Ciudad de Buenos Aires. Argentina. Desde el 3 de mayo de 2018
La imagen arde
Festival Byte Footage
Festival Latinoamericano de Identidad e Imagen Digital
CCK / Centro Cultural Kirchner
Sarmiento 151, CABA
http://bytefootage.com
_byte footage
La imagen arde
Festival Latinoamericano de Identidad e Imagen Digital
La imagen arde es la exhibición del Festival Byte Footage. A partir del reciclaje digital, adoptando la apropiación y reinterpretación como mecanismo, la exhibición propone nuevas formas de utilizar el archivo digital en clave de identidad, territorio y memoria. Imágenes globales relocalizadas en territorios locales.
A través de una convocatoria abierta fueron elegidas por el jurado de selección (Albertina Carri, Francisco Medail y Leandro Listorti), 15 obras de toda América Latina para participar de la exhibición en conjunto con el trabajo de artistas locales. La imagen arde incluye obras de artistas de México, Colombia, Perú, Brasil y Argentina.
Inauguracion 3 de Mayo | 18 hs | CCK
19.00 HS I INAUGURACIÓN I SALAS 503 Y 505
INAUGURACIÓN DE LA EXHIBICIÓN _BYTE FOOTAGE. LA IMAGEN ARDE
La imagen arde es la exhibición del Festival Byte Footage. A partir del reciclaje digital, adoptando la apropiación y reinterpretación como mecanismo, la exhibición propone nuevas formas de utilizar el archivo digital en clave de identidad, territorio y memoria. Imágenes globales relocalizadas en territorios locales.
A través de una convocatoria abierta fueron elegidas por el jurado de selección (Albertina Carri, Francisco Medail y Leandro Listorti), 15 obras de toda América Latina para participar de la exhibición en conjunto con el trabajo de artistas locales. La imagen arde incluye obras de artistas de México, Colombia, Perú, Brasil y Argentina.
Musicaliza RUMANIANS, proyecto solista de Ani Castoldi, integrante del dúo Ibiza Pareo.
LA RELOCALIZACIÓN DE ARCHIVOS DIGITALES; UN GESTO DE REBELDÍA.
Nunca se había dicho tanto respecto a la memoria como hoy en dia; y sin embargo, nunca antes ha sido tan difícil acceder a nuestro pasado reciente.
Giselle Beiguelman
Si bien la producción de imágenes, y sus prácticas de manipulación han existido siempre, la era digital y el continuo crecimiento de la sociedad de consumo, han profundizado cada uno de estos aspectos, hasta el punto tal de preguntarnos: ¿Qué sentido tiene seguir creando imágenes?
Bajo el calor de una sobreproducción de imágenes digitales y el surgimiento de nuevas formas de circulación y reproducción, Byte Footage surge como una propuesta crítica sobre las imágenes que consumimos.
El metraje encontrado (found footage) es una herramienta para la reinterpretación de las imágenes ajenas; es, al mismo tiempo, un gesto rebelde de apropiación y resignificación. El concepto de byte footage es una adaptación del término a la era digital en donde imágenes y archivos se disputan un espacio en la virtualidad. El gesto de dislocar la imagen de su contexto original, dar uso de ella para que pueda habitar y discutir nuevos contextos, es otorgarle decisión, elección y libertad.
La producción de imágenes en la contemporaneidad cuestiona el estado existente de relaciones naturalizadas tales como lo público-privado, lo global-local y lo objetivo-subjetivo. Una mirada crítica acerca del consumo indiscriminado de contenidos digitales anticipa el fracaso de lo binario como modelo. La libertad no yace en la cantidad de información disponible sino en la posibilidad de reinterpretar, relocalizar y reutilizar esa misma información.
IDENTIDAD, TERRITORIO Y MEMORIA EN EL ECOSISTEMA DIGITAL
Imágenes globales leídas en código local. El desafío de pensarnos a través de las imágenes y el intento por explorar una identidad latinoamericana, caracterizada por su diversidad, es uno de los objetivos principales del festival. Es por eso que proponemos un diálogo entre las imágenes digitales y las nociones de identidad, territorio y memoria, a través del trabajo con archivos como materia prima para la producción. La intención no es la de una integración cultural sino un deseo de integración a través de la cultura.
Somos parte de la sociedad de la información, sabemos que los archivos configuran fuentes inagotables de poder y acceso al conocimiento. Somos parte de un sistema socio económico que predetermina un contenido dispuesto en plataformas estetizadas y ‘’accesibles’’. Sin embargo también existen fisuras desde las cuales construir un discurso crítico. Utilizamos las mismas herramientas para generar nuevos espacios de discusión, producción y circulación. La libertad no es aquella que se nos presenta, es aquella que construimos desde los márgenes. Entonces nos preguntamos: ¿de qué forma podemos modificar el modo de relacionarnos con la pantalla?
BYTE FOOTAGE, UN ESPACIO PARA LA DEMORA
Ante la acumulación de materiales nos encontramos frente a los archivos como ruina. De este modo el archivo es también una huella, un fragmento. Apostamos a rescatar del archivo aquello que todavía se mantiene activo, porque lejos de ser algo estático, el archivo como ruina es un organismo vivo.
Si la sensación de celeridad actual en la que vivimos tiene su causa en la incapacidad general por detenerse, Byte Footage se plantea como demora, reconociendo en el archivo una huella con potencialidad para la reflexión del presente en clave de identidad, territorio y memoria.
JUEVES 3 DE MAYO
18.00 HS | CONFERENCIA | AUDITORIO 513 I 75 MIN
RODRIGO ALONSO I BYTE FOOTAGE: UN NUEVO ESCENARIO
Rodrigo Alonso inaugura la programación del festival estableciendo una radiografía del arte digital en el contexto actual. La potencialidad del archivo como material para la creación. Identidad, territorio y memoria como guías para pensar la producción del arte contemporáneo. Cultura digital y consumo cultural.
Rodrigo Alonso es licenciado en Artes por la Universidad de Buenos Aires, especializado en arte contemporáneo y nuevos medios. Es profesor de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, la Universidad del Salvador y el Instituto Universitario Nacional de Artes. También es profesor y miembro del Comité Asesor del Máster en Comisariado y Prácticas Culturales en Arte y Nuevos Medios del MECAD, en Barcelona, y profesor invitado por importantes universidades, congresos y foros internacionales en América Latina y Europa. Es escritor, crítico y colaborador en libros, revistas de arte y catálogos. Entre sus libros, destacamos: Muntadas. Con/Textos, Ansia y Devoción, Jaime Davidovich. Video Works. 1970-2000 y No sabe/No contesta. Prácticas fotográficas contemporáneas desde América Latina. En 2011 es designado curador del pabellón argentino en la 54ª Bienal de Venecia.
VIERNES 4 de MAYO
13 HS I LABORATORIO I SALA 512 I 4 HS
TRRUENO I TÉCNICAS CREATIVAS DE SAMPLING
Destinado a músicos, productores, djs, artistas sonoros e interesadxs.
A partir de una radiografía por el contexto histórico del surgimiento del sampling como recurso, se profundizará en aspectos técnicos específicos para luego revelar técnicas más personales del uso del sampling aplicado a la producción musical y a la performance.
Reciclaje de piezas musicales previamente existentes como materia prima para la construcción de nuevas obras, elaboración de instrumentos a partir de grabaciones de campo, gestualidad e interfaces digitales; youtube y la exploración de paisajes sonoros en internet.
Sergey Kolesov es productor musical, performer y artista visual nacido en Rusia y radicado en Buenos Aires. Es uno de los miembros fundadores de la plataforma de artistas audiovisuales TRRUENO y el encargado del área de lanzamientos discográficos de la plataforma. Desde el año 2012 trabaja en su proyecto musical Astrosuka, el cual adoptó diversos formatos en los últimos años: improvisación con computadoras, dúo de batería acústica y electrónica, voces procesadas y dj sets. Sus últimas actuaciones incluyen improvisación de voces y electrónica. Se ha presentado como Astrosuka en diferentes ciudades del país y cuenta al momento con 5 lanzamientos discográficos, docenas de mixes para radios y participación en compilados de Argentina, Chile, UK y Rusia. Es integrante también del ensamble de percusión electrónica la_muerte, dúo de voces y computadoras, Columnas de Humo y el grupo de noise Огромная родина.
Pablo Verón es compositor, productor, improvisador y baterista. Desde su primer disco (Nieves, 2005) trabaja con las posibilidades que le brinda la electrónica a través del sampleo. Participó de festivales como FIME (San Pablo, Brasil), Panorámica (Telefónica), Sinestesia (Museo Metropolitano), Danza y Ciudad (C.C.Rojas), Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) y Fuga Jurásica. Desde el año 2010 es baterista del grupo de improvisación libre y dirigida CALATO, con el que ha editado dos discos y realizado giras por Argentina, Brasil y Uruguay. Desde el año 2016 forma parte del ensamble de percusión electrónica la_muerte. Es integrante de la plataforma TRRUENO y se desempeña además en el diseño sonoro y en la composición de música para instalaciones audiovisuales, danza y cine.
17.00 HS I CONFERENCIA I AUDITORIO 513 I 75 MIN
LEANDRO LISTORTI I ARCHIVOS AUDIOVISUALES: DEL FÍLMICO AL DIGITAL
De los archivos fílmicos a los digitales. Un recorrido a través de los archivos públicos disponibles y del found footage como práctica a partir de las experiencias de Cuatreros (Albertina Carri) y La película infinita (Leandro Listorti), un film construido a partir de restos de películas argentinas que nunca fueron terminadas, recientemente estrenada en el Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI).
Leandro Listorti es realizador, programador y proyeccionista. Como realizador, dirige una serie de cortometrajes en Súper 8, exhibidos en festivales internacionales como el Festival de Edimburgo y Ann Arbor, entre otros. En 2010 dirige su primer largometraje, Los Jóvenes Muertos. Entre 2005 y 2015 se desempeña como programador del Festival Internacional de Cine de Buenos Aires (BAFICI). Es uno de los fundadores de ARCA (Archivo Regional de Cine Amateur). Dicta clases de documental y archivo en varias universidades, entre ellas la Universidad Nacional de Tres de Febrero (Untref), el Centro de Investigación y Experimentación en Video y Cine (Cievyc) y la Universidad del Cine (FUC). Desde el año 2016 se encuentra a cargo del Área Técnica del Archivo del Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken en Buenos Aires.
18.30 HS I CONFERENCIA I AUDITORIO 513 I 75 MIN
ALBERTINA CARRI I FÓSILES Y ARCHIVOS
¿Cuerpos de imágenes o imágenes de un cuerpo en constante movimiento? ¿Cómo devolver a los fósiles su carácter fantasmal de un tiempo que aún no fue, o de cómo el archivo se volvió la obsesión de una época que, arraigada en el yo, criminaliza el olvido antes de volverlo de cara al acto de recordar, al acto mismo de decir yo?
Albertina Carri es directora, productora y guionista de cine. Sus largometrajes se han exhibido en los festivales de Cannes, Berlín, Toronto, Buenos Aires, Locarno y Rotterdam, entre otros. Al mismo tiempo se han estrenado en salas de Argentina, Madrid, Londres, París, Atenas, Australia, Chicago, Los Ángeles y Nueva York. Caracterizada por su versatilidad e investigación constante, Albertina Carri ha realizado a lo largo de su carrera tanto cortometrajes como telefilms, series de tv y videoinstalaciones. Al día de hoy cuenta con seis largometrajes: No quiero volver a casa, Los Rubios, Géminis, La Rabia, Cuatreros y la recientemente estrenada Las hijas de fuego.
20.00 HS I PERFORMANCE I LA CÚPULA I 120 MIN
EVA SHIN + FERNANDO GOIN
TELEPATÍA
Distancia: espacio entre usted y yo. Performance audiovisual que se despliega en varias capas de transmisión. El medio es el mensaje, el mensaje está en el medio, el mensaje se pierde.. Permanece la memoria física, el residuo oral y una idea.
LÍNEA DE TIEMPO
Fernando Goin
Una experiencia sonora inmersiva a partir de archivos en forma de vinilo. Un recorrido histórico a través de la música y documentos de audio grabados en vinilo. Artista invitado: Hernán Chinaski
Eva Shin es artista, música, pintora y performer, nacida en Seúl pero radicada en Buenos Aires. En los últimos años trabaja con video y fotomontaje sobre el concepto de biotecnología y produce música electrónica combinada con sonidos acústicos. Cuenta con un disco editado como solista con su proyecto de canción experimental AMHO y colabora en una serie de discos y proyectos afines. Realiza instalaciones, e intervenciones performáticas en el MAMBA, Centro Culturales Borges, Centro Cultural Recoleta, Centro Cultural General San Martín y Centro Cultura Konex. Participa de los festivales Trimarchi, Pecha Kucha, Saemangeum Flag festival y ArteBA. Expone una instalación para la muestra USB en el Centro de Artes de Séul (Corea). Ha formado parte del proyecto La Ira de Dios y fue agente del programa para artistas C.I.A. (Centro de investigaciones artísticas).
Fernando Goin nace en Buenos Aires, Argentina, en 1968. Cursa estudios de Diseño Industrial (UBA) y Artes Visuales en la ENBAPP, donde luego se desempeña como profesor de pintura.
La obra de Goin construye sentido a través de diferentes interfaces: elección del tema a investigar, convocatoria de grupos con la finalidad del cruce ideológico ( historiadores,artistas visuales y sonoros, curadores , sociólogos, escritores, políticos, etc), construcción permanente de un archivo de documentos sonoros ( en vinilo, con los cuales se presenta en vivo como una suerte de dj histórico ) y otro archivo de imágenes históricas y material fílmico obtenido de diferentes fuentes (Archivo de La Nación, Museo del Cine, documentales, colecciones privadas, internet,etc). Como resultado de la investigación el artista propone escenarios donde la percepción puede convivir con diferentes soportes y herramientas artísticas como la instalación, pintura, dibujo, plotters, objetos, entre otros.
Las entradas para las actividades en La Cúpula y en la Sala Argentina son gratuitas y se podrán retirar (hasta dos por persona) a partir del martes 1 de mayo, de 12 a 19, en Sarmiento 151, hasta agotar la capacidad de la sala. También se podrán reservar en cck.gob.ar. Las reservas deben retirarse hasta dos horas antes del espectáculo. Dos horas antes del comienzo de la función se entregarán a quienes se acerquen a boletería las entradas remanentes (incluidas las reservas vencidas).
SABADO 5 DE MAYO
14 HS I LABORATORIO I SALA 512 I 120 MIN
#VIVAS I ESTRATEGIAS DE SUPERVIVENCIA: UNA EXPERIENCIA SONORA INMERSIVA
En #VIVAS creemos que el arte puede servir como herramienta para inaugurar instancias de enunciación colectiva que reconfiguren la experiencia común de lo sensible. Existimos para expresarnos e incentivar la expresión de les cuerpes que no se escuchan en el discurso hegemónico. Nuestro trabajo es el de comunicar unas voces con otras.
Estrategias de supervivencia: una experiencia sonora inmersiva es un trabajo a partir de la utilización de audios registrados en manifestaciones en contra de la violencia de género en diferentes partes del mundo que forman parte del banco de sonidos de #VIVAS.
Queremos habitar ese territorio sonoro, escuchar y evocar esos momentos para luego preguntarnos: ¿Cómo funciona la memoria? ¿De qué forma nos interpela la lucha por la igualdad de género? ¿Qué es lo que queremos manifestar en esa marcha/recuerdo que son una y muchas al mismo tiempo?
Realizaremos así una nueva manifestación para implantar en ese espacio sonoro. Lo íntimo se vuelve compartido, construye un nuevo territorio y conforma una memoria colectiva.
Además de un banco colaborativo de sonidos público y feminista y una plataforma de difusión de producciones sonoras realizadas a partir de allí (https://soundcloud.com/siestamosvivas), en #VIVAS realizamos instalaciones, performances sonoras y talleres. Algunas de ellas son la //instal actxión sitespecificable instrumentx inter akt if A disk posikion (2017, La Noche de los Museos, Noviembre electrónico), Les unes para les otres (2018, cheLA, CCR) y la #1 experiencia colectiva de expresión femenina e interACCIONES mutantes, ambos talleres realizados en el CASo (Centro de Arte Sonoro).
15.00 HS I RECORRIDO I SALAS 503 y 505 I 120 MIN
RECORRIDO CON LXS ARTISTAS POR LA EXHIBICIÓN
Los artistas participantes de la exhibición _byte footage I la imagen arde, hacen un recorrido y conversatorio por sus obras.
_byte footage la imagen arde
La imagen arde es la exhibición de Byte Footage, el primer Festival de Identidad e Imagen Digital de Latinoamérica. A partir del reciclaje digital, adoptando la re-interpretación como mecanismo, la exhibición propone nuevas formas de habitar las imágenes en clave de identidad, territorio y memoria.
A través de una convocatoria abierta fueron seleccionadas 15 obras de toda América Latina para participar de la exposición en conjunto con el trabajo de reconocidos artistas y colectivos locales. La imagen arde incluye obras de artistas de México, Colombia, Perú, Brasil y Argentina. Archivo y arte digital se unen para re-pensar el modo de relacionarnos con la pantalla. Una propuesta crítica acerca del consumo masivo de imágenes propuestas mediante procesos de psicopolítica digital.
Artistas: Luciana Ponte, Lino Divas, Emmanuel Franco, Archivo de la Memoria Trans, Federico Gloriani, Eva Shin, Nicolás Testoni, Raúl Minsburg, Catalina Bartolomé, Paloma Violeta González Santos, The Cherry Blues Project, Calixto Bento, Zahara Gómez, Miguel Ángel Escobar Ramos, Adrián Regnier Chávez, David Pimentel Segura, Manuel Fernández, Mauro Movia, Andrei Thomaz, Marina Camargo, Karen Akerman, Miguel Seabra Lopes, Rodrigo Faustini, Florencia Aliberti.
17.00 HS I CONFERENCIA I AUDITORIO 513 I 75 MIN
GEORGINA ORELLANO I LIBERACIÓN DE ARCHIVOS ACTIVISTAS
En los últimos años las trabajadoras sexuales han logrado gran visibilidad dentro del movimiento feminista y sindical en Argentina ¿Cuáles han sido las estrategias comunicativas de este colectivo para que la sociedad conozca su lucha por derechos laborales? La líder del sindicato lo cuenta en primera persona.
Georgina Orellano. Trabajadora Sexual Feminista. Es Secretaria general de la Asociación de Mujeres Meretrices de la Argentina AMMAR y pertenece a la Mesa Nacional de la Central de Trabajadores de Argentina CTA. Ha participado como ponente en diferentes congresos y encuentros sobre feminismo y derechos humanos a nivel nacional e internacional y se encuentra terminando su libro «Puta y feminista. Crónicas de una trabajadora sexual» que publicará con el grupo editorial Penguin Random House.
18.30 HS I CONFERENCIA I AUDITORIO 513 I 75 MIN
GISELLE BEIGUELMAN I ESTÉTICAS DE LA MEMORIA EN EL SIGLO 21: POLÍTICAS DEL OLVIDO EN EL ESPACIO PÚBLICO Y MEDIÁTICO
Giselle Beiguelman, artista, crítica e investigadora brasileña presenta un conjunto de trabajos desarrollados en los últimos cinco años, en el campo de las estéticas de la memoria. Son trabajos experimentales que se desarrollan por medio de intervenciones artísticas en el espacio público, en el ámbito de las redes y en los espacios informacionales.
Atravesadas por problemas de “loading”, agotamiento de memoria del sistema e incapacidad de procesamiento de las informaciones, las imágenes estallan en la pantalla. Traen a la superficie sus índices de color más primarios, como si revelaran sus entrañas. Sin ceder a la conmoción de la ruina urbana que momifica un pasado-presente de exclusiones sociales, componen una secuencia de intermitencias. En ella se proyecta una inquietud sobre el tiempo-espacio en el siglo XXI: ¿ya es ayer?
Giselle Beiguelman es artista, crítica e investigadora, profesora de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de San Pablo (Brasil). Es autora de varios libros y artículos acerca de los nomadismos contemporáneos y las prácticas de la cultura digital. Sus trabajos más recientes como artista son: Odiolândia (Hateland, 2017), Memories of Amnesia (2015) y How heavy is a cloud? (2016).
18.00 HS I CHARLA-TALLER I TERRAZA DE LA SALA SINFÓNICA I 90 MIN
METER MANO: EL TRABAJO DE TEJER POR HIEDRAH CLUB DE BAILE
En un intento por definir la génesis de sus diversas prácticas, el colectivo artístico HiedraH abre los archivos descartados, notas al margen y conflictos latentes de estos cinco años de producción para pensarse a sí mismo como plataforma recolectora. Recolección como gesto unificador entre lo personal y lo colectivo, como reparación afectiva de la ausencia de opciones, como apropiación callejera y hurto a la Academia. Este taller se propone también como convocatoria abierta e invita a los asistentes a desprenderse de materiales (objetos, imágenes, sonidos, videos) caducos, defectuosos o inacabables para la producción de una nueva obra colectiva.
Coordinan: Ybán López Ratto, Nahuel Colazo y Julián Solís Morales.
Hiedrah es un colectivo de militancia artística con base en Buenos Aires y uno de los espacios de baile más reconocidos de la escena autogestionada. Una red de músicxs y artistas que promueve la singularidad de las minorías identitarias y culturales para crear una nueva política libertaria del goce de los cuerpos. “En disputa continua con los procesos de neocolonialismo de nuestra región, buscamos producir – explorar – y visibilizar el mestizaje y la experiencia ritual de nuestros ancestros. No somos iguales: nos potencian nuestras diferencias. Volvamos al cuerpo.”
20.00 HS I PERFORMANCE I LA CÚPULA I 120 MIN
TRRUENO + HIEDRAH I NUEVAS EXPRESIONES DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA Y LA CULTURA DE BAILE
Se presentan dos live-sets de artistas de la plataforma audiovisual Trrueno y dos dj-sets a cargo de integrantes de HiedraH Club de Baile. Electrónica industrial en estado de revuelta.
Volll (Pablo Verón)
Volll es el proyecto electrónico experimental de Pablo Verón en el que mutantes texturas noise conviven con inestables ritmos glitch. Recientemente editado a través de Trrueno, el disco Live @ Ruido, recupera la presentación en vivo de Volll, como parte del ciclo de música experimental RUIDO en el Teatro San Martín previo a la presentación del grupo Xiu Xiu, en octubre de 2017.
Pablo Verón es compositor, productor, improvisador y baterista, miembro de la plataforma de artistas audiovisuales Trrueno. Desde su primer disco (Nieves, 2005) trabaja con las posibilidades que le brinda la electrónica a través del sampleo. Participó de festivales como FIME (San Pablo, Brasil), Panorámica (Telefónica), Sinestesia (Museo Metropolitano), Danza y Ciudad (C.C.Rojas), Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) y Fuga Jurásica. Desde el año 2010 es baterista del grupo de improvisación libre y dirigida CALATO, con el que ha editado dos discos y realizado giras por Argentina, Brasil y Uruguay. Desde el año 2016 forma parte del ensamble de percusión electrónica la_muerte. Se desempeña además en el diseño sonoro y en la composición de música para instalaciones audiovisuales, danza y cine.
LOS ODIOS (Agustín Genoud / E.A.R. / D5)
LOS ODIOS es un ensamble de música post-humano. Su interés está basado pura y exclusivamente en generar vectores de intensidad. Bucea géneros y espacios sonoros de la historia de la intensidad (grindcore/tecno/punk/folklore) y en ellos se unta. En la oscuridad practica rituales con sus espectros. Amanece renacido. En la época de la narcofelicidad, LOS ODIOS son los patriarcas de la destrucción.
Agustín Genoud desarrolla prácticas de performance para voz expandida y experimental con sistemas tecnológicos diseñados específicamente para las mismas. Investiga las relaciones entre performance, voz y biotecnología. Se ha presentando, entre otros espacios, en la Bienal Internacional de Arte Sonoro “Sonandes”, MusicMackers Hacklab, CTM-Transmediale 2016, 4th Pure Data Convention, Centro Nacional de la Música, Biennal Internacional TheWrong, ECuNHi, Festival de Arte Sonoro Tsonami, Festival Internacional de Música Experimental y en el Centro de Experimentación del Teatro Colón.
HiedraH Club de Baile live set
Piara, Estorbo, Faena
Los jabalíes salen de los pajonales, tienen hambre, están sedientos. Mastican el alambre, son cientos. Los chanchos chillan, musiqueros. Los peones se despiertan amedrentados, elevan las armas, salen corriendo. No se opone nadie salvo el miedo. Buscan salvar el chiquero. La faena comienza antes de que se entere el capataz. No hay diferencia ya entre chancho y jabalí, todo es carne para picar.
Presentación a cargo de Braian y Moro.
Hiedrah es un colectivo de militancia artística con base en Buenos Aires y uno de los espacios de baile más reconocidos de la escena autogestionada. Una red de músicxs y artistas que promueve la singularidad de las minorías identitarias y culturales para crear una nueva política libertaria del goce de los cuerpos.
“En disputa continua con los procesos de neocolonialismo de nuestra región, buscamos producir – explorar – y visibilizar el mestizaje y la experiencia ritual de nuestros ancestros. No somos iguales: nos potencian nuestras diferencias. Volvamos al cuerpo.”
Las entradas para las actividades en La Cúpula y en la Sala Argentina son gratuitas y se podrán retirar (hasta dos por persona) a partir del martes 1 de mayo, de 12 a 19 hs., en Sarmiento 151, hasta agotar la capacidad de la sala. También se podrán reservar en http://www.cck.gob.ar/. Las reservas deben retirarse hasta dos horas antes del espectáculo. Dos horas antes del comienzo de la función se entregarán a quienes se acerquen a boletería las entradas remanentes (incluidas las reservas vencidas).
CCK
Sarmiento 151, CABA
La exhibición _byte footage I la imagen arde podrá visitarse de miércoles a domingos y feriados, de 13 a 20 hs a partir del viernes 4 de mayo en las salas 503 y 505 del 5to piso (Sonido y Arte Digital).
TODAS LAS ACTIVIDADES SON DE ACCESO LIBRE Y GRATUITO.
Para las conferencias y laboratorios recomendamos llegar 30 minutos antes del inicio de la actividad.
Para las actividades en La Cúpula y Sala Argentina se requiere reserva previa de entrada. Las entradas se pueden retirar (hasta dos por persona) a partir del martes 1 de mayo, de 12 a 19, en Sarmiento 151, y hasta agotar la capacidad de la sala.
También se pueden reservar a través de cck.gob.ar. Las reservas deben realizarse el martes 1 de mayo, de 12 a 19, y hasta dos horas antes del espectáculo.
Dos horas antes del comienzo de la función se entregarán a quienes se acerquen a boletería las entradas remanentes (incluidas las reservas vencidas).
