Ciudad de México. 2 de septiembre 2020.
Rat Attack!
Programa Educativo SOMA
Calle 13 No. 25 col San Pedro de los Pinos
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Rat Attack!
¡La única miniserie de arte contemporáneo conducida por ratas!
Una mínima trasposición de letras puede convertir la palabra Art (arte) en Rat (rata). Y eso es, precisamente, esta miniserie: el anagrama de Art Attack, el show de manualidades que cautivó a cientos de niñxs nacidos en los noventa y en el que, según el slogan, “no necesitas ser un experto para ser un gran artista”. Rat Attack! homenajea la supuesta inferioridad de las manualidades y parodia el aura intelectual y teórica del arte.
Esta exposición que marca el cierre del ciclo de formación de la generación 2020 del Programa Educativo SOMA, reúne obra de lxs artistas Ángela Ferrari, Clemente Castor, Israel Urmeer, Josué Mejía, Marek Wolfryd, Martín Bernstein, Oswaldo Aranda, Perla Ramos, Samuel Nicolle, Valentina Guerrero y Wendy Cabrera Rubio.
¿Quién mejor que un grupo de ratas podría guiarnos a través de las discusiones subterráneas y los submundos del arte contemporáneo del siglo XXI? El recorrido es sinuoso: de la maleza al hashtag, de los obje- tos encontrados a las realidades paralelas, de lo grotesco a lo mitológi- co, de la inversión financiera a la importación de sistemas de opresión. Pero no te preocupes: cada capítulo te ofrecerá herramientas de au- toaprendizaje, apreciación visual y reflexión para cuestionar, repensar, resistir o, incluso, ¡unirte al sistema del arte! Dile adiós a la pasividad al otro lado de la pantalla y únete al ataque de las ratas. Comparte esta aventura plástica con toda tu familia.
2 de septiembre | Inauguración virtual
A partir del 14 de septiembre y hasta el 17 de octubre |
Visitas a la exposición en nuestras instalaciones (Calle 13 No. 25 col San Pedro de los Pinos). Únicamente con previa cita.
VIAJE AL FIN DEL MUNDO SIN RETORNO Y A LA MEXICANA
Exposición
Viaje al fin del mundo sin retorno y a la mexicana es una charla con Itala Schmelz vinculada a Rat Attack.
Itala Schmelz revisará algunos títulos de la cinematografía y la literatura nacional, para analizar las crónicas de una catástrofe ya anunciada. Si bien, se abordará la estética del fin del mundo desde el contexto específico de la CDMX, se encontrarán con la idea de ciclos, donde tras el fin de un mundo, comienza un nuevo mundo.
A través de nuestro canal de YouTube @MiércolesDeSOMA
Miércoles, 8:30 pm
Semblanzas
Angela Ferrari
Interesada en la polimorfia, la liqui- dez y la solidez; esta artista explora me- dios y materiales para abordar la pluriva- lencia de distintos temas como el asco, la vergüenza y el miedo vistos, entre otras cosas, como construcciones socio- políticas y su rol como condicionantes/ limitantes en las relaciones humanas y sexuales; a su vez como posibles herramientas feministas, medios para develar deseos o inclinaciones.
Su obra hace constante referencia a lo bello y lo grotesco y la retroalimenta- ción que estos dos aparentes polos apues- tos imantan y las normas preestablecidas que los delimitan como tales.
En lo tocante a su formación, Ángela se graduó de la Licenciatura en Pintura en la Universidad Nacional de Arte de Buenos Aires. Tomó cursos de historia del arte, arte contemporáneo argentino, cerámica japonesa, pintura, dibujo, escultura, gra- bado, etc.
Realizó talleres de producción artís- tica a cargo de Florencia Rodrigues Giles, Catalina León, Marcela Sinclair y Leila Ts- hopp, entre otres; y taller de producción literario con Ricardo Strafacce y Vivian Avenshushan.
Escribió e ilustró la novela ficcional A PELAME, publicada por la editorial No- tanpüan en Buenos Aires, Argentina. Es- cribió también “Generación espontánea” e “Invertebrados”.
Ganó la Beca ABC, la Beca de Forma- ción otorgada por el Fondo Nacional de las Artes, la beca para el programa para artis- tas del Centro de Investigaciones Artís- ticas, La Beca de Viajes Oxenford, entre otras.
Expuso su trabajo en Ciudad de Mé- xico y Monterrey en México, en Cali y Pasto en Colombia, en Buenos Aires y San Martín de los Andes, en Argentina, New Jersey en Estados Unidos y en Berlín, Alemania.
Su obra fue seleccionada por los premios Proyecto A realizado por la galería Proyecto A, el Salón Nacional, Premio de Artes Visuales del Fondo Nacional de las Artes, y el Premio UADE en Buenos Aires, Argentina.
Realizó la residencia Lugar a Dudas en Cali, Colombia. Actualmente vive entre la Ciudad de México y Buenos Aires, Argentina.
Clemente Castor
El trabajo de este artista se desarrolla principalmente en los medios audiovisuales y la instalación. Le interesa la imagen desde su potencial político y como se formulan sus sistemas de representación y consumo.
Desde su perspectiva, la ciencia ficción es el género de la crisis, una narrativa que permite especular otro tipo de esce- narios paralelos a la idea que este género construye de la catástrofe, haciendo una relación entre lo natural y lo artificial, en tre la idea de la tecnología como prótesis, contenedor y espacio virtual.
El sincretismo religioso, la juventud y la reinvención de ficciones populares en el contexto de la “marginalidad” de las gran- des ciudades son temas recurrentes en su trabajo.
Nacido en 1994, en la Ciudad de México, Clemente recibió apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) para estudiar en la Sarajevo Film Academy en Bosnia Herzegovina, fundada por el di- rector húngaro Béla Tarr.
Estudió literatura latinoamericana en la Universidad Iberoamericana (UIA).
Además, participó en el taller de cine Mantarraya, en la Ciudad de México. Es co-fundador de la compañía de distribución y producción Salón de Belleza y fue seleccionado para el Berlinale Talents – Guadalajara 2019.
Su largometraje Príncipe de Paz recibió el premio a la mejor película mexicana en FICUNAM 2019 y tuvo su estreno internacional en FidMarseille, donde obtuvo la mención especial de la competencia internacional y la mención especial del Centro Nacional de Artes Plásticas (CNAP). También se presentó en el Lincoln Center en NY parte del programa Neighboring Scenes 2020 y fue competencia oficial en festivales como Viennale, Festival Internacional de Cine Mar del Plata, Márgenes, Transcinema, etc.
Ha dirigido varios cortometrajes, que han participado en varios festivales de cine nacionales e internacionales. Además, ha presentado sus instalaciones en algu- nos espacios independientes y en museos de arte como Biquini Wax EPS, Museo de la ciudad de Querétaro, Baxter St. NY, Queens L.A. entre otros.
Israel Urmeer
Estudio en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM del 2012 al 2015, cursó distintos seminarios en Campus Expandido en el Museo Universitario de Arte Contem- poráneo del 2014 al 2017. Su trabajo ha sido parte de exhibiciones en lugares como Fuego, Ciudad de México (2020); Palais de Tokyo, París (2019); Deslave, Tijuana, (2019); Head Geneve, Ginebra (2018); Ri- nomina, París (2018); Museo Universitario del Chopo, CDMX (2017); Museo de Arte Carillo Gil, CDMX (2015).
Ha sido integrante de distintos proyec- tos independientes; GAMA con sede en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, Ciudad de México (2014 al 2016); Zona de Desgaste, Ciudad de México (2015 al 2016); Biquini Wax EPS, Ciudad de México, 2015 a la actualidad. En BWEPS ha realiza- do de manera colectiva proyectos curato- riales con el subgrupo de estudios Yacusis; Melquiades Herrera. Reportaje plástico de un teorema Cultural, Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Ciudad de México (2018); Juan Acha. Por una nueva proble- mática artística, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México (2016).
Participó en textos colectivos con el grupo de escritura Arte y Trabajo de BWEPS publicados en camposderelámpagos.org. Su trabajo se ha publicado en Erizo a Journal of the art, no 2 (2019); La Tempestad. Presente en las artes en México, no 141 (2018); Gay Couple. Particula Coke, (2018); Revista Caniche, no3 (2017).
Urmeer selecciona algunas figuras cultura- les que habitan un paisaje pop que él identifica con moléculas alteradas por el nivel de azúcar de las últimas décadas. Variando de un volcán, a un personaje de comics, una bebida o una llamada telefónica. Siendo esto un licuado de eventos, cuerpos y es- pacios conjugados en una misma sustancia plástica. En cada proyecto exhibe las re- laciones plásticas y narrativas que él en- cuentra en su exploración, modelándolas a través del uso de la escultura, el video y el dibujo dándonos una nueva línea al texto de esta mitología cultural que se está pro- duciendo en su trabajo.
Josue Mejia
Originario de la Ciudad de México, cursó sus estudios de licenciatura en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM y posteriormente, ingresó al Programa Educativo SOMA. Fue becario de Jóvenes Creadores FONCA 2017-2018 en la cate- goría de Medios Alternativos.
Su obra se ha presentado en Biquini Wax EPS, Queens, galería Nordenhake, el Colegio Nacional, el Festival Internacional de Cine Guanajuato, entre otros. Ha ex- puesto en México, Estados Unidos, Colom- bia y China. Aunado a su quehacer artísti- co, formó parte de la gestión de la Galería Autónoma FAD y hoy en día es colaborador en el Laboratorio de Instrumentación Es- pacial LINX del Instituto de Ciencias Nu- cleares de la UNAM.
Su obra explora las relaciones entre la producción de tecnologías y los procesos políticos y económicos que la hacen posi- ble. Partiendo de revisiones históricas de las representaciones que se han realizado de ella busca construir nuevas narrativas que hagan visibles los procesos de nego- ciación entre tecnologías y políticas don- de el arte ha operado como mediador, para esto hace uso de métodos museográficos relacionados con lo didáctico, procesos de distribución de información y métodos de proyección a partir de escalas.
Marek Wolfryd
El trabajo de este artista mexicano se desarrolla bajo distintas soluciones for- males que van desde la pintura y escultura hasta la instalación y falsificación. A partir de estas formas Wolfryd revisa, desde los ámbitos del arte y la cultura visual contempo- ráneos, algunos de los absurdos y pifias de esa realización fallida del modelo económico que hoy se conoce como capitalismo tardío. El humor, y especialmente el absurdo, son en su trabajo estrategias para abordar las implicaciones de este desarrollo histórico que tiene sus efectos no solo en el ámbito económico sino, desde luego, en el arte, sus instituciones, modos de producción y políticas.
Investiga las prácticas artísticas y los fenómenos culturales como manifestacio- nes formativas del desarrollo social contemporáneo. Está interesado en la apropiación como principal proceso para una revisión de nociones como la figura del artista, la estra- tificación e instrumentalización de la cultura y los relatos históricos del arte. Algunos conceptos recurrentes en su trabajo son el proyecto de modernidad en el contexto de América Latina, los valores simbólicos en la cultura popular y la autoría como instrumen- to de poder.
Cursó sus estudios de licenciatura en la E.N.P.E.G. “La Esmeralda” y posterior- mente ingresó al Programa Educativo SOMA. Su obra se ha presentado colectivamente lugares como Human Resources LA, Galería Karen Huber, Lodos, Ex-Teresa Arte Actual, Guadalajara 90210, Laboratorio de Arte Alameda, La Tallera y el Museo Carrillo Gil. Ha presentado exposiciones individuales en espacios como Biquini Wax EPS, el Museo Universitario del Chopo/1000 y Chalton Gallery Londres. Su trabajo se ha mostrado en países como Estados Unidos, Islandia, Alemania, Colombia, España, Inglaterra, China y Nueva Zelanda.
Martin Bernstein
La obra de Martín Bernstein transi- ta los límites confusos entre consumidor y productor. Valiéndose de imágenes conocidas, toma- das de la cultura popular, genera obras y contenidos de autoría difusa y mensajes erráticos. Yuxtaposiciones improbables que envuelven comentarios mordaces.
Levanta cuestionamientos distintos: sobre la veracidad y construcción de los discursos (el político, el de los medios, el de las teorías conspirativas), sobre la posición del autor en la práctica contemporánea, y sobre la obsolescencia de las tecnologías y los relatos que las sostienen.
Trabajando con video, instalación, imágenes digitales e intervención, las piezas de Bernstein oscilan entre la crítica, el absurdo y el humor. La nostalgia, el lo- fi, los cómics, el submundo de internet y la gráfica de posguerra funcionan como dis- positivos para subvertir las formas de la propaganda y la publicidad; y para produ- cir una crítica que de la mano del humor se permite problematizar temas ásperos, como el terrorismo, el imperialismo y la economía de mercado.
Oswaldo Aranda
Originario de ciudad Chihuahua, actualmente viviendo en Ciudad de México, Oswaldo enmarca su actividad artística dentro de la pintura contemporánea, partiendo desde la mediación entre el desdoblamiento de la tradición pictórica occidental y la con- notación histórica y antropológica del autor. Su trabajo absorbe en gran medida concep- tos y fórmulas provenientes de la historia del arte y la cotidianidad que posteriormente reconfigura para devenir en formas multimedia. Éstas por su parte recurrentemente están diluidas dentro de un carácter de testimonio documental donde la creatividad del autor deviene en fantasía dentro de un contexto específico y que con el tiempo, esta acumulación de acciones y anécdotas visuales no buscan concentrarse en hechos aislados o historias auto-concluyentes sino que cada pieza deberá recargarse a la otra para ser apreciada así de manera panorámica; dentro de esa dinámica cronológica, este artista trabaja mediante la performatividad de su propia experiencia y posición en de- terminadas situaciones buscando como objetivo final elaborar un retrato de la sociedad contemporánea a través de una autobiografía encriptada.
Perla Ramos
Cursó la maestría en la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México en el área de Arte y Entorno (UNAM). Realizó una estancia de investigación en la Facultad de Bellas Ar- tes de la Universidad Politécnica de Valen- cia, España. Estudió la Licenciatura en Ar- tes en la Universidad Autónoma de Estado de Morelos (UAEM).
Ha participado en diversas exposiciones en México, Argentina, España y Ecuador, así como en programas de residencias, biena- les, talleres y ponencias en relación al es- pacio público; ha sido beneficiaria de becas para estudios y proyectos artísticos (PEC- DA, UNAM.) Fundadora y organizadora del colectivo INMOBILIARIA (intervención parásita en espacios abandonados). For- ma parte del GRUPO DE INCURSIONES ARTÍSTICAS METROPOLITANAS y de OBRA PARALIZADA.
Samuel Nicolle
Samuel Nicolle trabaja desde prác- ticas queer a través de esculturas, perfor- mances, vestuarios, canciones, recetas y fanzines para generar situaciones donde cada uno de estos elementos se desdobla en otro con el fin de explorar la posibilidad de ser imagen, ser objeto.
Intenta construir esculturas afec- tivas, objetos narrativos y superficies sensuales desde una perspectiva de la ar- quitectura emocional y del minimalismo ficcional. Nicolle explora la historia y la genealogía LBGTQ+, los años setenta y la música pop. Su trabajo despliega ecosiste- mas de interiores empapados de huellas de la presencia humana.
Estudió en estudio en ESAA Dupe- rré, y luego en ENSAPC antes de mudarse a México para entrar al programa educativo de SOMA. Ha presentado su obra en That continuous thing: artists and the ceramics studio en el Tate St Ives y en el White Cubicle Toilet Gallery para CornSmut, con Anthea Hamilton y Christopher Kirubi.
Valentina Guerrero
Nacida en Chile en 1994, estudió Li- cenciatura en Artes Plásticas en la Pontifi- cia Universidad Católica de Chile. Ha expuesto colectiva- mente en el Museo de Artes Visuales (chi- le), Sala de arte CCU (Chile), residencia Almendro (México) e individualmente en Espacio Vilches (Chile). También participó del proyecto educativo Nube Lab, donde ejerció como monitora de clases de artes plásticas para niños durante el año 2018.
A través de videos e instalaciones busca representar el límite entre lo que aparentemente es algo y su forma real, o más bien, marcar el momento en el que un cuerpo es absorbido por una idea y cuando esa idea pasa a constituir la realidad mis-
Fotografías: Benjamín Matte
ma. Porque cuando un objeto es desplazado, adquiere un peso, un añadido dado por las condiciones culturales, políticas y estruc- turales que construyen una subjetividad.
En la práctica artística de Valenti- na el medio adquiere un carácter dual: un intermedio entre la falsedad y la verdad material, entre el concepto para ser pen- sado y el objeto para ser contemplado. El lenguaje, la ficción, la ilusión material y el espacio se dinamizan en un proceso de in- tercambio, formando un paisaje nuevo don- de lo personal se vuelve político.
Fotografías: Benjamín Matte
Wendy Cabrera
El trabajo de Wendy Cabrera Ru- bio explora las relaciones entre estética e ideología, a partir de revisiones históricas de los mecanismos de producción y distri- bución de las imágenes. Le interesan los procesos de reinterpretacion del conoci- miento especializado así como el impacto de las ciencias aplicadas en el imaginario popular y el papel del arte dentro de la so- ciedad. Sus procesos implican la reescritu- ra, la revisión de archivo y la colaboración con otras disciplinas. Los temas que suelen ser recurrentes en su producción son la biotecnología, el resurgimiento de la ultra derecha y el proyecto panamericano.
A nivel formal explora el performan- ce estrechamente vinculado con la tradi- ción y la estética del teatro didáctico y la televisión educativa, haciendo un especial
énfasis en el uso de textiles y marionetas.
Cursó sus estudios de licenciatura en la ENPEG “La Esmeralda” y posteriormen- te ingresó al Programa Educativo SOMA. Su obra se ha presentado Colectivamen- te en el Museo Universitario de Ciencias y Artes, Laboratorio de Arte Alameda, Galería Karen Huber, Curro, Lodos, Anon- ymus, Ex-Teresa Arte Actual, Museo de la Ciudad, Sala de Arte Publico Siqueiros, el Colegio Nacional, entre otros. E indivi- dualmente en, Kurimanzutto, GAMA 1/4, Biquini Wax EPS, Queens y galería Nor- denhake. Ha expuesto en México, Estados Unidos, Colombia, Chile, Costa Rica, Ingla- terra, Francia, China, Islandia, Puerto Rico y Nueva Zelanda.
Como artista forma parte del pro- yecto del Museo Comunitario y Club de lec- tura de Sierra Hermosa Zacatecas.
Wendy realizó labores de gestión como miembro de LADRÓN-galería del 2016 al 2019 El proyecto fue acreedor del apoyo a proyectos del Patronato de Arte Contemporáneo en el 2016 y 2018. Ac- tualmente es miembro fundador de Rivera Galería. También ha realizado curadurías independientes en colaboración de Karla Kaplun y Sandra Sanchez.
