus prácticas artísticas. La selección de archivos para esta publicación no podrían ser más diversos y muestran cómo la presencia en escena, la investigación artística o la exploración biográfica, en el caso de Eibenschutz, Fernandes y Aguilera respectivamente, son parte de las metodologías para su producción artística. Los documentos y bocetos que se presentan, muestran facetas de lo íntimo, lo analítico y hasta el diseño de la apariencia, que resultan en acciones y performance con diversas perspectivas, acercamientos y estrategias que transforman su movimiento físico en instrumentos para el pensamiento.

CURADORA

Andrea Valencia

Andrea Valencia es una historiadora de arte y curadora que vive y trabaja en la Ciudad de México. Valencia estudió una Maestría en Práctica Curatorial en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, y una Licenciatura en Historia del Arte en Casa Lamm, Ciudad de México. En 2017, cofundó el colectivo curatorial Se habla español que explora el lenguaje y cuestiones de migración. También ha trabajado en instituciones como el Museo Nacional de Arte (MUNAL) de la Ciudad de México, el Instituto Cultural Mexicano de Nueva York, la Oficina de Asuntos Internacionales del Instituto Nacional de Bellas Artes de México, y como coordinadora del Pabellón de México en la 57ª Bienal de Arte de Venecia. Actualmente, es coordinadora de la exposición retrospectiva de Cecilia Vicuña organizada por el Witte de With Contemporary Art Center en Rotterdam, Países Bajos; y asistente curatorial en el Museo Tamayo, Ciudad de México.

 

 

Galia Eibenschutz

Galia Eibenschutz transita entre las artes visuales y las artes escénicas, haciendo de su trabajo performático el eje más importantes de su obra. El cuerpo es uno de los soportes más explorados por la artista para realizar acciones, intervenciones, dibujos y videos. Un componente constante en su práctica ha sido la improvisación, el accidente y todo aquello que desestabilice el desarrollo y devenir de su obra. Contraria a la idea del arte minucioso, controlado y calculable, la obra de Eibenschutz es el resultado de una negociación entre lo planeado y lo imprevisible. En esta selección, se muestra una colección de dibujos y fotografías de los vestuarios que la artista ha utilizado para sus performance. La densidad, texturas y colores de las telas son elementos que Eibenschutz visualiza previo a la realización de sus obras a través de diseños y dibujos de los trajes que hace en un cuaderno. Aunque es ella quien concibe su forma, el vestuario tiene características propias que, una vez que se transforman de dibujo a materia, inspiran y condicionan el movimiento del perfomance o las acciones. Los vestidos son piezas únicas que en algunas ocasiones están intervenidas directamente por Eibenschutz y, en otras, son resultado de colaboraciones con otros artistas donde podemos destacar a Isaac Contreras, Santiago del Conde y Deny Ramos. Con propiedades escultóricas y recordando a sus dibujos geométricos, los vestuarios son parte esencial de la improvisación y la planeación que hay detrás de cada performance.

 

Falda lunares para Especies endémicas. Un año de encuentros sabatinos, 2015

 

Vestido (frente) para Movimientos fósiles, 2009

 

 

Vestido papel azul para Terreno vulnerable en el contexto de la exposición Moverse para nombrar, 2019

 

Boceto de vestido azul para Punto de fuga, 2010

 

Boceto de vestuario para Zona de penumbra. Secuencias en la arquitectura, 2011- 2012

 

Karina Aguilera Skvirsky

Karina Aguilera Skvirsky nació en Rhode Island, EE.UU. y a finales de los setentas vivió en Guayaquil, Ecuador, la ciudad natal de su madre. La relación y el contraste entre las dos realidades ha sido fundamental para su práctica que utiliza narraciones personales como punto de partida para explorar cuestiones sobre lugar, identidad y nacionalidad. Una de las fuentes más importantes de inspiración para la artista ha sido la biografía de su madre, quien en los años sesenta trabajaba de oradora, declamando discursos y recitando poemas en eventos oficiales. La historia de Anexora Aguilera Madinya ha llevado a indagar a Karina en las cargas raciales y coloniales en relación al lenguaje y, por otra parte, ha encontrar en la literatura latinoamericana una herramienta de resistencia e identidad, lo que ha dado origen a múltiples obras de la artista. La selección hecha para The Backroom incluye fotografías que documentan a su madre en eventos de declamación, grabaciones hechas por la artista recitando poemas y, por último, algunos de los textos más relevantes para su investigación.

 

Documentación de declamación de Anexora Skvirsky
Varios fotógrafos, circa 1950’s, Guayaquil, Ecuador

 

Priscila Fernandes

El trabajo de Priscila Fernandes ha cuestionado durante mucho tiempo las nociones de juego y ocio en contraposición a los conceptos de trabajo, labor y productividad. El ocio, según la investigación de Fernandes, responde en gran medida a los deseos de sociedades particulares para aliviar sus frustraciones, decepciones y represiones. El arte, por otro lado, opera en el límite entre el trabajo y el juego, donde el quehacer de un artista puede ser leer poesía, visitar un museo o ver películas. En el siglo XX, las vacaciones y feriados pagados fueron introducidos para crear una economía del ocio, integrándolo en la maquinaria de la productividad. Para explorar las paradojas y contradicciones encontradas en el tiempo libre y las observadas entre el trabajo del artista y el del individuo perezoso o improductivo, en 2017 Fernandes comenzó a seguir la evolución de las actividades recreativas y a registrar su relación con los movimientos artísticos, asociando, por ejemplo, la invención de las primeras albercas inflables con los performances antropométricos de Yves Klein.

En este espacio, Priscila presenta su investigación a través de una cronología, un documento de trabajo alimentado continuamente por la artista, que conecta la historia del arte y del ocio mediante coincidencias lúdicas entre los artefactos de recreación y arte. Acompañando la línea de tiempo, Fernandes ha desarrollado bocetos, dibujos y collages, para explorar esta relación. Incluso si correlación no significa causalidad, la línea de tiempo un tanto académica, un tanto ficticia, crea la sensación de que no podría haber arte sin juego.

 

Concepto para episodio 01 del Tobogán de arte abstracto, cuando la rueda de la fortuna se parece a la pintura First Disk, 1913, de Robert Delaunay. © Priscila Fernandes 2020

 

 

Concepto para episodio 02 del Tobogán de arte abstracto cuando anfitrión se baña con reproducciones de obras de arte abstracto. © Priscila Fernandes 2020

 

 

FRANCE. Ile de France. Along the Marne river. First paid holidays. 1936.
Concepto para episodio 02, coloreando una foto de Henri Cartier-Bresson de la serie Las primeras vacaciones pagadas, 1936. © Priscila Fernandes 2020

 

 

Concepto para episodio 02, cuando los traseros de ovejas se parecen a pinturas de Kazuo Shiraga. © Priscila Fernandes 2020

 

 

Concepto para episodio 04, cuendo Franz Kline pinta con skis. © Priscila Fernandes 2020

 

 

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