Getxo, País Vasco, España. Del 4 al 29 de septiembre 2019.
13° edición de GETXOPHOTO 2019
Post Homo Sapiens. Programando el futuro
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GETXOPHOTO 2019
Post Homo Sapiens. Programando el futuro
El Festival
GETXOPHOTO entiende la imagen como un medio para abordar, vivir y enfrentar las grandes cuestiones que nos afectan. Por eso la programación de cada edición se articula en torno a un tema específico, siempre de interés general. Por tercer y último año, la bilbaína Monica Allende será la responsable de la programación artística.
Historias
Los procesos de aceleración, automatización, inteligencia artificial y los avances científicos plantean nuevos retos a los individuos mientras nos acercamos al concepto de transhumanismo. ¿Cómo nos va a afectar todo esto?
Nuevos medios
GETXOPHOTO acoge en su programación representaciones visuales como fotografía, vídeo, archivo, realidad virtual o arte digital, mostrando así su apuesta por las narrativas multidisciplinares.
Programa de educación
Se desarrollará durante todo el mes un programa pedagógico con amplia oferta de actividades para todas las edades. Se programarán laboratorios, conferencias, talleres y visitas guiadas.
Aire libre
GETXOPHOTO se caracteriza por la defensa radical del espacio público como lugar de encuentro, ocio y reflexión. Por ello la mayoría de las exposiciones son diseñadas como instalaciones al aire libre, pero sin desatender otras salas y espacios.
Recorridos
Para el Festival es esencial llegar y hacer llegar los contenidos a todo tipo de audiencias. Por ello propone distintos recorridos y rutas para disfrutar, a pie, de sus exhibiciones gratuitas.
Un festival local e internacional
Con la implicación directa de diferentes agentes locales como comerciantes, hosteleros o aficionados y al mismo tiempo con la participación de prestigiosos artistas de distintas partes del mundo.
Juno Calypso
Sobre el Festival
Organizado por el colectivo Begihandi, GETXOPHOTO es un Festival dedicado a la imagen que tiene lugar en Getxo –muy cerca de Bilbao, en la costa del País Vasco– durante el mes de septiembre. Acerca diferentes propuestas de creadores visuales de todo el mundo a la ciudad, estableciendo una conversación contemporánea sobre el tema propuesto cada año.
Tiene como objetivo expandir los límites preconcebidos sobre las narraciones visuales y los espacios de exhibición. Por ello se utiliza predominantemente el espacio público y los lugares no convencionales, proponiendo un diálogo abierto con los espectadores a través de las imágenes planteadas en fachadas, parques, salas, lugares abandona- dos, mercados y otros espacios de la ciudad. De esta forma, la imagen trasciende hasta llegar a todo tipo de público y no se enfoca sólo al público profesional.
El Festival, mayoritariamente gratuito, se configura como un punto de encuentro y una plataforma local e internacional. Ha logrado crear una red de instituciones, artistas y visitantes que intercambian experien- cias y conocimiento.
En los 13 años de recorrido, han participado más de 200 artistas de renombre –muchos de ellos aclamados por la crítica–, como Martin Kollar, Martin Parr, Nadav Kander, Naomi Harris, Phil Toledano, Marcos López, Ricardo Cases, Wang Qinsong, Alessandra Sanguinetti, Roger Ballen, Cristina de Middel, Vincent Fournier, Boushra Almutawakei, Pieter Hugo, Jacques-Henri Lartigue, Paul Fusco, Zanele Muholi, Yann Gross, Simon Norfolk, Erik Kessels, entre muchos otros.
Sobre el programa
La 13a edición de GETXOPHOTO se celebrará del 4 al 29 de septiembre. El Festival se configura como una plataforma que alberga exposiciones, un open call internacional que abre las puertas a artistas de todas partes del mundo, los laboratorios que forman parte del programa de educación, las colaboraciones con agentes culturales e instituciones que permiten fortalecer el ecosistema cultural, los encuentros como un espacio compartido para la reflexión sobre las imágenes y la profesión o las actividades diversas como parte del programa participativo de GETXOPHOTO.
Exposiciones
Alrededor de veinte exposiciones articulan el programa artístico de este año, cuyo tema es Post Homo Sapiens. Programando el Futuro. Los trabajos abordarán los desafíos que enfrentan los individuos en un presente donde los procesos de aceleración, automatización, inteligencia artificial y avances científico-tecnológicos están planteando nuevos retos a medida que nos acercamos cada vez más al concepto de transhumanismo.
Artistas de diversa procedencia abordarán la temática de esta edición desde muy diferentes puntos de vista y lenguajes visuales. La artista Maija Tammi participa con la inquietante serie compuesta por cuatro retratos, One of Them is a Human. Un trabajo conceptual que presenta los rostros de tres androides (robots con apariencia humana) y, posiblemente, un humano. No se señala cuál es la imagen que representa al ser humano, si es que existiera una.
El artista suizo Matthieu Gafsou recorrió Europa para retratar a científicos de grandes laboratorios y biohackers, así como a los objetos relacionados con el trashumanismo, un movimiento intelectual que aspira a potenciar el cuerpo humano a través de la ciencia y la tecnología. Ha fotografiado desde dispositivos cotidianos como marcapasos o teléfonos inteligentes hasta complejos experimentos que buscan alcanzar la inmortalidad o abandonar el cuerpo biológico y sustituirlo por una máquina.
El Festival también contará con la presencia y la obra del artista y activista cyborg Neil Harbisson, muy conocido por haberse implantado una antena en el cráneo y haber sido reconocido como cyborg oficialmente por un gobierno. Su antena le permite percibir colores visibles e invisibles –incluyendo infrarrojos y ultravioletas– a través de vibraciones audibles producidas en su cráneo, así como también recibir colores del espacio, imágenes, vídeos, música o llamadas telefónicas directamente en su cabeza a través de conexión a internet.
La fotógrafa estadounidense afincada en Belfast, Haley Morris Cafiero visualiza en The Bully Pulpit un tema tan actual como el ciberacoso, fenómeno social del que ella misma es víctima. Después de investigar los perfiles de sus acosadores por internet, se disfraza de ellos e inserta en la imagen los comentarios que le han enviado.
La joven y reconocida fotógrafa inglesa Juno Calypso presenta What to do with a Million Dollars. La artista utiliza escenas cuidadosamente estudiadas en interiores asépticos que nos teletransportan a paisajes de ensueño (o de un mal sueño) para explorar un concepto de feminidad que, con el paso del tiempo, no ha variado tanto.
Maija Tammi
Open Call
Con el fin de dar cabida a nuevos artistas locales e internacionales, se organizó un Open Call internacional con un jurado de primera categoría: Emilia van Lynden (Unseen, Manifesta), Fiona Shields (The Guardian), Elena Navarro (Foto México), Azu Nwagbogu (Lagos Photo Festival) y Monica Allende (GETXOPHOTO). Esta segunda convocatoria recibió 190 propuestas (3015 imágenes) de 35 países diferentes. Todo un éxito.
Los ganadores de esta edición han sido Haley Morris-Cafiero con The Bully Pulpit, Jaakko Kahilaniemi con Past-It, Federico Estol con Héroes del brillo, Claudia Gori con The Sentinels: Electrosensitivity in Italy y Ezio D’Agostino con NEOs.
Laboratorio de creación
El programa educativo del Festival contará con un laboratorio que este año se centrará en la documentación experimental en el museo. El laboratorio lo llevarán a cabo los creadores Alejandro Acín y Julián Barón y tendrán como in- vitados especiales a Jon Cazenave y Maite Jiménez. Se realizará en el Museo Vasco durante tres días, transformando el museo en un estudio de producción en el que los participantes utilizarán herramientas tales como la fotografía, la escritura o el dibujo para acercarse al archivo y las colecciones del museo desde una mirada contemporánea. Como resultado de esta documentación experimental, cada participante creará un cuaderno de campo en torno a sus vivencias.
Colaboraciones
El Festival establece una relación más cercana y colaborativa con agentes culturales e instituciones del ámbito local y estatal, forta- leciendo el ecosistema cultural. Este año trabajaremos con Kutxa Kultur en Donostia, la Biblioteca Foral de Bilbao, el Museo Vasco y FNAC Bilbao, presentando varias exposiciones dentro del programa artístico.
Actividades
Este programa incluye una amplia gama de eventos pensados para distintos tipos de sensibilidades y acercamientos al mundo de la ima- gen. Aunque habrá actividades du- rante todo el mes, muchas de ellas se llevarán a cabo durante el primer fin de semana, del 4 al 8 de sep- tiembre. Durante este periodo, el público podrá participar en el Ope- ning (con la participación de varios artistas), la visita especial a todas las exposiciones y encuentros con los autores o Encerrona, una jorna- da dedicada a la reflexión sobre la fotografía.
Destaca el espacio de Participación popular, un foro abierto para todas las personas que quieran participar en GETXOPHOTO enviando una foto según el tema propuesto. 40 de ellas serán ex- puestas en los escaparates de comercios pertenecientes a la Asociación de Comerciantes de Algorta, Algortako Dendak. También Hamaiketako, actividad en la que los participantes podrán compartir un almuerzo con expertos y profesionales de la imagen durante tres sábados consecutivos de septiembre. En esta ocasión contaremos con la presencia de los fotógrafos Oskar Martínez, Juantxo Egaña e Ixone Sádaba.
Completan el programa instalaciones, la ruta posavasos en los bares y cafeterías locales, un cine con camas, visitas guiadas diurnas y nocturnas y muchas otras actividades.
Federico Estol con Héroes del brillo
Sobre Monica Allende, comisaria
Comisaria independiente, productora cultural y docente, actualmente compagina la dirección artística de GETXOPHOTO con la de Landskrona Foto Festival (Suecia). Ha colaborado con la plataforma WeTransfer como consultora creativa y produce proyectos multidisciplinarios con artistas y otras plataformas digitales de todo el mundo. Ha sido, además, directora del Festival Internacional de Fotografía FORMAT (Reino Unido), ha colaborado con Screen Projects y ha comisariado el proyecto multidisciplinar Blues Skies de Anton Kusters para Photo London.
Fue editora gráfica del Sunday Times Magazine, donde puso en marcha la premiada sección de fotografía Spectrum. Es profesora visitante en el London College of Communication e imparte conferencias y talleres en ScreenLab de Londres, EFTI de Madrid, Tashkeil en Arabia Saudí así como el Mentorship Business Programme de la Universidad de Sunderland, el Festival Internacional de Ferrara, talleres de World Press Photo en Angola, talleres de la Agencia Magnum, entre otros. Suele proponer a fotógrafos para premios como los de la Deutsche Börse Photography Foundation, el Prix Pictet, la Joop Swart Masterclass / WPP o el Premio FOAM Paul Huf. También ha formado parte de jurados en todo el mundo, incluidos los de World Press Photo, Bar Tur Photobook, Book Dummy Award de La Fabrica / Photo London, el PhMuseum, el Visura, el Taylor Wessing de la National Portrait Gallery, entre otros. Ha sido premiada en varias ocasiones, entre otros, con el Premio de Amnistía Internacional en la categoría de Fotoperiodismo, Premio de los Editores de Fotografía, el Premio Online de Prensa y Mejor Uso de la Fotografía en los Pre- mios de Diseño Gráfico.
Post Homo Sapiens. Programando el futuro
por Monica Allende
La 13a edición de GETXOPHOTO Festival Internacional de Imagen abor- dará los desafíos que enfrentan los individuos en un presente donde los procesos de aceleración, automatización, inteligencia artificial y avances científico-tecnológicos están planteando nuevos retos a medida que nos acercamos cada vez más al concepto de transhumanismo.
La programación, definida como la alfabetización de la era digital, el desarrollo científico y los avances médicos plantean nuevos desafíos bioéticos frente a las convenciones sociales tradicionales. El modo en el que la sociedad se involucra con la educación y la información, establece relaciones entre sí o elige cómo entretenerse está experi- mentando un cambio significativo, aunque es demasiado pronto para evaluar íntegramente su impacto.
De igual forma que la era industrial transformó el concepto del trabajo derivado de la relación entre el cuerpo físico y la máquina, la era digital explora las capacidades ilimitadas de la mente y la creación de redes digitales que podrían superar las capacidades humanas o simplificar procesos intelectuales complejos.
Pensar en el futuro de la humanidad y reflexionar sobre sus múltiples posibilidades es el tema que el Festival abordará este año. En definitiva, una nueva edición que, siguiendo la línea discursiva del tema Transiciones iniciada hace dos años, tratará de abordar cuestiones contemporáneas fundamentales.
Neil Harbisson —Cyborg
Harbisson, quien asistirá al Festival, es un artista contemporáneo y activista cyborg catalán nacido en Inglaterra conocido por haber implantado una antena en su cráneo y haber sido reconocido como cyborg de forma oficial por un gobierno. La antena le permite percibir los colores visibles e invisibles, así como también recibir co- lores del espacio, imágenes, vídeos, música o llamadas telefónicas directamente en su cabeza a través de conexión a internet.
Harbisson se identifica a sí mismo como cyborg, siente que él mis- mo es tecnología. Y también como transespecie ya no se siente 100% humano. Su obra artística investiga la identidad, la percep- ción humana, la conexión entre la vista y el sonido y el uso de la expresión artística a través de nuevos inputs sensoriales. En el año 2010 fundó la Fundación Cyborg junto a Moon Ribas, una organización internacional que tiene como objetivo ayudar a los seres humanos a convertirse en cyborgs, defender sus derechos y promover el arte cyborg. En 2017 cofundó la Transpecies Society, una asociación que da voz a las personas con identidades no-humanas, defiende el derecho al auto-diseño y ofrece la creación de nuevos sentidos y nuevos órganos en comunidad.
Ezio D’Agostino —NEOs
Durante siglos Luxemburgo fue un país muy pobre a pesar de poseer las reservas de hierro más grandes del planeta. Sin embargo, la calidad del hierro era baja debido al alto contenido en fósforo que tenía, lo que impedía su utilización. En 1877 Sidney Thomas patentó un sistema para separar el hierro del fósforo, un descubrimiento que permitió a Luxemburgo desarrollar una importante industria metalúrgica. Pocos años después, este país destacaba como el mayor exportador de acero del mundo, hasta que estalló la crisis de 1970. Entonces Luxemburgo decidió cambiar su modelo económico e inaugurar un nuevo ciclo basado en los servicios financieros, lo que lo convirtió en el segundo país más rico del mundo. Ante el temor de una nueva crisis financiera, en 2016 Luxemburgo comenzó a buscar una alternativa en la explotación de recursos mineros procedentes de asteroides y objetos cercanos a la Tierra. En NEOs el fotógrafo italiano reflexiona sobre el proceso de desmaterialización de la riqueza en este país. A través de imágenes abstractas o futuristas, D’Agostino ofrece un viaje visual a un espacio capitalista que está por llegar.
Nacido en Italia en 1979, vive y trabaja en Marsella. Licenciado en Arqueología, estudió Fotografía Documental en la Scuola Romana Di Fotografia. Su trabajo ha sido expuesto en importantes festivales e instituciones de todo el mundo, como Le Bal, CNA, FotoGrafia Festival Internazionale di Roma, International Fotobook Festival Kassel o Paris Photo. Ha recibido, entre otros, los premios Portfolio Night – Centre National de l’Audiovisuel, Best Book – PhotoEye, Prix HSBC Pour la Photographie, FotoGrafia Award, Dummy Award Kassel, Prix SFR Paris Photo. Colabora con Genda Magazine.
Claudia Gori —The Sentinels Electrosensitivity in Italy
Según la Organización Mundial de la Salud un 3% de la población mundial padece electrosensibilidad, una enfermedad todavía no reconocida oficialmente causada por la exposición a campos electromagnéticos de alta frecuencia. Los afectados experimentan molestos síntomas como fatiga, cefalea, desconcentración y dolor osteomuscular, síntomas que eventualmente pueden conducir a la depresión. Sus enemigos son aparatos comunes y corrientes como módems wifi, móviles, pantallas de ordenador, microondas o incluso triviales mandos a distancia. Se estima que un 4% de la población italiana está afectada por esta enfermedad. La fotógrafa Claudia Gori, en colaboración con Giacomo Alberto Vieri, analiza la relación entre el hombre y el medioambiente en un trabajo sensible y al mismo tiempo informativo sobre los llamados centinelas del futuro. Son personas que sufren en soledad esta enfermedad silenciosa, afección que en los próximos años podría transformarse en un fenómeno extendido. Gori retrata los artilugios artesanales que estas personas utilizan para protegerse de las radiaciones, así como el aislamiento que conlleva su estilo de vida. Una suerte de refugiados de la tecnología en su propia tierra.
Nacida en Prato, Italia, en 1986, se licenció en Periodismo. Estudió Fotografía en el CSF Adams en Roma y Advanced Visual Storytelling en la Danish School of Media and Journalism. Trabaja como fotógrafa freelance y su trabajo ha sido publicado en medios como CNN Photo Blog, The Wall Street Journal o Grazia Italia y expuestos en Italia y en el extranjero. En 2016 fue nominada al Joop Swart Masterclass de World Press Photo. En 2017 fue finalista del Pesaresi Award. En 2018 ganó el Premio Voglino y su trabajo fue seleccionado para el festival Cortona on the Move.
Federico Estol —Héroes del brillo
Este fotógrafo uruguayo centra su mirada en los más de 3.000 limpiabotas que diariamente compiten por los clientes en las calles de La Paz, la capital de Bolivia. Esconden su rostro detrás de pasamontañas para no ser reconocidos. No quieren que en su barrio, llamado El Alto, sepan a qué se dedican realmente. Sus familias creen que tienen un oficio distinto. Ellos luchan contra la discriminación con estas máscaras improvisadas que los invisibilizan y al mismo tiempo los reúne en una suerte de tribu urbana. Gracias a este anonimato colectivo se sienten invencibles frente al resto de la sociedad. Durante tres años, Federico Estol colaboró con 60 limpiabotas en la realización de un periódico llamado Hormigón armado. Cada foto de este ensayo está planteada en un lenguaje que recuerda el de las fotonovelas. De este trabajo participativo, con la arquitectura andina de El Alto como escenario de fondo, surgen estos héroes del brillo, luchadores sin rostro pero dotados de una fuerte identidad. Actores y productores al mismo tiempo, los protagonistas de este fotolibro –editado en forma de periódico– se oponen a la estigmatización social con creatividad e ironía.
Fotógrafo uruguayo nacido en 1981, se graduó en el Centro de la Imagen y Tecnología Multimedia de la Universidad Politécnica de Cataluña. Es director artístico del Festival San José Foto, coordinador del Photobook Club Montevideo y editor en El Ministerio Ediciones. Ha participado en Noorderlicht Photofestival, Athens Photo Festival, Aleppo Photo Festival, Festival Internazionale di Roma, Paraty em Foco, Fotofest Bolivia o Kaunas Photo, entre otros. Ha expuesto en Aperture Foundation, FOLA, Espacio de Arte Contemporáneo de Montevideo, Metropolitan State University o el Museo de Arte Contemporáneo MACRO. Ha publicado cuatro libros y recibido varias distinciones.
IC Visual Lab —Alone with Empire
Alejandro Acín e Isaac Blease (IC Visual Lab) recurren a la teoría del caos como método de investigación visual para reinterpretar la historia colonial del Reino Unido. El proyecto se alimenta del archivo de la British Empire and Commonwealth Collection, que posee más de 2.000 películas filmadas por trabajadores coloniales y sus familias entre 1920 y 1960. Con el objetivo de subvertir la narrativa oficial, Alone with Empire propone un acercamiento a esta colección a través de narrativas fragmentadas. Los autores utilizan una interfaz digital que genera nuevas secuencias fílmicas, mezclando aleatoriamente los materiales de la colección oficial. A través de este proceso, el archivo se revela al espectador de forma casual y participativa, rompiendo las líneas cronológicas y geográficas. La primera instalación fue realizada en el City Hall de Bristol en 2018. Allí el público fue invitado a intervenir el archivo creando sus propias secuencias y a catalogar cada pieza en base a sus pulsiones emocionales. El resultado de esa experiencia se expone en una instalación con más de 250 películas, además de fotografías, una narración sonora y sonidos grabados en el espacio de la colección.
IC Visual Lab es una organización independiente afincada en Bristol, enfocada en la educación y la promoción de la fotografía contemporánea.
Alejandro Acin es un artista y productor creativo residente en Bristol. Su carrera se ha centrado en la gestión y difusión de archivos que se alimentan de colecciones importantes como la del Archivo Marítimo e Industrial de Bristol o de la British Empire & Com- monwealth Collection. Su trabajo ha sido expuesto en Colombia, España, Italia y Reino Unido.
Isaac Blease, artista y comisario residente en Bristol, utiliza la fotografía, el cine y el archivo para explorar las conexiones entre la memoria privada y pública y su influencia sobre las narrativas históricas. Recibió el premio DBACE de Deutsche Bank en 2017 y ha sido seleccionado para el premio Magnum Graduate y Photoworks / Jerwood. Su trabajo ha sido publicado en el British Journal of Photography, Paper Journal, Darwin Magazine, Der Grief y Source.
Haley Morris-Cafiero The Bully Pulpit
Haley Morris-Cafiero —The Bully Pulpit
En su primer y rompedor ensayo fotográfico, Wait Watchers, Haley Morris-Cafiero utilizó su cuerpo como campo de experimentación sociológica. La fotógrafa, retratada como una turista despistada, provocó reacciones de asombro y desaprobación entre los transeúntes, inconformes con el volumen de su cuerpo. En 2013 sus autorretratos se viralizaron y dieron mucho de sí. “Hasta hoy, he recibido millares de correos electrónicos y comentarios de desconocidos que me llaman fea, gorda, enfermiza y me dicen que debe- ría cambiar o morir” cuenta la autora originaria de Memphis. Esto la animó a concebir su siguiente trabajo, The Bully Pulpit, consciente de que las fotografías no pueden ser “apagadas” de Internet. Mo- rris-Cafiero analiza las fotos que 24 de sus acosadores usan en sus propios perfiles de las redes sociales. Después, se disfraza para parecerse a ellos. En cada autorretrato incluye uno de los comen- tarios agresivos que le dejaron. La estética fake hace alusión a la falsa sensación de seguridad que ofrece internet. Fotógrafa, ar- tista, provocadora y espectadora al mismo tiempo, Morris-Cafiero nos obliga a reflexionar sobre la representación visual del cuerpo femenino y conceptos asociados como belleza, aceptación, tolerancia y ciberacoso.
Nacida en 1976 en Tennessee, Estados Unidos, es licenciada en fotografía y cerámica. Finalista de la Beca Fullbright en 2016, realizó un máster en Arte en la Universidad de Arizona. Haley explora el acto del reflejo en su fotografía. Sus fotografías han sido expuestas en los Estados Unidos y el extranjero, y publicadas en numerosos medios como Le Monde, New York Magazine o Salon. En 2014 fue nominada al Prix Pictet. Su monografía, The Wait Watchers, fue publicada en 2015 por Magenta Foundation. Es profesora de Fotografía y vive en Belfast.
Jaakko Kahilaniemi —Past-It
El trabajo de este artista finlandés examina el impacto humano sobre la naturaleza en la era post-industrial. Jaakko Kahilaniemi intenta plasmar en imágenes –herméticas y sugerentes– la relación contradictoria y complicada entre los seres humanos y su entorno. En Past-It pretende retratar la complejidad de la actual sociedad global a través de un lenguaje experimental y conceptual. La naturaleza es un tema recurrente en la obra de este artista, a la que vuelve una vez más. En 100 Hectares of Understanding ponía en tela de juicio el concepto de propiedad privada de la tierra –que considera “absurdo”– lanzando una pregunta tan original como difícil: ¿a quién pertenece el aire que flota encima de la tierra? ¿Y las aves y los insectos que la habitan? Descendiente de varias generaciones de guardabosques, desde muy pronto Kahilaniemi experimentó el deseo de liberarse de esta tradición. Recurriendo a la metáfora, Jaakko asegura que sintió que “emergía por debajo del espinoso follaje verde”. Las imágenes de Past-It, realizadas en diferentes países, procuran reflejar la manifestación del consumismo a escala global.
Nacido en Finlandia en 1989, cuenta con una licenciatura en Fotografía por la Tuku Arts Adacemy y un una maestría en Fotografía por la Aalto University. Su trabajo ha sido expuesto en el Denver Art Museum, Voies Off, Benaki Museum Athens, Robert Capa Center, Fotografisk Center Copenhagen, Organ Vida Festival, Unseen Amsterdam, Noorderlicht Photofestival, Festival Circulations o Format Festival, entre varios otros. Ha recibido el premio ING Unseen Talent Award en 2018 y el Backlight Price en 2017. Su obra ha sido publicada en medios como Fisheye Magazine, Das Magazin, Eikon Magazine, Europe Now Journal, Fotografi Norway, GUP magazine, Greenpeace Magazine, Der Greif o HANT Magazine.
Jan Hoek —Boda Boda Madness
Este ensayo de Jan Hoek, artista y escritor holandés, consagra a los conductores de mototaxi en Nairobi, conocidos como Boda-Boda. Sus curiosos vehículos constituyen la única forma de cruzar la frontera entre Kenia y Tanzania. El nombre original de estos conductores es border-border, pero con el paso del tiempo evolucionó hacia el coloquial Boda-Boda. En esta serie fotográfica, realizada en colaboración con el estilista ugandés-keniano Bobbin Case, los Boda-Boda lucen atuendos deslumbrantes sobre sus peculiares motocicletas. Los trajes fueron diseñados por Case especialmente para este proyecto y están inspirados en la llamativa decoración de sus vehículos. Hoek y Case se dieron cuenta de que sus atuendos no estaban a la altura de los fantasiosos dibujos que adornan sus motocicletas. Juntos, seleccionaron a siete conductores, dueños de las motos más espectaculares, y crearon para ellos una indumentaria igualmente impactante. Después Hoek los fotografió con sus nuevos looks frente a los paisajes típicos de los suburbios de Nairobi. Boda Boda Madness reúne una serie de desafiantes retratos surrealistas de personas anónimas que emergen de la periferia como estrellas de cine.
Nació en Holanda en 1984 y reside en Amsterdam. Fotógrafo y escritor, estudió Imagen y Lenguaje en la Gerrit Rietveld Academy. Le atrae la belleza de los outsiders y siempre está dispuesto a colaborar con gente –habitualmente ignorada– para crear una nueva imagen de manera conjunta. Ha fotografiado a conductores de moto-taxis de Nairobi como si fueran estrellas de cine o a un ex heroinómano que siempre quiso ser super modelo; ha creado zines psicodélicos sobre Pattaya, la capital mundial del turismo sexual o ha retratado personas que encontró a través del portal de compraventa online holandés Marktplaats. Su trabajo ha sido publicado en Foam Magazine, Vice, Mister Motley, GUP, NRC Handelsblad y Het Parool. Ha expuesto en Amberes, Estambul, San Petersburgo, Yakarta, Shenzhen, Lagos, Miami, Londres y Nueva York. Está representado por la Galería Ron Mandos de Amsterdam.
Masamichi Kagaya & Satoshi Mori —Autoradiograph
En 2011, tras el accidente nuclear de Fukushima, se liberaron enormes cantidades de partículas radiactivas. Desde entonces, la contaminación radiactiva sigue estando en el centro del debate en Japón. Masamichi Kagaya decidió participar en esta discusión capturando imágenes de la radiación para que el público pudiera visualizar cómo son realmente los objetos contaminados. Durante más de 8 años ha trabajado junto a Satoshi Mori, profesor emérito en la universidad de Tokio, en este esfuerzo conjunto. Su insólita narrativa pretende desafiar la versión oficial de los medios de comunicación que defienden que la radiación es invisible, que no tiene sonido ni olor. Curiosamente, la radiación fue descubierta a través de una placa fotográfica en 1896. Antoine Henri Becquerel recibió el Nobel de Física por su descubrimiento, lo que indica que desde el inicio existieron herramientas para visualizar las radiaciones. Sin embargo, el registro visual de este tipo de contaminación siempre ha sido limitado, a pesar de los ataques con bomba atómica en Hiroshima y Nagasaki y de los desastres nucleares en la isla Three Mile y en Chernóbil. Autoradiograph es más que un trabajo fotográfico.
Nacido en 1981 en Japón, se licenció en el Departamento de Ciencia Mecánica en la Universidad de Waseda y en Spéos, Instituto Fotográfico de París. Su trabajo se ha expuesto más de 25 veces en Japón, así como en Canadá, Francia o en festivales como Format, Ars Electronica, Lianzhou International Photography Festival o Breda Photo. Ha aparecido en más de 15 periódicos y revistas en Japón y el extranjero, incluyendo Libération y Le Monde, de Volkskrant GEO magazine o Asashi Shimbun. Medios como Reuter TV, Nippon TV News se han hecho eco del mismo y aparece también en el documental de NHK Radioactive forest, que ganó el National Arts Festival Award en 2016.
Matthieu Gafsou —H+
El transhumanismo es un movimiento intelectual que aspira a potenciar el cuerpo humano a través de la ciencia y la tecnología. Conceptualmente amplio, abarca desde dispositivos cotidianos como marcapasos o teléfonos inteligentes hasta experimentos para alcanzar la inmortalidad e incluso abandonar el cuerpo biológico y sustituirlo por una máquina. La serie H+ muestra al espectador lo que ya existe en la actualidad. Matthieu Gafsou viajó a Suiza, Rusia, Francia, Alemania y la República Checa para retratar a científicos de grandes laboratorios y biohackers que trabajan en garajes, así como los objetos relacionados con este movimiento. Desde el inicio de su investigación, en 2014, Gafsou supo que el problema no sería encontrar información, sino clasificarla, establecer prioridades y construir un mapa claro del movimiento transhumanista. H+ es la suma de varios fragmentos que conforman una malla en lugar de una narrativa. El artista suizo concibe la fotografía documental como un punto de vista, mas que como una verdad. Gafsou se decanta por las interpretaciones radicales que atestiguan la violencia latente implícita en las transformaciones tecnológicas que ya están en marcha en la actualidad.
Nacido en Aubonne, Suiza, en 1981, vive y trabaja en Lausanne. Obtuvo una maestría en Filosofía, Literatura y Cine en la Universidad de Lausanne y estudió Fotografía en la School of Applied Arts en Vevey. Desde 2006 ha participado en numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas y ha publicado cinco libros. En 2009 recibió el Prix de la Fondation HSBC pour la photographie y participó en la exposición reGeneration2 de Aperture Foundation. Su serie H+ ha sido exhibida en Les Rencontres de la Photographie en Arles. Su obra forma parte de colecciones como la del Musée de l’Elysée, Musée du Léman, Musée d’art du Valais, Musée des Beaux-Arts de la Chaux de Fonds, Fondation Hermès, La Poste, Fondation HSBC pour la Photographie o Credit Suisse. Es profesor de la ECAL de Lausanne desde 2012.
Maija Tammi —One of Them is a Human
Tres androides y un posible humano son los protagonistas de este trabajo conceptual de la fotógrafa finlandesa Maija Tammi, quien juega al despiste para provocar al espectador. Esta serie se inició con el retrato de Erica, que en 2016 fue proclamada el robot humano femenino más realista del mundo. Tammi presentó este trabajo al prestigioso premio Taylor Wessing de la National Portrait Gallery a pesar de la existencia de una regla que establece que todas las imágenes deben representar a un modelo vivo. Contra todo pronóstico el retrato de Erica fue seleccionado, lo que causó cierto revuelo en el mundo fotográfico. One of Them is a Human lanza una pregunta simple y al mismo tiempo trascendental: ¿qué significa realmente ser humano? Al fin y al cabo, los androides lo son hasta cierto punto ya que son una extensión de nosotros. El hecho de poder ser considerados “modelos vivos” depende en realidad de cómo se interpreta el concepto de “vivo”. El insólito planteamiento de esta artista suscita incertidumbre y cuestionamientos sobre la influencia de la tecnología en nuestras vidas. Bienvenidos a la era posthumana al más puro estilo de Black Mirror.
Nacida en Finlandia en 1985, es artista y cuenta con una maestría en Periodismo Visual y un doctorado en Artes. Trabajó como fotoperiodista durante seis años antes de comenzar su carrera artística. Sus fotografías, vídeos e instalaciones examinan las áreas perceptibles de la repugnancia y la fascinación, la ciencia y la estética. Colabora habitualmente con científicos y músicos. Su trabajo ha sido expuesto en París, Berlín, Roma, Londres, Nueva York y Tokio, y ha publicado los libros Leftover/Removals (Kehrer Verlag, 2014), White Rabbit Fever (Bromide Books, 2017) y Sick Photography (Aalto Arts Books, 2017).
Juno Calypso —What to do with a Million Years
¿Quién dijo que un búnker tiene que ser gris y espartano como una cárcel subterránea? El fundador de la empresa de cosméticos Avon, Jerry Henderson, construyó el suyo en Nevada en la década de 1960, en plena Guerra Fría, usando mucha imaginación y sin escatimar en gastos. El multimillonario convirtió sus 1.500 metros cuadrados en una típica mansión kitsch de los Estados Unidos. El dormitorio rosa recuerda al cuarto de una Barbie, un sofisticado sistema informático simula la luz diurna y las estrellas e incluso cuenta con una piscina y una cascada. La artista londinense Juno Calypso escogió este peculiar decorado para realizar una serie de autorretratos surrealistas. Durante su estancia descubrió que las personas que se encargan de cuidar del lugar desde la muerte de sus dueños pertenecen a una especie de secta que persigue el sueño de la inmortalidad. Calypso encontró en este refugio, localizado a 8 metros bajo tierra, varios panfletos repletos de consejos prácticos para preservar el cuerpo de la vejez gracias a las bajas temperaturas. Este descubrimiento le sirvió de inspiración. Este búnker de lujo nos revela que la realidad puede ser aún más extraña que la ficción.
Nació en 1989 en Londres, ciudad donde vive y trabaja. Juno Calypso es una artista que trabaja con fotografía, cine e instalación. Estudió Fotografía en el London College of Communication. Ha recibido numerosos premios, como el Michael Wilson Award, LCC Hotshoe Portfolio Award, el Catlin Art Prize, el reGeneration3, el BJP International Photography Award, el Foam Talent, el Creative Review o el Vic Odden Award del Royal Photography Society. Su obra ha sido publicada en Vogue Italia, TIME Magazine, The Guardian, Paper, i-D, Dazed & Confused, The Sunday Times, VICE, The Independent y The Huffington Post y ha sido exhibida en el Piccolo Teatro de Milan, Tate Modern, Southbank Centre o Photo London, entre otros.
Laboratorio de creación Kaiola.
Documentación experimental en el museo
A cargo de: Alejandro Acín, IC Visual Lab, Bristol & Julián Barón, fotógrafo
Invitados especiales: Jon Cazenave, fotógrafo & Maite Jiménez, historiadora
Lugar: Euskal Museoa-Museo Vasco (Bilbao)
Días: viernes 30 y sábado 31 de agosto (10:00 – 13:30, 16:00 – 19:00) y domingo 1 de sept. (10:00 – 14:00)
Precio: 160€ (140€ hasta el 30 de julio)
Inscripción: https://entradium.com
Durante tres días el Museo Vasco de Bilbao será transformado en un estudio de producción y creación en el que los participantes usarán herramientas como la fotografía, la escritura o el dibujo –utilizando la fotocopia como forma básica de reproducción– para acercarse al archivo y las colecciones del museo desde una mirada contemporánea. Como resultado de esta documentación experimental en el museo, cada participante creará un cuaderno de campo en torno a sus experiencias. Los cuadernos de campo resultantes del laboratorio serán expuestos durante la semana de apertura de GETXOPHOTO Festival (4 – 8 de Septiembre).
El laboratorio, en colaboración con el Museo Vasco de Bilbao, correrá a cargo de Alejandro Acín y Julián Barón y contará con dos invitados de lujo. Por una parte, Jon Cazenave, quien abordará la temática del “territorio” y aportará claves de cara a la elaboración de los cuadernos. Y por otra, con la participación de Maite Jiménez, historiadora y responsable de fotografía del Museo Vasco, quien dará su visión y perspectiva histórica.
El objetivo es realizar una serie de experimentos visuales para provocar una reflexión sobre la documentación histórica y cuestionarnos cómo nos acercamos y leemos el archivo y cómo se “ordena” el pasado. Todo esto visto desde la mirada actual de los participantes.
Este laboratorio está dirigido a todas aquellas personas interesadas en prácticas artísticas contemporáneas con el uso de archivos visuales. En el taller se tratarán conceptos entorno al arte, historia, antropología, etnografía… No hace falta tener un conocimiento previo sobre fotografía pero sí un interés por la experimentación artística y visual.
Bios
Alejandro Acín es fotógrafo, diseñador y editor afincado en Bristol (Reino Unido). Es fundador y director de IC-Visual Lab, una plataforma independiente para la diseminación y producción de fotografía contemporánea a través de ICVL Studio.
Julián Barón fue director y profesor de fotografía en Blank Paper Escuela Castellón y online. Su trabajo reacciona al contexto sociopolítico que confluye en diversas líneas de acción que conectan su obra fotografía, vídeo, collage sonoro, instalaciones o libros con la docencia y coordinación de proyectos de carácter didáctico.
Jon Cazenave, Donostia, 1978. Trabaja desde 2007 en un proyecto de investigación sobre sus raíces llamado Galerna. Ha participado en festivales como Les Rencontres d ́Arles, Noorderlicht, Photoespaña, o TIPF. Ha participado en proyectos de creación colectiva como Horizon y Ixil Ar, un diálogo sostenido sobre la figura de Jorge Oteiza.
Maite Jiménez es historiadora y responsable de fotografía del Museo Vasco. Es autora de numerosas publicaciones sobre Eulalia Abaitua, considerada la primera fotógrafa vasca.
Participación popular
Tema: El futuro del futuro
Fecha límite envío de imágenes: domingo 28 de julio de 2019
Lugar: escaparates de comercios de Algorta, Getxo
Inscripción: https://docs.google.com
Qué
Esta convocatoria gira en torno al tema El futuro del futuro, es decir, pensar en el futuro de la humanidad y reflexionar sobre sus múltiples posibilidades. Queremos que cada participante nos envíe la que considere su mejor fotografía en relación a esta idea.
Quién
Todos/as. Podrán participar todas aquellas personas que lo deseen: interesadas, aficionadas o fotógrafos/as profesionales, enviando una única imagen por participante. Si eres niño/a, con permiso de tu aita y/o ama.
Cómo
Tienes que rellenar el formulario de inscripción y enviar tu imagen a getxophoto@gmail.com. La fotografía deberá ser un archivo en formato .jpg con una resolución mínima de 1024 x 682 píxeles y un peso mínimo de 2 MB.
Dónde
Todas las fotografías recibidas serán editadas en un vídeo que se podrá ver en la web durante todo el mes de duración del Festival y 40 de ellas se expondrán en los escaparates de algunos comercios de Algortako Dendak. Como novedad en esta edición, la Asociación Algortako Dendak seleccionará la que considere como mejor fotografía realizada por un autor o autora getxotarra y le otorgará un premio consistente en un vale de 100€ para consumir entre los comercios participantes de la asociación. Además, se editará una guía donde figurarán las imágenes seleccionadas y los comercios donde irán colocadas.
Cuándo
El plazo para la recepción de imágenes es del 17 de junio hasta el 28 de julio de 2019. La publicación de los ganadores se hará el jueves 1 de agosto de 2019.
Hamaiketako
Hora: 11:00 – 13:00
Precio: 5€ (incluye hamaiketako)
Sábado 14: Oskar Martinez, fotógrafo
Sábado 21: Juantxo Egaña, fotógrafo y documentalista gráfico
Sábado 28: Ixone Sádaba, fotógrafa
Inscripciones: https://entradium.com
Esta es una actividad en la que los participantes podrán compartir un Hamaiketako con expertos y profesionales de la imagen durante tres sábados consecutivos de septiembre. Se trata de conversar, conocer, compartir inquietudes, hacer preguntas… en definitiva huir de un discurso “alumno-profesor” para que, tanto el profesional como los y las participantes, se sientan como en casa alrededor de una mesa y puedan disfrutar y aprovechar la sesión.
Sábado 14: Oskar Martinez, fotógrafo Fotógrafo del diario Deia. También ha colaborado con el Diario Marca y con la Cámara de Comercio de Bilbao, BBK, Laboral Kutxa y Astore, así como con todo tipo de revistas y periódicos. Ha sido premiado en el Concurso Nacional de Fotografía Deportiva y también en varias ocasiones como mejor foto de Aste Nagusia de Bilbao, cuenta con varias exposiciones y publicaciones.
Sábado 21: Juantxo Egaña, fotógrafo y documentalista gráfico Especializado en publicaciones de arte, Egaña ha expuesto su trabajo en varias ocasiones, ha comisariado exposiciones y colaborado con algunas enciclopedias históricas del País Vasco y también con algunas publicaciones sobre historia gráfica de Euskal Herria. Es colaborador del diario Gara y trabaja como fotógrafo habitual para diferentes entidades.
Sábado 28: Ixone Sádaba, fotógrafa Artista e investigadora, ha desarrollado su trabajo entre EEUU, Londres e Iraq. Su obra ha sido expuesta en el Museo Guggenheim de Bilbao, el Museo Reina Sofía, el Contemporary MoCCa Museum de Toronto, el New Orleans Museum of Contemporary Art o recientemente en la Sala Rekalde de Bilbao. Dirige Moving Artists, una organización dedicada a defender y apoyar la practica artística contemporánea en zonas aisladas, de conflicto y postconflicto.
