Madrid, España. Del 4 al 8 de marzo 2026.
Rolf Art en ARCOmadrid 2026
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ROLF ART en ARCOmadrid 2026
PROGRAMA GENERAL | STAND #7C14 | Group Show
Roberto Huarcaya | 1959, Perú
MAPA TEATRO | 1983, Colombia
Clemencia Echeverri | 1950, Colombia
José Alejandro Restrepo | 1959, Colombia
Cristina Piffer | 1953, Argentina
ARCOmadrid 2026
04.03.26 – 08.03.26
Ifema, Madrid, España
Rolf Art se complace en anunciar su participación en la próxima edición de ARCOmadrid 2026 -Feria Internacional de Arte Contemporáneo de España- que se llevará a cabo del 4 al 8 de marzo de 2026 en Ifema, Madrid, España.
En el programa general – Stand #7C14, Rolf Art presenta un proyecto que se adentra en el territorio latinoamericano —con especial énfasis en la Amazonía— para abordarlo como un archivo vivo y sujeto político. A través de prácticas vinculadas a la fotografía expandida —que recuperan y tensionan procesos históricos como el fotograma y el colodión húmedo— junto a dispositivos audiovisuales y grabados en linóleo, la propuesta desplaza la noción de paisaje para configurar una cartografía sensible, donde el territorio es representado como cuerpo atravesado por la colonialidad, la extracción y la violencia histórica.
La exhibición reúne los monumentales fotogramas de las series Amazogramas y Bosques de Bambú de ROBERTO HUARCAYA (1959, Perú) -figura clave de la fotografía contemporánea peruana- recientemente exhibidos en la Bienal de Venecia’24 [Italia], galardonados por el Prix Pictec’25 [UK] y actualmente en una exposición retrospectiva en MARCO Vigo [España]; los murales de linograbado del proyecto La vorágine más allá: Macharoko de MAPA TEATRO (1984, Colombia) -laboratorio de experimentación y creación transdisciplinar- exhibido en la reciente Bienal das Amazônias 2025 [Brasil] y en el Musée du Quai Branly [Francia] y elegido top ten exhibitions 2024 por ArtForum; la histórica serie de grabados América Equinoxial de JOSÉ ALEJANDRO RESTREPO (1959, Colombia) -maestro del grabado y figura central del videoarte en Latinoamérica- actualmente en exhibición en las salas del MoMA [EE.UU]; las icónicas videoinstalaciones Treno y Río por asalto de CLEMENCIA ECHEVERRI (1950, Colombia) -pionera del videoarte en América Latina- obras centrales dentro de su práctica audiovisual que ocuparon un lugar destacado en su gran retrospectiva Liminal en el Museo del Banco de la República en 2019 [Colombia] y presentadas en Museo Les Abattoirs en 2017 [Francia] y en la 12ª Bienal de Shanghái en 2018 [China] respectivamente; y Braceros de CRISTINA PIFFER (1953, Argentina) -referente del arte conceptual y centrada en el materialismo de la imagen en Argentina- obra que reactiva archivos vinculados a la explotación y el trabajo forzado de los pueblos originarios en el norte argentino.
En paralelo a ARCO y como parte del programa de galerías, Rolf Art en colaboración con OBLIQUO presenta un solo show de GABRIELA GOLDER titulado REBELIONES que se podrá visitar hasta el 15 de marzo en el Espacio OBLIQUO, calle de Valencia 17, Centro, Madrid, España.
Adicionalmente, celebramos la inauguración de la exposición colectiva AMÉRICA. Conexiones diaspóricas en la Colección Jorge M. Perez comisariada por Helio Santos Menezes donde se presentará una imponente obra de ROBERTO HUARCAYA & REMBER YAHUARCANI. El evento de inauguración tendrá lugar el sábado 28 de febrero en el Centro de Andaluz de Arte Contemporáneo, Calle Américo Vespucio, 2, Sevilla, España.
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Roberto Huarcaya | 1959, Lima, Perú
SOBRE AMAZOGRAMAS (2014-2024)
La monumental serie Amazogramas (2014-2024) de Roberto Huarcaya, que representó al Pabellón Peruano en la más reciente edición de La Biennale di Venezia 2024, se compone de fotogramas creados de noche en plena selva amazónica. Huarcaya desplegó varios metros de papel fotosensible entre el denso follaje, durante la noche, bajo la luz de la luna llena para capturar la huella de la Amazonia. Las imágenes se fijaron en la misma selva, en un rudimentario cuarto oscuro usando agua de los ríos cercanos, los químicos fueron posteriormente eliminados de forma segura en Lima. La obra rinde homenaje a la selva desde una perspectiva no instrumental, orgánica y horizontal. La propuesta emerge en la intersección entre fotografía, instalación y land art, desafiando nuestra manera de representar el entorno.
Amazogramas se ha presentado en Prix Pictet: Storm; KF Gallery, Corea del Sur 2025, en el Pabellón Peruano de la La Biennale di Venezia 2024, Art Basel Miami, USA 2024, Les Rencontres d’Arles, Francia 2023; Offscreen Paris, Francia 2022; The Armory Show, EE. UU. 2022; Museo Universitario de Arte Contemporáneo, México 2021; Paris Photo, Francia 2019; Arteba Focus, Argentina 2017; Centro Cultural Belém, Lisboa 2017; Festival Valongo, Brasil 2016; Pabellón de Perú en la Bienal de Arquitectura de Venecia, Italia 2016; Parque Rodó, Uruguay 2016; Dina Mitrani Gallery, Miami 2015; Casa Rímac, Perú 2014 y Daegu Photo Biennale, Corea del Sur 2014, entre otros.
SOBRE ROBERTO HUARCAYA
Roberto Huarcaya (1959, Perú) es uno de los artistas contemporáneos más distinguidos y comprometidos del Perú. Desde su aparición en la escena de las artes visuales, destacó por la ambición de sus proyectos, en los que a menudo el medio fotográfico se ha visto unido a otros medios de creación en combinaciones de gran solvencia. Fue fundador y fue director del Centro de la Imagen de Lima (1999–2021). Ha realizado numerosas exposiciones internacionales, entre las más recientes: Ver por contacto. Fotogramas 2014–2024 (Lima, 2024); Rencontres de la Photographie d’Arles, Paris Photo y Festival Sans Frontière (Francia, 2023); Direct Contact: Cameraless Photography Now en el Eskenazi Museum of Art, Indiana (2023); Pinta Parc, Lima (2023); Festival de Vannes (2022) y The Armory Show, Nueva York (2022). Su proyecto Amazogramas ha sido presentado en instituciones de América y Europa. Fue finalista del Prix Pictet 2025 (Storm) y fue elegido mediante concurso curatorial para representar al Perú en la Bienal de Arte de Venecia 2024. Su obra integra colecciones como la Maison Européenne de la Photographie (París), Fine Arts Museum of Houston, MOLAA (California), CoCA Seattle, MUAC (México) y el Museo de Arte de Lima (MALI), entre otras. Fue fundador y fue director del Centro de la Imagen de Lima (1999–2021), fue codirector de Lima Photo y de la Bienal de Fotografía de Lima, y coeditor de las revistas CDI y Sueño de la Razón.
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MAPA TEATRO | 1983, Bogotá, Colombia
SOBRE LA VORÁGINE MÁS ALLÁ. MACHAROKO (2024-2025)
La vorágine más allá es una instalación performática desarrollada por Mapa Teatro a partir de La vorágine (1924), novela fundamental de la literatura colombiana escrita por José Eustasio Rivera. Lejos de una adaptación literaria, la obra articula imagen, sonido y acción performática para pensar la Amazonía como un territorio marcado por memorias de violencia, explotación y desaparición. El proyecto fue realizado junto al pueblo Nukak, una comunidad amazónica que, durante el auge del caucho, eligió la invisibilidad como forma de supervivencia. Sus voces grabadas, leyendo pasajes del texto de Rivera que aluden a su territorio y experiencia histórica, constituyen un elemento central del dispositivo. Escuchamos su lengua sin comprenderla: están presentes y, al mismo tiempo, conservan su derecho a la opacidad. En el marco de los laboratorios de la imaginación social de Mapa Teatro, se produjeron una serie de grabados a partir del mito fundacional de Macharoko. Realizados colectivamente junto a la comunidad Nukak, estos trabajos traducen el relato mítico al lenguaje gráfico mediante planchas de linóleo, un material vinculado históricamente al caucho.
SOBRE MAPA TEATRO
Mapa Teatro es un laboratorio de experimentación y creación transdisciplinar, fundado en 1983 por los hermanos Heidi y Rolf Abderhalden, artistas visuales y escénicos suizo-colombianos pioneros del concepto y práctica de las Artes vivas en Colombia y Latinoamérica, y gestores del primer programa de Maestría en Artes vivas del continente. Desde hace cuatro décadas, Mapa Teatro proyecta su trabajo artístico dentro del ámbito de un reformulado concepto de artes vivas, que implica modalidades de pensamiento-creación gestadas desde el afecto, entendido como efecto de las fuerzas vitales y de los ecosistemas en el cuerpo. Transgresora de fronteras geográficas, lingüísticas y disciplinares, la práctica artística de Mapa Teatro se distingue por el deslizamiento continuo de los límites de la teatralidad. Esto se refleja en las hibridaciones que hace desde el cuerpo con disciplinas tan variadas como las artes escénicas, las artes plásticas y visuales, la música, el cine, la arquitectura, la literatura, la filosofía y la antropología. En el año 2000, tras años de trashumancia, instalan su laboratorio de artistas en el antiguo Hotel Atlanta, en el centro de Bogotá. Desde entonces, Mapa Teatro ha alternado la experimentación, la creación in(ter)disciplinar y las prácticas artísticas con el intercambio y la transmisión de conocimiento, dentro y fuera del ámbito artístico y académico. Su laboratorio está compuesto por artistas de distintos orígenes y disciplinas que comparten sus afectos, prácticas y saberes alrededor de preguntas por lo ético, lo estético y lo micropolítico en el arte: los “laboratorios de la imaginación social” le permiten a Mapa Teatro generar comunidades experimentales temporales que le dan forma a esas preguntas a través de medios y lenguajes artísticos muy diversos. Su obra artística ha sido presentada en teatros y museos de las Américas, Asia y Europa. La exposición antológica “Mapa Teatro: Laboratorio de la imaginación social”, presentada en el MAMU de Bogotá en 2022/23 y catalogada como una de las diez mejores exposiciones del mundo por Frieze, itineró al Museo de Antioquia en 2024–25. La vorágine más allá es la segunda parte de un ciclo de creación que comenzó en 2019 con La Luna en el Amazonas. MAPA TEATRO presentó La vorágine más allá en la Bienal das Amazônias, en Belém, Brasil, en 2025 y en el Musée du Quai Branly, París, en noviembre de 2025 mostrando la obra como una exploración monumental e inmersiva del paisaje amazónico y de sus complejidades sociales, ecológicas y políticas.
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José Alejandro Restrepo | 1959, Colombia
SOBRE AMERICA EQUINOXIAL (1991-1996)
“Colombia es un árbol dorado, que da frutos venenosos”
Léon Gauthier, viajero francés, siglo XIX.
América Equinoxial es un proyecto que propone una conexión entre el arte y el desorden social como un proceso histórico. La historia no se limita a una narrativa de lo irracional y de las intenciones recuperadas, sino que es, en cambio, la formación de una racionalidad diferente: el conocimiento como un terreno inestable. La serie de grabados retrata la consolidación de una visión colonial europea sobre los paisajes latinoamericanos, que transformaba estos ecosistemas en vastos escenarios de explotación de sus recursos naturales, provocando así la desposesión y el desarraigo de los pueblos indígenas que enraízan sus vidas en esas tierras.
El cuerpo aparece en una encrucijada, en un cruce de caminos, donde se encuentran y chocan permanentemente la historia, el mito, el arte y la violencia. Foucault mostró cómo el cuerpo está impregnado de historia y cómo la historia destruye los cuerpos. De manera traumática o en forma sutil, siempre es posible leer estos cuerpos gramaticalmente, como emisores de signos y como superficies de inscripción. Podría establecerse una «anatomía política»,en la que estos cuerpos se ven censurados, encerrados, domesticados, torturados, despresados, aniquilados, respondiendo a fuerzas históricas y míticas, así como a cierta racionalidad perversa. Detrás de la barbarie «irracional» hay evidentemente toda una serie de razones políticas y económicas y, sin duda, una conciencia sobre tácticas anatómico-políticas.
— José Alejandro Restrepo
Cuerpo gramatical: cuerpo arte y violencia (2006)
SOBRE JOSÉ ALEJANDRO RESTREPO
José Alejandro Restrepo (Colombia, 1959) es un reconocido video-artista colombiano, una figura central del arte contemporáneo de América Latina con más de treinta años de producción que forma parte del panorama histórico de las artes electrónicas en nuestro continente. Su formación e intereses son variados y abarcan desde las artes visuales y escénicas, la instalación, la fotografía, la performance y la producción editorial, constituyéndose como modelo de artista contemporáneo que opera desde la hibridez. Asimismo, su trabajo dialoga con la imagen documental a través de una obra exhibida bajo diversos formatos y dispositivos, focalizada en la crítica de las relaciones entre arte, historia, medios, religión y política. La obra del artista colombiano está basada en serias investigaciones sobre los relatos del poder dominante y creencias populares que derivan en una visión crítica y cuyas interpretaciones desmantelan la ideología del sistema. En este sentido, Restrepo adjudica al video la función de desarticular los discursos del poder y en varias de sus obras lo hace a partir de la re-apropiación de imágenes televisivas y su manipulación, reconstruyendo los mensajes de los medios masivos de comunicación, para hacer un señalamiento al valor que se le da a las imágenes. Por otra parte, los usos que Restrepo hace de la tecnología del video y la imagen electrónica implican un desvío de los discursos del espectáculo y del mainstream del arte contemporáneo. Su obra se exhibe regularmente en Europa, América Latina y Estados Unidos. Entre sus exposiciones individuales se pueden mencionar Teofanías (2008, Museo de Antioquia, Medellín); TransHistorias: mito y memoria en la obra de José Alejandro Restrepo (2001, Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá), Musa paradisíaca (1997, Museo de Arte Moderno, Bogotá), Anaconda (1993, Aphone en Geneva, Suiza) y Terebra (1988, Museo de la Universidad Nacional de Bogotá). Realizó también exposiciones colectivas como Botánica política (2004, Fundación la Caixa, Barcelona) y Cantos/cuentos colombianos (2004, Contemporary Colombian Art en el Daros-Latinamerica, Zurich), Tempo (2002, MoMA, Nueva York), Arte y violencia en Colombia (1999, Museo de Arte Moderno, Bogotá), The Sense of Place (1998, Centro de Arte Reina Sofía, Madrid). Participó, entre otras, de la 52 Bienal de Venecia (2007), Bienal de Mercosul (2011), Bienal de Lyon (2011), Museo del Quai Branly (2013) y The Museum of Fine Arts, Houston (2015).
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Clemencia Echeverri | 1950, Caldas, Colombia
SOBRE TRENO (2007)
Treno es una instalación sonora y visual que explora la fuerza del río Cauca y las voces humanas como metáforas de pérdida, violencia y desplazamiento en Colombia. Inspirada en una llamada telefónica desde Caldas —su región natal— donde una mujer le relató el secuestro violento de su hijo, la obra transforma ese clamor individual en un canto colectivo de dolor y ausencia. El título Treno alude al “canto fúnebre”: un llamado que viaja de una orilla a otra del río, buscando respuesta y resonancia, pero que termina rebotando en el vacío. La pieza combina la potencia visual y sonora del río con gritos, ecos y silencios que evocan casas abandonadas, memorias familiares y territorios devastados por el conflicto armado. En esta obra, Echeverri vuelve sobre sus raíces en el Eje Cafetero para mostrar cómo la violencia transforma lo cotidiano en un paisaje fantasma, donde imagen y sonido se entrelazan en un lamento sobre la fragilidad de la vida y la persistencia de la guerra en un país “habitado por fantasmas”.
SOBRE RÍO POR ASALTO (2018)
Río por asalto es una instalación sonora y visual en la que Clemencia Echeverri aborda el río como un territorio atravesado por la violencia armada y la memoria colectiva en Colombia. Filmada en el río Cauca, la obra combina imágenes del cauce con una composición sonora marcada por la irrupción de voces, gritos y órdenes que evocan episodios de asalto y control del territorio. Estas presencias sonoras transforman el paisaje natural en un espacio de tensión permanente, donde la violencia se manifiesta como una fuerza invisible pero persistente. El río aparece así como un cuerpo sensible y un archivo vivo que absorbe y devuelve las huellas del conflicto. A través de una experiencia inmersiva que desborda lo visual, Echeverri revela cómo la guerra irrumpe en lo cotidiano y convierte el paisaje en un lugar de resonancia del miedo, la pérdida y la memoria.
SOBRE CLEMENCIA ECHEVERRI
Clemencia Echeverri (Salamina, 1950) es artista visual cuyo trabajo se desarrolla principalmente en el dibujo, el video, la fotografía, la video-instalación, el sonido y la interactividad. Realizó estudios de pregrado en Comunicación Visual y Artes Plásticas en Colombia, cursó una maestría en Artes Visuales y posteriormente estudió Teoría e Historia del Arte Contemporáneo en el Chelsea College of Arts de Londres. Fue docente de grado y posgrado durante 27 años en la Universidad de Antioquia y la Universidad Nacional de Colombia. A través de estos medios desarrolla proyectos que articulan investigación de campo, compromiso social y tecnología. Ha recibido importantes becas y premios, entre ellos la Beca de Creación para obra In Situ del Ministerio de Cultura (2023), la Beca Fragmentos del Museo Nacional y el Ministerio de Cultura de Colombia (2018–2019), el Premio de Creación por la obra Voice del Arts Council de Londres, el apoyo de la Fundación Daniel Langlois de Canadá por la obra Quiasma (en colaboración) y el Premio Bienal de las Artes de Colombia. En 2019–2020 presentó la retrospectiva Liminal/Clemencia Echeverri, curada por María Margarita Malagón, en el Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU) del Banco de la República de Colombia, con obras de los últimos veinte años. Ha realizado proyectos de video-instalación en instituciones y eventos internacionales como Bard Graduate Center, Nueva York (2014); Conde Duque, Madrid (2015); Casa de América, Washington (2015); Les Rencontres de la Photographie, Arles (2017); Musée d’art Les Abattoirs, Toulouse (2017); Holanda (2019); Art Gallery of Guelph, Canadá (2020–2021); y recientemente en Galería Espacio Continuo, Bogotá, y la Institución Educativa Politécnico El Pozón, Cartagena (2023). Participó en la XII Bienal de Shanghái (2018), la Bienal de Sídney (2020–2021) y la Bienal de Cuenca, edición Educador (2023–2024). Su obra integra colecciones como Musée Les Abattoirs, Toulouse; Ulrich Museum Collection, Kansas; MOLAA, Los Ángeles; la Colección Daros–Latinamerica, Zúrich; la Colección de Arte Latinoamericano de Essex; el MEIAC, Badajoz; el MUAC, México; y en Colombia el Museo Nacional, el Museo de Arte de la Universidad Nacional, la Fundación Gilberto Alzate Avendaño y la Colección del Banco de la República.
ROLF ART | PROGRAMA GENERAL | STAND #7C14 | Group Show
Cristina Piffer | 1953, Argentina
SOBRE BRACEROS (2018)
Realizando un intenso trabajo de archivo e investigación, Cristina Piffer concibe Braceros (2018), un corpus de retratos de indígenas sobre placas de vidrio mediante la técnica fotográfica del colodión húmedo, utilizada en la segunda mitad del siglo XIX. El retrato antropológico plasmado en plata, genera una presencia-ausencia en suspenso, como imagen sin cuerpo, da que representa un acto sistemático de silenciamiento, represión y tensión entre aquello que se busca invisibilizar y aquello que reclama ser nombrado aún en la contemporaneidad, ya que el pasado no se presenta como una instancia superada sino como un territorio en permanente reelaboración e interpretación. La artista regresa sobre esas traumáticas cancelaciones para pulsar políticamente e incidir en nuestro presente.
SOBRE CRISTINA PIFFER
Cristina Piffer (Buenos Aires, 1953) es una reconocida artista con una prominente posición en la escena del arte contemporáneo a nivel internacional, con estudios en arquitectura en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires. Participó en la II Bienal de Bahía Blanca (1997), en la III Bienal Iberoamericana de Perú (2002) y en la Bienal de San Pablo-Valencia, Valencia, España (2007). Ha sido galardonada con numerosos premios y reconocimientos tales como: el premio al Artista del año, Asociación de Críticos de Arte (2002) y el Diploma de Honor, categoría objetos, Premios Konex, (2002), Beca del Fondo Nacional de las Artes (2001), Mención del jurado del Premio Banco de la Nación Argentina a las Artes Visuales 2000, y fue seleccionada como artista invitada para participar del Proyecto de Arte Público de Puerto Rico (2003), entre otros. Hacia 2003 participó en un proyecto de arte público en San Juan de Puerto Rico. Al año siguiente fue convocada por First View para el programa de intercambio cultural Diálogos Berlín-Buenos Aires, para realizar una intervención urbana en dicha ciudad. En 2004 realizó junto a Hugo Vidal la documentación de proyectos y acciones en el Centro de Documentación e Investigación de la Cultura de Izquierdas de Argentina (CeDinCi). Formó parte de numerosas exposiciones colectivas tales como destacan la muestra individual en MALBA – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Argentina, titulada “Contemporáneo 27” y la muestra colectiva en el marco de la Bienal Sur – Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti, “Argento” (2018) en Rolf Art y “La herencia indócil de los espectros” (2019) en la Fundación OSDE, Buenos Aires, “Radical Shift: Political and Social Upheaval in Argentinean Art since the 1960s” [Cambio Radical: convulsión política y social en el arte argentino desde los años sesenta], Museo Morsbroich, Alemania (2011); “Con la sangre en el ojo”, Galería Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo (2010); “Promoción de julio en septiembre”, Centro Cultural de la Cooperación (2010); “Las entrañas del arte”, Imago, Fundación OSDE (2008); “30 años, 30 artistas”, Centro Cultural Recoleta (2006); “Entre el silencio y la violencia”, Espacio Fundación Telefónica (2004) ; “Entre el silencio y la violencia”, Sothebys, Nueva York (2003); “Entripados” en la galería Luisa Pedrouzo (2002), “Últimas tendencias”, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2002) y “Como carne y uña”, junto a Claudia Contreras, en el Centro Cultural Borges (1998).
SOBRE ROLF ART
Rolf Art, localizada en Buenos Aires y fundada en 2009 por Florencia Giordana Braun, es la única galería de arte especializada en imagen técnica en Argentina. Enfocada en las artes visuales latinoamericanas, la galería representa e impulsa un selecto grupo de artistas y legados (Estates) que exploran los límites de la imagen en sus diversas expresiones. El perfil curatorial de la galería indaga en la unión, siempre en tensión, entre las estrategias formales y la profundidad conceptual, desafiando la coyuntura y considerando el contexto político, social y económico de la producción artística como un factor determinante para la interpretación del arte.
Con el fin de promover la producción y apreciación del arte contemporáneo, Rolf Art desarrolla un sólido programa global que comprende trabajos de investigación y archivo, exhibiciones, proyectos editoriales y audiovisuales, participación sostenida en ferias de arte y fotografía, encuentros de formación, colaboraciones institucionales y gestión de adquisiciones públicas y privadas; posicionando internacionalmente la obra de artistas latinoamericanos y contribuyendo a la legitimación de las expresiones visuales de América Latina en el mundo.
