El Vendrell, Tarragona. España. 1° de julio 2024.
Seven avatar. Ecosistemas virtuales de Fabiana Barreda
Muestra “Atmósferas Futuras”
Museo Apel.les Fenosa
Carrer Major, 25. 43700
Tel. +34 977 15 41 92
info@museuapellesfenosa.cat
www.museuapellesfenosa.cat
instagram
Seven avatar. Ecosistemas virtuales
ESPECIAL JULIO CON FABIANA BARREDA
Muestra “Atmósferas Futuras”
En el Museu Apel·les Fenosa en El Vendrell (Tarragona) ha puesto en marcha, por primera vez, un proyecto expositivo que aúna el legado patrimonial ubicado en el museo con propuestas de arte contemporáneo como acción expansiva y de nuevas formas de mediación.
Adscribimos este proyecto al impulso que en 2024 conlleva la celebración del 125 aniversario del nacimiento del escultor Apel·les Fenosa (Barcelona el 16 de mayo de 1899), además de cumplirse 100 años de su primera exposición en París en la Galerie Pierre Mercier.
A lo largo del último año el museo ha empezado una nueva fase con la dirección de Nekane Aramburu, quien ha emprendido una renovación de las instalaciones y de los planteamientos museográficos.
La exposición propone enfoques inéditos a la obra de Fenosa basados en nuevos criterios curatoriales que se expanden por las instalaciones de la sede de la Fundación en el Vendrell, un palacio renacentista que posibilita incluir en el recorrido de la exposición el jardín y el porche de la primera planta.
El proyecto expositivo abarca diferentes salas de la colección permanente y otras dependencias de la sede de la fundación de Apel·les Fenosa en el Vendrell, propiciando el dialogo entre la obra fenosiana y los artistas contemporáneos que igualmente transitan inquietudes visionarias comunes: Fabiana Barreda, Anna Dot, Joaquín Jara, Eduardo Kac, Lugán, Michael Najjar, Marina Núñez, Saioa Olmo, Perejaume, Marcel Pey y Mapi Rivera.
Un ensayo curatorial de Nekane Aramburu.
Especial julio con Fabiana Barreda
Seven avatar. Ecosistemas virtuales
Durante el mes de julio, el Museo Apel·les Fenosa pone en marcha una actividad participativa que hace interactuar al público con la obra de Fabiana Barreda “Seven Avatar. Ecosistemas Virtuales” expuesta en la muestra “Atmósferas Futuras”.
“Seven Avatar. Ecosistemas Virtuales” es un trabajo conformado por decenas de filtros interactivos de Instagram, realizados por el artista con la voluntad de que los usuarios los utilicen para introducirse en sus universos simbólicos y convertirse en ficciones del cuerpo contemporáneo inmerso en una naturaleza idealizada y artificial.
Durante el mes de julio, utiliza los filtros de Instagram de Fabiana Barreda y sube una foto o un vídeo etiquetando el @museu.fenosa , ganarás una entrada gratuita al Museo y participarás en el sorteo de un lote de libros.
Encuentra los filtros en Instagram, poniendo la palabra “fbarreda” en el buscador de efectos o bien, yendo a su perfil ( @fabiana_barreda ) y pulsando el icono de las estrellas para verlos y probarlos.
Fabiana Barreda
Buenos Aires, Argentina, 1967
Futureland Heavenland, 2023
Fotografía
La serie Futureland construye la mujer contemporánea, el cuerpo contemporáneo, un hábitat entre arte, ciencia, tecnología y naturaleza. Procesos que hoy evidencian nuestra subjetividad y nuestra sociedad. Las mujeres con interfaces low y high tech de Barreda, seres en mutación cuyos cuerpos se adscriben como una tabla de salvación a la naturaleza, representan unos prototipos que aun sin conocerse, dialogan con los cuerpos femeninos fenosianos.
Pareja Buda, 2013
Filtros para Instagram, desde 2020. Acción interactiva
Fabiana Barreda es una creadora multimedia pionera en el uso de las nuevas tecnologías en Argentina. A lo largo de su extensa trayectoria ha trabajado diferentes medios como la fotografía, los medios digitales, la performance o la instalación. Su obra se especializa en el cuerpo, el deseo y políticas de género. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas, tanto en Argentina como en el exterior desde 1992. En el año 1996 realizó su primera muestra individual. A partir de allí realiza una serie de performances y videos construyendo proyectos interdisciplinarios entre arte y ciencia. Dentro del desarrollo de su obra artística, realiza un constante cruce entre la tecnología y otras disciplinas como la arquitectura, la psicología, la sociología y la biopolítica.
OTROS ARTISTAS DE LA EXPOSICION
ANNA DOT
Vic, 1991
Respostes, del proyecto Et preguntarem, com si sapiguessis respondre, 2023.
Estaño, dimensiones variables.
En el marco de una investigación sobre los lenguajes no humanos y las formas de comunicación con el agua, a través de un ritual de inspiración celta, Anna Dot, presenta una posibilidad para obtener manifestaciones del agua que, a nuestros ojos, resultan una escritura asémica. La creadora invita a otro tipo de relación con las mismas menos cognitiva y mas receptiva: “no podemos entenderlas, están escritas en un lenguaje que no conocemos”. Sin embargo, el ritual nos permite mantener algún tipo de relación con el agua, en la que le hacemos preguntas y ella nos ofrece unas respuestas. Las respuestas son las piezas de estaño que resultan de estos actos.
La obra de Anna Dot nace de una fascinación por la traducción y el impacto que el lenguaje tiene en nuestras formas de vivir, de relacionarnos y de percibir el mundo. Por ella, el espacio del arte es ideal para abordar preguntas que en otros contextos sonarían absurdas. Por eso, sus proyectos acostumbran a partir de interrogantes que Dot explora combinando prácticas de investigación con procesos artísticos diversos que se resuelven en performances, videos e instalaciones. Lejos de funcionar como respuestas a las preguntas iniciales, Dot suele terminar sus proyectos con nuevos puntos de vista que la llevan hacia otros interrogantes.
JOAQUÍN JARA
Sabadell, 1977
Apunte de manos Efesia, 2022.
Madera, alambre, papel, barro y cola, 23 x 19 x 8 cm.
Brazo de Baal, 2022.
Madera de roble con un extremo carbonizado, cuerda, 58 x 15 x 26 cm.
Apunte, 2017.
Escayola articulada y cuerda, medidas variables.
La selección de las tres piezas es un exponente de un trabajo creativo con mucha base de reflexión y acción próxima al lenguaje fenosiano. Los materiales: tierra y madera se enraízan en el reciclaje y el compromiso medioambiental y ejercen extraños vínculos con el inconsciente en un personal lenguaje que, como el de Fenosa, transciende corrientes y estilos. En Jara lo efímero es esencial, como una forma de pactar los tiempos y las permanencias de nuestros restos. Las manos como extremidades gestuales y simbólicas (Efisia y Baal), así como cuerpos hibridados (Apuntes) con la naturaleza son otros de los elementos en común.
Joaquín Jara (Sabadell, 1977) es un artista y escultor ambientalista afincado en Barcelona. Su práctica artística gira en torno a acciones y retratos escultóricos que donan agencia al entorno natural no-humano a través de intervenciones de carácter ritual, donde los conceptos de identidad, patrimonio, ecología y sostenibilidad se entrelazan en creaciones escultóricas efímeras. Concebidas para no permanecer y establecer un diálogo permanente con factores transformadores del espacio, sus esculturas parten del proceso estacional, el paso del tiempo y las afectaciones mutuas entre los agentes humanos y no humanos, que interactúan con la escultura hasta (re)apropiarse de ella.
EDUARDO KAC
Río de Janeiro, Brasil, 1967
Adsum, 2019 – en progreso.
Vidrio óptico grabado con láser, 1 x 1 x 1 cm.
Perteneciente a un ambicioso proyecto, esta pieza se podrá ver por primera vez en Europa fruto de las investigaciones de Kac sobre el espacio y el cosmos. Concebida para la Luna, Adsum es una escultura cúbica de vidrio en cuyo interior se han grabado símbolos con láser. Los símbolos, a modo de códigos encriptados, están colocados uno frente al otro, formando así un poema espacial dentro del cubo, de forma que se puede leer en cualquier dirección. ‘Adsum’ significa «Aquí estoy» en latín, usado para indicar que el hablante está presente. Se trata de un proyecto en curso que ha evolucionado a lo largo de cinco fases y ahora se encuentra en su etapa final, prevista para volar a la Luna a bordo de un módulo de aterrizaje.
Eduardo Kac es reconocido internacionalmente por su trabajo en el campo de la performance, el arte electrónico y la poesía. A principios de los años ochenta, Kac creó trabajos digitales, holográficos y online, que anticiparon la cultura global en la que vivimos hoy, compuesta por el flujo de información en constante cambio. En 1997 el artista acuñó el término “Bio Art”, iniciando el desarrollo de esta nueva forma de arte con trabajos como su conejo transgénico GFP Bunny (2000) y Natural History of Enigma (2009), que le valió el Golden Nica, el premio más prestigioso en el campo del art-media. Kac también realiza proyectos de “Space Art”, como es Inner Telescope (2017), un trabajo concebido y realizado en el espacio exterior con la cooperación del astronauta francés Thomas Pesquet.
LUGÁN (LUÍS GARCÍA NÚÑEZ)
Madrid, 1929 – 2021
Mano Térmica de Artista, 1973.
Aluminio y componentes eléctricos.
Lugán fue el primer artista español que incorporó la tecnología y la idea de interacción de la obra con el espectador, generando dispositivos innovadores para su tiempo. Quiso que el público pudiera tocar la obra y sentirla, algo prohibido hasta entonces en cualquier exposición. A finales de la dictadura franquista, concretamente en 1973, el artista profundizó en las técnicas de la robótica para crear esta Mano Térmica.
Además de toda la simbología que la mano tiene en la historia del arte, ésta es también un elemento, medio y recurso, utilizado con suma importancia en la obra de Fenosa.
Lugán (Luis García Núñez) es uno de los pioneros en la creación multimedia y sonora en España. Gracias a los conocimientos de electrónica adquiridos durante muchos años en el desempeño de su trabajo en Telefónica, puede, a partir de 1967, comenzar a aplicar aquello que había aprendido, pero bajo una visión y enfoque plástico, desarrollando su primeras obras audiovisuales y táctiles que integran elementos de luz, sonido, temperatura, campos de alta frecuencia, laser, etc. Lugán desarrolla obras en las que implica varios sentidos a la vez: oído y vista, vista y tacto, incluso en ocasiones el olfato.
MICHAEL NAJJAR
Landau, Alemania, 1966
La serie Bionic Angel, 2006-2008, es uno de los proyectos más conocidos como precursor en el trabajo visionario de Najjar sobre posibles mundos de tecnología, alter-mitología y ficción que genera con su obra.
The singularity.
Video HD 16:9, 5’12”.
De la serie Bionic Angel, 2006-2008.
El concepto clave detrás The singularity es la transformación futura y el control tecnológico de la evolución humana. El vertiginoso ritmo de desarrollo en el campo de las tecnologías “G-R-I-N” (genética, robótica, información y nanotecnología) está cambiando nuestros cuerpos, nuestras mentes, nuestros recuerdos, nuestras identidades e incluso nuestra posteridad. Estos nuevos desarrollos nos permitirán controlar la evolución humana a través de algoritmos genéticos y redes neuronales y elevarán al ser humano a una forma de existencia nueva y muy superior. El águila encarna a Zeus, el privilegio divino de la creación. La máquina representa el control tecnológico de la creación.
En sus obras, Michael Najjar aborda de manera compleja y crítica los desarrollos tecnológicos que están definiendo y cambiando drásticamente el comienzo del siglo XXI. Najjar desarrolla sus trabajos fotográficos y de video desde una comprensión interdisciplinaria del arte. Combina ciencia, arte y tecnología para crear visiones artísticas y utopías de futuros órdenes sociales que emergen bajo la influencia de las nuevas tecnologías. A lo largo de su extensa obra, Najjar cuestiona continuamente la relación entre realidad y simulación. Su trabajo se ha mostrado ampliamente durante los últimos 25 años en numerosas exposiciones de galerías y museos internacionales, así como en bienales.
MARINA NÚÑEZ
Palencia, 1966
Sin piel, 2022.
Vídeo monocanal en loop, sonido.
Música de Luis de la Torre.
Desde sus comienzos en la fotografía, Marina ha intervenido en lo real para generar seres poliédricos que se transforman ante la mirada del espectador. Las mujeres de piel incómoda, tensa, desasosegada, desajustada, que presenta en esta serie de videos interpelan como una constricción, una frontera, una armadura; quieren librarse de sus límites para ser otra cosa: metamórficas, abiertas, múltiples. Como crisálidas que estallan para expandirse, como supernovas fluyentes e incontenibles.
Marina Núñez representa en sus obras seres diferentes, aberrantes, monstruosos, los que existen al margen o en contra del canon. Los cuerpos anómalos que pueblan sus cuadros, imágenes o vídeos nos hablan de una identidad metamórfica, híbrida, múltiple. Recrea una subjetividad desestabilizada e impura para la que la otredad no es algo ajeno, sino que constituye básicamente al ser humano. Ha expuesto individualmente en centros como el Espacio Uno del Reina Sofía (Madrid), Fundación Pilar y Joan Miró (Palma de Mallorca), DA2 (Salamanca), Casa de América (Madrid), Instituto Cervantes (París), La Panera (Lleida), MUSAC (León), Centre del Carme (Valencia), Sala Alcalá 31 (Madrid), Artium (Vitoria), Es Baluard (Palma de Mallorca), IVAM (Valencia), TEA (Tenerife), Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Madrid) o Museo Lázaro Galdiano (Madrid), entre muchos otros.
SAIOA OLMO
Bilbao, 1976
Libro-planta, 2020
Técnica mixta, medidas variables.
Los libros-planta funcionan como una tecnología biopoética para conservar mensajes para el futuro. En este elemento híbrido las plantas viven dentro de las historias que nos proponen los libros: relatos, susurros y experiencias vivas que se van sumando y construyen un recorrido. Saioa analiza cuestiones ligadas al comportamiento y a las relaciones humanas a través de elementos que tienen un valor potencial que Saioa identifica y recupera.
Saioa Olmo es artista, profesora doctora de la Facultad de Bellas Artes de la UPV/EHU y socia de Wikitoki. A través de su práctica artística explora las interacciones sociales: las transacciones, transferencias y transiciones que se generan en ellas. Experimenta con procesos participativos y colaborativos y con tecnologías del comportamiento, la comunicación y la organización. Ha expuesto en espacios como Museo San Telmo, Museo Arqueológico de Bizkaia, Museo del Carlismo, CA2M, EspaiDos, Espacio Bastero, Sala Rekalde y Montehermoso, entre otros.
PEREJAUME
Sant Pol de Mar, 1957
Pedra, 2022.
Escultura de piedra y vídeo de documentación. Escultura 20 x 38 x 22 cm, vídeo sin sonido, 16’05’’.
Pedra se conforma de una escultura en forma de piedra natural, tallada de una reproducción de un capitel del siglo XVII original del Palau de Centelles de Barcelona, y un video que muestra el proceso de transformación que convierte el capitel en piedra, en un retorno a los orígenes. A través de la erosión producida por el agua, el capitel se convierte en una forma que toma como modelo una piedra encontrada en la riera de Balà, cerca del pantano de Sau (Osona). Perejaume juega con la confusión entre la creación humana y el deterioro provocado por las fuerzas de la naturaleza, mostrando, con teatralidad barroca, la relación entre dos elementos naturales.
Perejaume comenzó a exponer su obra a finales de los años setenta y desde entonces la ha ido desarrollado de forma paralela tanto en disciplinas visuales como en una extensión literaria. El paisaje es un tema recurrente que analiza y explora su obra, retomando y reevaluando la presencia que ha tenido sobre todo en la producción literaria y pictórica. A través de esta aproximación, la relación con el paisaje se examina desde diversos puntos de vista no exentos de ironía. Para Perejaume el hombre forma parte del paisaje, no es ajeno a él, es un agente más en su conformación y evolución, como si se hubiese acelerado el tiempo geológico. Perejaume ha recibido el Premio Nacional de Arte Gráfico de la Real Academia de Bellas Artes, el Premio de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura y el Premi Nacional d’Arts Visuals de la Generalitat de Catalunya.
MARCEL PEY
Cardona, 1948
The Burning Blade, 2018.
Neón con tubo de luz roja, 150 x 200 cm.
Este neón, que ha formado parte en diversas exposiciones y situaciones dentro de la escenografía suburbial de Marcel Pey, toma. en esta ocasión, el papel de ser una referencia a la naturaleza en creciente destrucción, lo que interpela a la llamada al respeto medioambiental inherente en toda a obra de Fenosa, especialmente con La Flamme.
Desde los años sesenta Marcel Pey representa algunas de las principales escuelas vanguardistas y experimentales del arte catalán. Su obra amalgama diferentes disciplinas como el cine, la literatura y la fotografía, hasta apropiarse de un lenguaje de síntesis e integridad híbrida. Desvinculado de toda corriente realista, el artista se adentra en los límites de la imagen en un universo fantasmagórico y angustioso donde la realidad se nos presenta travestida, desmembrada en espacio y tiempo. Confrontando la belleza y la perversidad nace un arte de dualidades donde tras la realidad se esconde la extrañeza, la inseguridad y el horror.
MAPI RIVERA
Provincia de Huesca, 1976
Sinapsis. Serie Verano IV y VI (Playa de Famara), 2013.
Fotografía sobre papel Hahnemüle Rag Baryta, 60 x 184 cm c/u. 2 piezas.
Sinapsis, el bosque interior, 2015.
Fotografía sobre papel Hahnemüle Rag Baryta, 115 x 60 cm.
La mística y la conexión con las realidades paralelas que no son comúnmente percibidas por las personas, son elementos clave en la producción artística de Mapi Rivera. Esta sinapsis es una sinapsis mística, en la que los rayos de luz, energías cósmicas sutiles, se unen con firmeza al corazón, ojo interior, de la persona visionaria, sumiéndola en el ensimismamiento, el arrobo o el éxtasis.
Mapi Rivera es una artista y poeta. Practica un arte corporal tomando referencias del misticismo y utilizando la belleza del cuerpo femenino para remarcar el fuerte vínculo que existe entre los humanos y la naturaleza. En su corpus de la creación artística, se aprecia claramente la constante búsqueda del equilibrio entre inmanente y trascendente. Mapi Rivera plasma en sus imágenes el reconocimiento de la espiritualidad como algo inherente al ser humano. La artista define su arte como corporal y místico, pues en él utiliza el cuerpo desnudo de la figura femenina como punto de unión entre la belleza de este y la paisajística. Forma parte del grupo de investigación Visionary Women Art.
APEL·LES FENOSA
Barcelona, 1899 – 1988.
Nacido en Barcelona el año 1899, llega a París en 1921. Su encuentro con Picasso resulta definitivo para su dedicación a la escultura. Él le animará y comprará obras, convirtiéndose en su primer y principal coleccionista. En 1924 realiza su primera exposición en París, prologada en el catálogo por el poeta Max Jacob.
El año 1929 Fenosa retorna a Barcelona con motivo de la organización de una exposición individual que tiene lugar en la Sala Parés y en el año 1939 decide exiliarse y se instala nuevamente en Francia.
Desde 1946 Fenosa expone individual o colectivamente en París, Londres, Barcelona, Madrid, Praga, Nueva York, Tokio, Osaka, Casablanca, Carrara… Grandes escritores y poetas contemporáneos escriben prefacios de sus catálogos, como Paul Éluard, Jean Cocteau, Jules Supervielle, Josep Carner, Alexandre Cirici Pellicer, Francis Ponge, Pablo Neruda, Michel Cournot, Roger Caillois o Salvador Espriu.
En el año 1981, la UNESCO le encarga el galardón que libra anualmente del Premio de Educación por la Paz. En 1982 recibe la Medalla de Oro de la Generalitat de Cataluña, seguida de la Légion d´Honneur en 1983, otorgada por el Ministerio de Cultura francés, y en 1987 la Medalla de Oro de la ciudad de Barcelona. Importantes retrospectivas de su trayectoria tuvieron lugar en Madrid en 1979, en el Museo Rodin en 1980, y en Barcelona en 1983-84 en el Palacio de la Virreina y en 1999 en el Museo de Arte Moderno.
Las obras de Atmósferas Futuras dialogan con diversas piezas de Apel·les Fenosa que se encuentran en el museo de forma permanente y con otras que se expondrán especialmente para la ocasión.
Actividades:
Rueda de prensa: 19 de abril, a las 12h.
Inauguración: 20 de abril a las 12h.
Fenosa y la literatura, visita de Sant Jordi: 23 de abril.
Aniversario de Apel·les Fenosa: 16 de mayo, desde las 18h.
Fenosa Experience (mayo): 17, 18, 19, 24, 25 i 26 de mayo. Visitas guiadas gratuitas al museo, jardín, mirador, torre y porche blau. Los viernes a las 18h y los sábados y domingos a las 12h. Duración de 1 hora. Es necesaria inscripción previa. Grupos de máximo 12 personas. *
Fenosa Experience (verano): Los viernes, sábados y domingos de junio a octubre. Incluye visita guiada especial al museo, jardín, mirador, torre y porche blau. Los viernes a las 18h y los sábados y domingos a las 12h. Duración de 1 hora. Es necesaria inscripción previa. 16€ por persona. *
Visitas guiadas al museo para grupos: Grupos de 8 a 14 personas. Es necesaria reserva previa. 98€ (tarifa guía) + precio de entrada por persona.
Artistes vists per Artistes: Encuentros con artistas de la exposición Atmósferas Futuras: Mapi Rivera, Perejaume, Anna Dot y Joaquín Jara.
Creadora en residencia: Begoña Mendez.
*La actividad Fenosa Experience no está adaptada para personas con movilidad reducida.
