Ciudad de Buenos Aires, Argentina. Inician 3 y 5 de septiembre 2026.
Talleres Kalabi Lab
Formación en arte, Tecnología y Materia
info@kalabilab.com
https://kalabilab.com
instagram
Talleres Kalabi Lab
FORMACIÓN EN ARTE, TECNOLOGÍA Y MATERIA
Taller 1: Capas invisibles: arte en realidad aumentada para el espacio físico
Por Rafael Parratoro, artista cinético, de arte óptico y de realidad aumentada
Fecha de inicio: Jueves 3 de septiembre de 2026.
Cursada: Cuatro jueves consecutivos, de 18.00 a 21.00 (Argentina)
Modalidad Online y sincrónico
Este taller aborda la integración del arte digital en espacios físicos mediante realidad aumentada. El recorrido abarca el marco conceptual de la intervención de espacios con capas digitales, el panorama actual de plataformas y equipos, el anclaje de contenido digital sobre imágenes y superficies reales, y el uso de asistentes de código como apoyo para crear sin necesidad de saber programar.
Durante la cursada, cada participante desarrollará una obra propia en realidad aumentada, anclada a un espacio u objeto de su elección, que al finalizar se publicará en Web AR y será documentada en video.
No se requieren conocimientos previos. El único requerimiento técnico será descargar las herramientas utilizadas -Lens Studio, Effect House, Codex y Claude Code- y contar con un celular con cámara. Se entregarán links de descarga directa y un certificado de asistencia a quienes asistan a tres de las cuatro clases.
Contenidos
4 clases de 3 horas cada una
Clase 1: Ver el espacio. El mundo físico como soporte.
Intro: marco conceptual y panorama del ecosistema de realidad aumentada.
Intervenir espacios con capas digitales: ¿qué significa y por qué importa? Estudios de casos de Rafael Parratoro: Murales del Movistar Arena, libro Pop Ar y muestras en Luxemburgo.
Panorama de plataformas: Lens Studio como herramienta de Web AR, Effect House, 8th Wall y alternativas.
Equipos de realidad aumentada actuales: celulares, visores con Quest y Vision Pro, anteojos en desarrollo. ¿Hacía dónde va el ecosistema?
Demostración en vivo: escena simple en Lens Studio (de cero a su reproducción en celular).
Clase 2: Anclar lo digital. Marcadores, superficie y escala.
Rastreo de imágenes y rastreo del entorno. Image tracking y world tracking. ¿Cuándo usar cada uno? Diferencias.
Materiales, texturas, luz y escala: decisiones que hacen creible la integración entre obra digital y espacio real.
Introducción práctica a Effect House: la lógica compartida entre plataformas.
Ejercicio guiado: intervenir una imagen impresa con un elemento animado.
Clase 3: Crear sin saber programar. Asistentes de códigos como herramienta.
Usar programas sin dominarlos: saber qué pedir y cómo verificar.
¿Qué son Codex y Claude Code? ¿Qué tipo de cosas pueden generar? Guiones para Lens Studio, automatizaciones en Blender o Maya y corrección de errores.
La habilidad central: describir con precisión lo que se quiere, iterar sobre el resultado y verificarlo.
Ejercicio guiado: cada participante genera con un asistente una pieza para su obra: una animación, un comportamiento o un modelo modificado.
Clase 4: Obra situada. Montaje, publicación y registro.
Del proyecto a la obra publicada y documentada.
Publicación en Web AR desde Lens Studio: acceso por código QR o enlace sin depender de una aplicación instalada.
Prueba en el espacio real: anclaje, luz y punto de vista del espectador.
Registro en video: cómo documentar una obra en realidad aumentada para portafolio y redes.
Conocé más sobre Rafael Parratoro
Rafael Parratoro, conocido artísticamente como PARRATORO, es un artista argentino-venezolano cuya práctica se sitúa en la intersección entre el arte cinético, el arte óptico y las tecnologías digitales.
Su obra explora la geometría, la percepción y la realidad aumentada, desarrollando un lenguaje visual propio a partir del efecto moiré aplicado a esculturas, instalaciones e intervenciones urbanas.
Entre sus proyectos más destacados se encuentran el diseño de los Premios Google Maps Platform 2025 para Google, la dirección del concepto artístico de los Premios Gardel 2023 y la intervención del cartel principal de Lollapalooza Argentina 2022. Actualmente reside en Buenos Aires y desarrolla proyectos artísticos para instituciones y espacios públicos a nivel internacional.
Inscripciones desde Argentina
Para inscribirse en el taller, hacé clic en el siguiente enlace y luego en “Inscribirme al taller”. Si aún no estás registrado, te pediremos que lo hagas. Una vez realizado el pago, recibirás automáticamente un e-mail con un PDF que contiene el material complementario, para que puedas ir preparándote para la cursada:
https://kalabilab.com
Inscripciones desde fuera de Argentina
Comunicarse a info@kalabilab.com o a través de Instagram en @kalabi.lab para recibir asistencia.
Beneficio para la comunidad Hipermedula
Si conociste la propuesta a través de Hipermedula, seguís a @hipermedula_org y a @kalabi.lab en Instagram, envianos el comprobante de tu compra a info@kalabilab.com y te reintegramos el 15% del valor de tu compra.
Taller 2: Del modelado al objeto: diseño 3D para fabricación digital
Por Victoria Papagni, artista digital y de nuevos medios
Fecha de inicio: Sábado 5 de septiembre de 2026
Cursada: Cuatro sábados consecutivos, de 13.00 a 16.00 (Argentina)
Modalidad: Online y sincrónico
El taller propone una introducción práctica y conceptual al diseño tridimensional y a la fabricación digital desde una perspectiva enfocada en arte y diseño contemporáneo, con especial atención a referentes latinoamericanos.
El programa aborda distintas técnicas de modelado 3D (poligonal, orgánico y paramétrico), el renderizado, los procesos de traducción entre lo digital y lo físico mediante impresión 3D y otras tecnologías de fabricación digital, y diversas técnicas de posproducción.
La cursada combina herramientas técnicas con referencias del arte y el diseño contemporáneo, promoviendo una comprensión del 3D no solo como una tecnología de producción, sino también como un modo de pensamiento y un medio para investigar la forma, la materia y las posibilidades expresivas de los objetos.
Durante las clases, cada participante desarrollará un proyecto personal, incorporando progresivamente lo aprendido para finalizar el taller con una pieza concluida o en un estado de desarrollo avanzado.
No se requieren conocimientos previos. El único requisito técnico será descargar Blender, un software de código abierto. El enlace de descarga está incluido. Se entregará un certificado de asistencia a quienes participen de tres de las cuatro clases.
Contenidos
4 clases de 3 horas cada una
Clase 1: Introducción al Modelado 3D. Técnicas y posibilidades. Referencias en el arte y en el diseño contemporáneo.
Introducción: distintos usos, programas y aplicaciones. El 3D en el ámbito de las industrias creativas (diseño industrial, videojuegos, arte contemporáneo). Modelado poligonal, modelado orgánico y modelado paramétrico. Ejemplos.
Artesanía digital.
Unidad mínima de subdivisión: el polígono. High poly/low poly.
Introducción a Blender (open source): interfaz.
Modelado con formas geométricas/subtools: modo objeto.
Modelado vectorial: modo edición.
Clase 2: Esculpido Digital. Modelado orgánico. Referencias en el arte contemporáneo.
Modelado orgánico, modo esculpido y principales herramientas de esculpido/brushes.
Modificar modelados 3D preexistentes. Bancos de modelos 3D.
Imágenes 2D vectorizadas a modelos 3D.
Modelar con imágenes de referencia.
Timelapse de esculpido digital.
Clase 3: ¡Luz, cámara, acción! Materiales, texturas y renderizado 3D.
Agregar materiales, colores y texturas a nuestros modelados 3D.
¿Qué es un render? Visualización 2D (xy) de nuestro modelo 3D (xyz).
Set de cámaras: encuadre para nuestro render.
Iluminación de la escena.
Motores de render.
Clase 4: Impresión 3D y fabricación digital: traducciones de la materia digital a la materia analógica.
Impresora FDM (modelado por deposición fundida).
Slicer: software de impresión.
Distintos tipos de Impresoras 3D (resina, metal, cerámica, vidrio).
Fabricación digital y biomateriales (filamentos).
En la órbita: casos en el arte contemporáneo: Neri Oxman y Juan Pablo Ferlat.
Conocé más sobre Victoria Papagni
Victoria Papagni es una artista visual argentina radicada actualmente en Zúrich, Suiza, que trabaja en la intersección arte, diseño y tecnología.
Su obra se desarrolla en el ámbito de los nuevos medios y la cultura postinternet, combinando diversos lenguajes como el video, la instalación, la tecnología 3D (escultura y animación), el sonido y la performance.
Actualmente se encuentra realizando la Maestría en Bellas Artes con orientación en Diseño en la ZHdK (Zürcher Hochschule der Künste) en Suiza. Es Licenciada de la carrera de Artes Electrónicas en UNTREF (Universidad Nacional de Tres de Febrero) y realizó el Programa de Cine en la Universidad Torcuato Di Tella.
Inscripciones desde Argentina
Para inscribirse en el taller, hacé clic en el siguiente enlace y luego en “Inscribirme al taller”. Si aún no estás registrado, te pediremos que lo hagas. Una vez realizado el pago, recibirás automáticamente un e-mail con un PDF que contiene el material complementario, para que puedas ir preparándote para la cursada:
https://kalabilab.com
Inscripciones desde fuera de Argentina
Comunicarse a info@kalabilab.com o a través de Instagram en @kalabi.lab para recibir asistencia.
Beneficio para la comunidad Hipermedula
Si conociste la propuesta a través de Hipermedula, seguís a @hipermedula_org y a @kalabi.lab en Instagram, envianos el comprobante de tu compra a info@kalabilab.com y te reintegramos el 15 % del valor de tu compra.
Sobre Kalabi Lab
Kalabi Lab es un espacio de formación en arte, tecnología y materia que ofrece talleres y mentorías dictados por referentes activos del ecosistema artístico, cultural y tecnológico latinoamericano.
A través del aprendizaje de herramientas concretas en talleres colectivos y del acompañamiento personalizado mediante mentorías, fomentamos el pensamiento crítico, la experimentación situada y el desarrollo de procesos interdisciplinarios.
El arte, la tecnología y la exploración material -ámbitos históricamente diferenciados- se ensamblan aquí para abrir nuevas posibilidades de desarrollo personal y profesional a quienes forman parte de nuestra comunidad.
Dirección
Agustina Rinaldi, dirección artística y tecnológica
Es curadora e investigadora, oriunda de Buenos Aires, Argentina. Su práctica explora los cruces entre ciencia, filosofía y artes tecnológicas. Está especialmente interesada en los estudios posthumanistas, los nuevos materialismos y la filosofía de la técnica. Sus investigaciones se encarnan en experiencias expositivas que tensionan lo tangible y lo intangible, lo orgánico y lo artificial, lo humano y lo no humano.
Fue curadora de Museum District de Decentraland en la web 3.0, formó parte del programa “Presente Continuo” de arte, ciencia y tecnología llevado adelante por Fundación Bunge y Born y Fundación Williams y fue elegida por la Universidad Federal de Río de Janeiro (UFRJ) para materializar la investigación “Hiperecologías situadas: operaciones tecnopoéticas para un posthumanismo del presente” en el laboratorio NANO (Núcleo de Arte y Nuevos Organismos) que se presentó en el festival Hiperorganicos 12.
Curó “Las máquinas deseantes” en el Museo MAR, “El problema de los tres cuerpos” en Fundación Andreani, “Tecnopoiesis” en la Casa Nacional del Bicentenario y “Devenir Animal” en la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires, entre otros proyectos.
Dio las charlas “Supercuerdas tecnopoéticas: cruces entre arte, ciencia y tecnología” en el Palacio Libertad, “Ensamblajes humano-técnicos: la creación artística como promesa de un futuro híbrido” en ArtLab, “Desbordar lo humano: la técnica como medio para ensayar futuros agenciales” en MetaGallery y “Devenires posthumanistas: cruces tecnopoéticos para la ¡emergencia! de otros mundos posibles” en la Universidad de Buenos Aires (UBA).
Juan Benítez Allassia, dirección formativa y audiovisual
Es investigador y docente audiovisual. Doctorando en Historia y Teorías Comparadas de las Artes (UNTREF), Magíster en Cine Documental (UCINE) y Licenciado en Ciencias de la Comunicación (UCSF). Trabaja el vínculo entre cine y arte contemporáneo a partir del audiovisual y las instalaciones.
En cine desarrolló los cortometrajes Algo está por des-aparecer (2018), Venían desde el río (2025) y su ópera prima El cine ha muerto (2022) que ha circulado por Grecia, España, Albania, México, Brasil, Uruguay, Perú, Colombia y Argentina. Actualmente, trabaja en su segundo largometraje La renovación de un río (2024 – actual) ganador del fondo de fomento de la Provincia de Santa Fe (2022) y pre- seleccionado al concurso nacional Raymundo Gleyzer del INCAA (2024-2025). Este trabajo ensaya entre la ficción y el documental, el cruce de la literatura y el cine.
Su película El cine ha muerto se expandió hacia la instalación en la obra Después de la muerte (2023) exhibida en DERIVAS. Episodio 2: Todo territorio es político (Espacio 34_35, Palacio Barolo, 2023); y en el proyecto Sobre las ruinas (2024 – 2025) que se exhibió en la Fundación Andreani en el marco de Desafíos 4. Ha participado de conversatorios en la Cinemateca boliviana sala Renzo Cotta en el marco del Festival de Cine Radical de Bolivia (2022); e impartió la conferencia “Visiones y estados de Iberoamérica en la no ficción” en el marco del 14° Festival Internacional de Cine Al Este Perú (2023).
Desarrolló un laboratorio sobre Documental Expandido en el programa de Producción Creativa y Distribución de Proyectos Documentales de Jóvenes Realizadoras del Caribe, organizado por la Fundación Cayeye Films con el apoyo del Programa Nacional de Concertación Cultural del Ministerio de Cultura de Colombia en 2023, 2024 y 2025. A su vez, ha trabajado como tutor de proyectos de cine en el Festival de Cinema Da Fronteira (Brasil, 2024).
