Santiago de Chile. Agosto, Septiembre, Octubre 2021.
Nuevos Seminarios Cultura Conecta
Romero & Campbell
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Nuevos Seminarios Cultura Conecta
Romero & Campbell
4´33´´ Música Contemporánea y Artes Escénicas
Nuevo Seminario Cultura Conecta. Un espacio de enceuntro en vivo para pensar, aprendewr y profundizar desde tu casa con Constanza Macras / DorkyPark, Marcelo Lombardero, Martin Bauer, Edgardo Rudnitzky. Estaremos reflexionando sobre danza, música, ópera, estética, arte sonoro, artes escénicas y visuales.
Agosto/Septiembre/Octubre 2021
Cada seminario consta de tres encuentros de 2h cada uno
Modalidad sincrónica y virtual vía ZOOM
Costo por cada seminario USD40
La inscripción se hará efectiva con la acreditación del pago
Constanza Macras
EL LENGUAJE MULTIFACÉTICO DE LA DANZA
Seminario
A lo largo de los años, Constanza Macras, coreógrafa argentina y directora artística de la compañía de danza internacional DorkyPark, con sede en Berlín, ha desarrollado un lenguaje artístico singular e interdisciplinario que establece sus propios parámetros estéticos.
Una característica particular de su trabajo es la combinación de las diversas artes entre sí para construir una nueva textura artística a partir de fuentes diversas como la canción, la danza, la teoría, el lenguaje y el cine, que se rompen y mezclan cambiando de sentido. Es importante destacar que esta búsqueda híbrida no desatiende la investigación artística sobre la función política y social de la danza y el teatro sino la subraya, y en ese movimiento dirige su atención a temas como la arquitectura, la fotografía y la memoria, los cuales han sido determinantes en su trabajo los últimos años.
Estas referencias aparecen con vehemencia en sus creaciones que serán relevadas por Constanza Macras durante el seminario, en donde a lo largo de las clases, profundizará sobre los métodos y temas de su trabajo tan versátil, sus fuentes de inspiración y sus procesos creativos.
CONSTANZA MACRAS
Bailarina, coreógrafa y directora argentina con residencia en Berlín desde 1995. Se formó como bailarina en Amsterdam y Nueva York, donde desarrolló su trabajo artístico y colaboración con el Merce Cunningham Studio de New York, entre otros lugares. Al frente de la prestigiosa compañía de danza-teatro DorkyPark, sus producciones se estrenan en los escenarios más importantes de Europa, Asia, África y América y realiza obras por encargo para teatros de todo el mundo (en Brasil, Suecia, Reino Unido, Sudáfrica y China).
Macras también participó del programa de residencia Arts at MIT (Massachusetts Institute of Technology) William L. Abramowitz, y obtuvo los mejores premios, entre ellos, el galardón Der Faust (el premio más importante a nivel teatral en Alemania) a la Mejor Coreografía por la obra Megalópolis.
En la última edición del Festival Internacional de Buenos Aires (2015) presenta su obra THE PAST, en colaboración con Oscar Bianchi.
Seminario: Sábado 7, 8 y 15 Agosto 2021
Horario
Chile 10:00 hrs
México 09:00
Perú 09:00 hrs
Colombia 09:00 hrs
2 hrs cada sesión
Cursos personalizados
Plataforma interactiva vía Zoom
INSCRIPCIONES
Marcelo Lombardero
ÓPERA DEGENERADA. LA ÓPERA Y LAS VANGUARDIAS DE COMIENZO DE SIGLO 20
Seminario
A comienzos del siglo XX entre las dos conflagraciones bélicas, la Revolución Rusa, la pandemia de Gripe Española y el acceso al poder de los Fascismos, surgió una nueva concepción de teatro musical emparentada a las vanguardias artísticas de la época.
Desde el expresionismo hasta el dadaísmo pasando por las primeras experiencias futuristas intentaremos echar luz sobre la transformación de la Ópera y el Teatro Musical en ese particular período histórico. El post romanticismo de Alban Berg, Alexander von Zemlinsky, Franz Screcker, la Zeit Oper (ópera del momento) de Darius Milhaud, Ernst Krenek, el neoclasicismo de Igor Stravinsky, Carl Orff y Arthur Honegger, la Gebrauchsmusik (música utilitaria) de Paul Hindemith y Kurt Weill, las experiencias modernistas de Bohuslav Martinú, la ópera bajo la censura stalinista, Serguéi Prokofiev, Dmitri Shostakóvich, la nueva objetividad y la influencia del concepto de puesta en escena de Bertolt Brecht y Vsévolod Meyerhold, serán algunos de los tópicos que desarrollaremos en estos encuentros.
Seminario:Miércoles 11, 18 y 25 Agosto 2021
3 clases virtuales vía ZOOM
Horario
Chile 17:30 hrs
México 16:30
Perú 16:30 hrs
Colombia 16:30 hrs
2 hrs cada sesión
Cursos personalizados
Plataforma interactiva vía Zoom
MARCELO LOMBARDERO
Nació en el seno de una familia de artistas consagrados al género operístico. Como barítono realizó numerosas actuaciones en teatros de América y Europa. Tras retirarse como cantante, en 2005 asumió la dirección artística del Teatro Colón –donde también creó y dirigió la Ópera de Cámara–, y luego la dirección artística del Teatro Argentino de La Plata (2005-2008). Entre sus numerosas realizaciones y colaboraciones en salas de la Argentina, Europa, Estados Unidos y América Latina, se destacan las puestas en escena de Otello de Verdi y Rossini, The turn of the screw, Billy Budd, La vida breve, Tristán e Isolda, Parsifal, The Rake´s Progress, Lady Macbeth de Mtsensk, Carmen, El oro del Rin, Le nozze di Figaro, Don Giovanni, La flauta mágica, L’incoronazione di Poppea, Tosca, Manon Lescaut, Ariadne auf Naxos, Maria de Buenos Aires, Rusalka, La fanciulla del West, Diáloges des Carmelites, Der Kaiser von Atlantis, Der König Kandaules, Jonny spielt auf, Wozzeck, Macbeth y Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny. Recibió numerosos premios y distinciones. La producción de Lady Macbeth de Mtsensk que se presentó en el Teatro Wielki de Poznan fue galardonada como la mejor producción de ópera en la temporada 2011-2012 de Polonia. En 2019 dirigió Colaboración/Tomar partido dos obras de Ronald Harwood para el Complejo Teatral de Buenos Aires, espectáculo que le valió el Premio de la Crítica (ACE) como mejor director en Drama. Desde el año 2008 conduce y produce el exitoso ciclo radial “Un programa de Ópera” para Radio Nacional Clásica de Argentina.
INSCRIPCIONES
Martín Bauer
EL MINIMALISMO EN LA MÚSICA Y EN LAS ARTES ESCÉNICAS
Seminario
Si bien el término minimalismo está más asociado a las artes visuales o a la música, fue muy importante también el desarrollo que esta corriente estética tuvo en las artes escénicas.
Esto supuso no solo una cantidad de artistas muy talentosos involucrados, sino también la aparición de nuevos espacios consagratorios como fueron la Hudson Memorial Church en el Washington Square neoyorkino o la legendaria Brooklyn Academy of Music (BAM) en cuyos escenarios tomó impulso esta corriente.
Ambos movimientos – minimalismo en la música y en las artes escénicas -convivieron, se estimularon e influyeron mutuamente. Y aunque tuvieron sus propias reglas, su propia impronta -y por lo tanto su autonomía- participaron del mismo clima de época.
Respecto a la música, ningún estilo musical del siglo XX produjo tanta controversia como el minimalismo. Estas discusiones se daban en general en la superficie. Hay que tener en cuenta que en algunos casos se trató de fenómenos comerciales de enorme impacto de ventas, tanto en discos como en entradas para los conciertos o espectáculos.
Para sus defensores, la franqueza y accesibilidad de la música restauraba el vínculo entre creadores y el público, que sin dudas se había perdido en los derroteros de los experimentos serialistas de las grandes escuelas musicales europeas que surgieron al final de la segunda guerra mundial. Para sus detractores, se trataba de una irritante simpleza o ingenuidad, enmascarada en un contexto artístico, pero que no era más interesante o mejor que muchos fenómenos de la música pop.
También es cierto en muchos casos, que los propios creadores tomaban el nombre de minimalismo, como una etiqueta injusta y peyorativa.
En cualquier caso, siempre fue muy claro de qué se hablaba cuando se hablaba de minimalismo.
Sus principales protagonistas, Steve Reich, Philip Glass, La Monte Young y Terry Riley, todos norteamericanos, todos estudiantes de música hacia fines de la década del 50, todos excelentes músicos, todos excelentes compositores, fueron absolutamente exitosos en el sentido riguroso del término y actores principales e insoslayables del enorme movimiento artístico y cultural que se desarrollaba básicamente en Nueva York en las décadas del 60 y del 70.
¿Qué tipo de música podía concitar tanto desdén y tanta admiración al mismo tiempo? Esta música controversial e inesperada, constituyó el último gran movimiento musical del siglo XX.
Respecto a las artes escénicas, las expresiones del minimalismo estuvieron muy ligadas a las artes visuales y a la música.
La obra más emblemática de esta corriente fue probablemente la ópera “Einsten on the beach” de Bob Wilson, Philip Glass y Lucinda Child.
Pero el minimalismo en las artes escénicas tuvo desarrollos muy diversos como las coreografías de Merce Cunningham de Trisha Brown o Anne Therese de Keesmaker, las performances de Robert Rauschenberg, o las últimas obras de Samuel Beckett.
El impulso del minimalismo nunca se detuvo, como lo demuestra su proyección clara en instalaciones, performances ballets o puestas de ópera.
En este seminario haremos un relevamiento de la producción musical y escénica de este movimiento y examinaremos su legado.
Seminario: Miércoles 8, 15 y 22 Septiembre 2021
Horario
Chile 17:30 hrs
México 16:30 hrs
Perú 16:30 hrs
Colombia 16:30 hrs
2 hrs cada sesión
Cursos personalizados
Plataforma interactiva vía Zoom
MARTÍN BAUER
Músico, compositor y gestor cultural. Dirige desde su creación en 2001 el programa Contemporáneo del Teatro Colón. Fue Director General y Artístico del Teatro Argentino de La Plata (2015-2019). Fue el creador y director del Ciclo de Conciertos de Música Contemporánea del Teatro San Martín en sus primeras 20 temporadas (1997-2016). También dirigió el CETC – Centro de Experimentación del Teatro Colón (2002-2007) y fundó y dirigió el TACEC – Centro de Experimentación del Teatro Argentino de la Plata (2009-2013). Trabajando en los tres teatros públicos más importantes de la Argentina, su actividad modificó y enriqueció el panorama de la música y la ópera contemporáneo en su país, produciendo una cantidad importante de estrenos que significaron una enorme actualización y un importante estímulo para la formación de creadores, intérpretes y espectadores. Como compositor y director presentó sus obras en diversas salas y festivales en Argentina y el mundo. Obtuvo la beca DAAD (Deutscher Akademischer Austauschdienst) otorgada por el gobierno de Alemania y la distinción de Officier de l’Ordre des Arts et des Lettres de Francia. Dicta clases y seminarios en Buenos Aires y el exterior, siendo invitado regular de la Universidad de las Artes de Berlín (UDK). Actualmente dirige la Maestría en Ópera Experimental de la UNTREF – Universidad Nacional de Tres de Febrero.
INSCRIPCIONES
Edgardo Rudnitzky
Seminario
¿De qué hablamos cuando hablamos de arte sonoro? – No hay párpados para los oídos.
Resistiéndonos a una tentación lógica, este seminario no intentará responder esta pregunta. No se trata tampoco de un recorrido historicista alrededor del sonido en las artes, sino más bien es una invitación a reflexionar sobre el sonido, su presencia, su condición y su destino inevitable de irrumpir en el mundo del arte y ocupar un lugar destacado en las prácticas contemporáneas con derecho propio.
Las características del sonido -su idiosincracia, su invisibilidad, su carácter efímero o su capacidad referencial- dificultan siempre una aproximación crítica que no esté ligada a alguna referencia visual (partitura, intérprete, objeto, instalación, documentación, etc.).
Esta situación ha llegado al punto en el que para hablar de obras sonoras, utilizamos metáforas visuales, naturalizándolas como normas de referencia. que nos mantienen alejados de la posibilidad de establecer un vínculo relacional y analítico con el llamado “arte sonoro”.
Nos hemos salteado un paso y es el de comprender el sonido: aprehenderlo más allá de su inmaterialidad aparente, de su adherencia a los materiales que lo producen, de su permanencia en nuestro entorno y del condicionamiento socio-político que moldea los límites entre lo audible y lo inaudible.
A lo largo de estos encuentros examinaremos y discutiremos diferentes obras sonoras y esta discusión se articulará haciendo énfasis en la percepción.
Desde los comienzos históricos de esta práctica a la actualidad, en la influencia y la relación del sonido con la tecnología, los diversos derroteros y formatos, revisaremos la obra de varios artistas entre los cuales se encuentran Luigi Russolo, Tinguely, Gyorgy Ligeti Ligueti, De Marinis, Janet Cardiff, Bill Fontana, Samson Young, François y Bernard Baschet, Nellow Akamatsu, Céleste Boursier-Mougenot, Max Neuhaus, Anne Lockwood, Laurie Anderson, Mauricio Kagel, Martin Messier-Nicolas Bernier y Douglas Henderson, entre otros.
Seminario: Sábado 9, 16, 23 Octubre 2021
Horario
Chile 10:00 hrs
México 09:00
Perú 09:00 hrs
Colombia 09:00 hrs
2 hrs cada sesión
Cursos personalizados
Plataforma interactiva vía Zoom
Edgardo Rudnitzky
es compositor, artista sonoro y percusionista. Realiza una intensa labor como compositor y diseñador sonoro para danza, teatro y cine paralelamente a la creación de objetos e instalaciones sonoras. La idea de la fisicalidad del sonido -su presencia material natural en el espacio- es uno de los aspectos centrales de su investigación y de su trabajo en los que sitúa la relación entre sonido e imagen más allá de una aparente relación de necesidad y articula la conexión de ambos elementos en un punto esencial.
En los ’80 fue docente en la Carrera de Música de la Universidad Nacional de La Plata, y en la carrera de Musicoterapia de la Universidad del Salvador.
Director musical del Grupo de Teatro de Danza de la Universidad de Buenos Aires desde 1983 hasta 1989 y Curador del Proyecto del Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires Festival de Buenos Aires, entre 2004 y 2007. En 2005 fue junto a Jorge Macchi la representación Argentina en la 51ª Bienal de Venecia.
A lo largo de su carrera ha recibido diversos premios por sus trabajos, entre ellos, Ace, Florencio Sánchez, Trinidad Guevara, Pepino el 88, Teatro del Mundo, Cremona Film Festival y Festival de Cine de Bahía.
Como artista sonoro ha participado de numerosas muestras individuales y colectivas, entre ellas, Wexford Arts Center (Irlanda), Villa Brandolini (Italia), CA2M – Madrid (España), Museo de la Inmigración (Argentina), Museo Internazionale della Musica Bologna (It), Fundación PROA (Argentina), Festival 90db – Rome (It.), Notations: “The Cage effect today” New York (USA), Yokohama Triennale (Japón), Prospect One – New Orleans (USA).
Desde el año 2003 reside en Berlín, Alemania.
Cultura Conecta
Un espacio de encuentro en vivo para pensar, aprender y profundizar desde tu casa Teatro, Escritura, Música, Memoria, Medios, Creación, Cómic, Lecturas y más.
